12 cómics que regalar esta Navidad

¿Qué es una Navidad sin cómics? Aquí os dejo una selección ampliada de la que hice previamente para Papel en Blanco, con una selección de tebeos, novelas gráficas, mangas, cómics, como queráis llamarlos, que os pueden inspirar un regalo: 

Río Veneno, de Beto Hernandez (La Cúpula, 2025). La Cúpula sigue su planificación de traernos en magníficos tomos toda la obra de los hermanos Hernandez: Locas, Palomar… Y en este tomo, Beto sigue ampliando el universo de sus personajes de Palomar con un volumen dedicado a la poliédrica Luba. Este tomo aúna el melodrama y el noir de sangre caliente, que desembocará en la mayoría de edad de nuestra protagonista, cuando el destino la lleve a instalarse en un pueblo llamado Palomar. Una historia llena de sexo y áspero costumbrismo made in Hernandez Bros. 

 

Historia de Jerusalén, de Vincent Lemire y Christophe Gaultier (Garbuix Books, 2024). En un momento en el que Israel está en los noticiarios de todo el planeta, quizá no es mala idea tener una perspectiva histórica de qué ha sido de Jerusalén durante sus casi 4000 años de historia. Esto es lo que pretenden Vincent Lemire y Christophe Gaultier, en esta titánica novela gráfica: aunar milenios de sucesos para narrarnos la historia de una ciudad entre el desierto y el Mediterráneo, donde se han sucedido invasiones, guerras y asedios. Nada es dejado al azar o inventado: escenas y diálogos prodecen de más de 200 fuentes publicadas y archivos inéditos, para dar cuerpo a esta narración coral que ha llevado seis años de trabajo a sus autores. Un trabajo titánico que, como plus, está firmado en los dibujos por el genio de Christophe Gaultier.  

 

Bienvenido al mundo, de Miguel Brieva (Astiberri, 2025). Hay algo en las páginas de Brieva que fascina. Quizá es la conjunción de su dibujo, que hace hincapié en lo feísta, en la recreación general del territorio de la sinrazón, del exceso barroco de sus composiciones -con una cantidad exagerada de textos de apoyo, notas o profusos diálogos-, junto a la denuncia sistemática de la cara más oscura de la publicidad, el corporativismo, las religiones organizadas, el sistema político, la especulación inmobiliaria… No hay tema que Brieva no sacuda de forma crítica. En esta nueva edición aumentada de Bienvenido al mundo, una especie de versión acidísima del Diccionario del Diablo de Bierce, Brieva hace un cáustico resumen de nuestra sociedad ultratecnificada y, sobre todo, deshumanizada.  

 

Astérix en Lusitania, de Fabcaro y Conrad (Salvat, 2025). Como ya comentamos en su reseña aquí, Astérix en Lusitania, el nuevo álbum del irreductible galo publicado este año, de manos del tándem de autores actual, Fabcaro y Didier Conrad, es un digno sucesor de las aventuras originales. En esta entrega, Astérix y Obélix viajan a Portugal para intentar librar a un inocente de una acusación por haber intentado envenenar a César. Divertidos anacronismos, una trama simpática, y un Conrad que es el mejor heredero de Uderzo que uno puede imaginar.

 

Historias de la guerra: Castillos en el cielo, de Garth Ennis y Matt Martin (Aleta, 2025). Si conocéis a Garth Ennis sabréis ya de su interés por contar historias bélicas. Alejado de su lado más gamberro, Ennis ha construido en su cabecera War Stories una serie de relatos (muchos de ellos basados en historias reales) que, más que apelar a la épica, buscan retratar el absurdo de la guerra y cómo el ser humano reacciona ante situaciones tan extremas como esa. En esta nueva serie perteneciente a Historias de la guerra, titulada Castillos en el cielo, Ennis deja a la infantería y nos lleva a las tensas e imprevisibles batallas aéreas en la II Guerra Mundial, con el testimonio de aguerridos pilotos manejando verdaderas fortalezas volantes, y nunca sabiendo si ese vuelo sería el último. Ennis en su faceta más interesante, sin duda.

 

Siempre hay una primera vez, de Dan Santat (Maeva Young, 2025). Una nueva incorporación al catálogo de cómic de Maeva Young de este año es la obra de Dan Santat Siempre hay una primera vez, ganadora del National Book Award de 2023 y candidata al Eisner 2024 en la categoría de Memoria Gráfica. Se trata de una tierna novela gráfica donde el autor vuelve sobre los recuerdos de su viaje de estudios siendo estudiante. Ese viaje a Europa para un muchachito como él representa una especie de coming of age, un viaje que no es sólo en el espacio, sino hacia el portal de hacerse un adulto, lo que incluye el primer amor, las primeras decepciones… En fin, que, como reza el título, siempre hay una primera vez, y a veces es buena, y otras es mala, y de ambas maneras está bien que así sea. Dibujo amable y sencillo, trama simpática… Uno de esos cómics con los que Maeva, como siempre, acierta.

 

  

Bruma: 1. El despertar del dragón, de Jerôme Pelissier y Carine Hinder (Astiberri, 2025). Bruma es una niña a la que encuentran en el bosque. Y su pequeña obsesión es convertirse en bruja. Pero, ¿y si realmente fuera una bruja? Esta nueva serie gala se ganará vuestros corazoncitos ya desde la portada, y es que el arte de Carine Hinder es espectacular: spooky-cute, halloweenesco y absolutamente arrollador. Y la historia es una de esas que tiene en los lectores más jóvenes su mejor público. Todo un descubrimiento y una serie que llega ya laureadísima desde el país vecino.

 

Mortadeluxe, de Francisco Ibáñez (Bruguera, 2023). Penguin Random House en su sello Bruguera está reeditando con mucho tino algunas de las obras maestras del cómic español clásico, y en Mortadeluxe tenemos un ejemplo de ello. Este tomo contiene algunas de las mejores historias del personaje de Mortadelo: El sulfato atómico, Valor y al toro! y Chapeau el esmirriau, álbumes que significaron un antes y un después en la obra de Ibáñez y en el cómic nacional.  

 

Aquí donde estoy, de María Castro y Tyto Alba (Astiberri, 2025). "Aquí donde estoy" era lo que escribían en sus cartas los soldados de la guerra civil española que estaban en el frente para ocultar su posición. Gabriel León Honrubia (1920–2021) luchó con tan solo 18 años en la batalla del Ebro como parte de la llamada "quinta del biberón" del ejército republicano. Ésta es la historia que María Castro ha rescatado y que Tyto Alba, tan dado a realizar memorias gráficas de este tipo, ha ilustrado con su habitual estilo. Un pedacito de la memoria histórica rescatada con muy buen tino y muy buen pulso. Incluye documentación real de la historia del protagonista.

 

Shade, el hombre cambiante, de Peter Milligan y VVAA (Panini, 2025). Éste es uno que posiblemente me autorregale. Un clásico de la proto-línea Vértigo de DC está de vuelta gracias a la reedición en tomos de Panini. Una reinvención del personaje creado por Steve Ditko que ayudó a catapultar a su guionista, el aclamado más tarde Peter Milligan e ilustrada por el legendario y añorado Chris Bachalo.

 

Las montañas de la locura (dos tomos), de Gou Tanabe (Planeta, 2021). Gou Tanabe ha acabado siendo conocido por las adaptaciones de la obra de H.P. Lovecraft, y no es para menos: en él se funde el terror ominoso del autor de Providence con el trazo realista pero a la vez lisérgico del japonés. Este año hemos podido leer la adaptación de uno de los pocos textos largos de Lovecraft, su novela Las montañas de la locura, una continuación natural del libro Narración de Arthur Gordon Pym de Poe. 

 

Locas (integral 1), de Jaime Hernandez (La Cúpula, 2025). Beto no es el único Hernandez representado en esta lista, porque su hermano Jaime también está de reedición en La Cúpula. Además del también destacable Dibujo del natural, donde encontramos a las protagonistas en el presente, Locas nos presenta el inicio de todo: la saga de cómics que mezclaba costumbrismo con ciencia-ficción descabellada, aventura y romance, y donde conocíamos a Maggie Chascarrillo, Hopey, Tonta y todas las mujeres esculpidas por Jaime Hernandez. Con un sorprendente sincretismo, Jaime a veces es un poco Crumb, un poco Frazzetta, un poco cómic de Archie... pero de esta amalgama emerge una  obra muy personal y reconocible. 

'El laberinto del Cuco', de Max (La Cúpula)

Max es un autor que nunca se ha conformado con permanecer en su espacio seguro. Todas y cada una de las obras que ha publicado han sido siempre un paso adelante en la consecución de una estética personal, trabajada con ahínco desde sus inicios en el underground, y dando cada vez más énfasis a la depuración de los elementos gráficos, casi como un Juan Ramón Jiménez comiquero. Hemos hablado ya aquí muchas veces de este proceso. Es Max, además, un autor que se ha prestado al intercambio entre otras disciplinas aledañas al cómic. Y no es de extrañar, luego, que se aliara con la compañía de artes Itinerània, que, desde 2006, reivindica en sus obras la calle como espacio de encuentro. De esta feliz simbiosos nace El laberinto del Cuco una instalación, un cómic inmersivo, que originalmente se plantó en la calle (en Tàrrega, Catalunya) y que, en forma de laberinto, se convertía en una experiencia narrativa para el lector, que seguía los dibujos a través de los panales instalados en unos caminos que se bifurcaban.

 

El mallorquín de adopción ha sido siempre un enamorado del mito, y, consecuentemente, el concepto de laberinto resulta a Max muy grato. Cirlot decía que el laberinto "es una construcción arquitectónica, sin aparente finalidad, de complicada estructura y de la cual una vez en su interior, es muy difícil encontrar la salida". Su simbolismo plantea la necesidad de alcanzar un centro, un espacio de verdadera paz. Y esto es lo que en la instalación de Fira Tàrrega se planteaba. Mediante la urraca de Max, un personaje-tótem en algunas de sus últimas obras, vamos serpenteando por los caminos (y las alternativas narrativas) que el autor nos plantea. En ellas, aparecen todos los elementos habituales de la actual estética de Max: la simpleza pero energía de su trazo, la alondra, el desierto, el bosque ululante... Y, en el centro del laberinto, la paz, el sosiego, después de toda las abracadabrantes peripecias de nuestra protagonista.

 

Si la instalación en Tàrrega ya debió de constituir para Max un desafío a la hora de integrar el espacio físico con la narrativa en laberinto que quería contar, me imagino que el hecho de convertir esa experiencia peripatética del visitante en un libro debió de ser doblemente desafiante. Sobre todo, porque al tener que encerrar entre los pliegos de un cómic la sensación de laberinto, el autor justamente buscaba que en su centro -el centro físico del libro- también se albergara el corazón del laberinto. Para adoptarlo a sus páginas y su necesaria correlación de hojas, Max tiene que optar por un formato parecido al de los Elige tu propia aventura, saltando de página en página para simular los vericuetos del laberinto.

El laberinto del Cuco es un intercambio entre diferentes artes y un experimento muy del agrado del cronopio de Max, que implica al lector hasta un punto en que (originalmente) el cómic no puede: que entre, literalmente, dentro de la obra, que participe de ella con sus idas y venidas, que se vea envuelto en los lienzos, y, en suma, que interactúe con la narrativa secuenciada, el cómic, de una forma nueva. Por este tipo de iniciativas es por lo que Max es uno de nuestros activos más importantes en el cómic de nuestro país. 

'No sé, pero... creo que moriré', de Lorenzo Montatore (Astiberri)

Lorenzo Montatore es sinónimo de fusión de tradición con vanguardia. Así, de primeras, se me ocurre que habría sido un genial miembro de la generación del 27, porque sabe recoger los elementos del cómic popular español, de esas lecturas que seguramente hizo de pequeño, y adapta su gramática y su estética a sus intenciones reflexivas. El resultado son siempre cómics brillantes, atrevidos, que buscan lidiar con los límites del noveno arte. Este mes, Astiberri presenta la nueva obra de este autor: No sé, pero... creo que moriré.

Montatore es un autor incómodo. No se conforma con investigar un estilo, sino que cada una de sus obras anteriores es diferente en el acabado. Y sin embargo, en todas encontramos un denominador común, que no sólo es estético, sino también temática. En No sé, pero... creo que moriré encontramos trazas de una de sus obras anteriores, Queridos difuntos, en la que la muerte desea saber qué es aquello que tiene la vida que hace tanto temer a los seres humanos su visita, por lo que baja a convivir con ellos y saber qué sienten. En la nueva obra, nos encontramos dos planos, dos personajes que funcionan como un espejo entre la vida y la muerte: un niño descubriendo la muerte y un fantasmita recordando la vida.

En una primera lectura podríamos no atender a la profundidad del tema y tan sólo apreciar las bondades de la técnica de collage que Montatore usa y que lleva su obra a un nuevo nivel, emparentándola con las técnicas de composición dadaísta. En esa primera lectura podríamos pensar que la anécdota, la trama es en sí misma anodina, pero nada más lejos de la realidad. A pesar de su apariencia naïf, el cómic lleva una carga filosófica y reflexiva de admirar. Por un lado tenemos a un niño, aficionado a dibujar, que se va encontrando en diversas ocasiones, con la muerte: en el entierro de la sardina, casi como un ensayo ficticio, y luego con el fallecimiento de personas cercanas, lo que le lleva inevitablemente a pensar en su propia muerte. Por otro, tenemos a un fantasmita, que revisita lugares desiertos (la isla de un náufrago, una ciudad sin habitantes) y en los que intuimos la soledad de los muertos. El ectoplasma parece recrear su vida pasada y contemplar la vida, seguir los pasos de su carnoso doble. Porque ambos son las dos caras de la misma moneda. E incluso el lector tiene un par de pistas para saber cómo uno se convirtió en el otro.

Qué solos se quedan los muertos, decía Bécquer. Y qué pequeños, qué aturullados nos quedamos los vivos cuando somos conscientes de nuestra finitud, de que algún día cruzaremos el umbral. Montatore, creo, es en No sé, pero... creo que moriré más autobiográfico que nunca, más onírico. En un riguroso blanco y negro encontramos aquí técnica salvajemente mixta: rotuladores, bolis, papeles recortados, fotografía, textos mecanografiados, escultura... Todo contribuye a darle cuerpo a esta reflexión inesperada. Montatore vuelve a superarse a sí mismo. Este nuevo cómic es su título más redondo y un firme candidato a uno de los cómics del año. 

Destacados de las novedades de Panini de diciembre de 2025

Retomo una costumbre que tenía anteriormente, y es ojear las novedades de algunos boletines de editoriales y recomendar lo que yo compraría. Vamos con las novedades propuestas por Panini, que engloban tanto DC como Marvel, porque hay mucho material interesante este mes: 

 

Para empezar, esta serie completa (14 números) de Night Force, con un tándem mítico: Marv Wolfman y Gene Colan. Esto tiene aroma clásico sin duda, y no tengo ni idea de qué es. Parece una serie de aventura con tintes de terror y sello muy old school.

 

Esto pensaba que era reedición, pero ahora no sé si es material nuevo: la serie de Zatanna: Bring Down the House (Abajo la sala), y de nuevo el interés aquí está en qué hacen los dos autores con este personaje menor de DC: Mariko Tamaki (que ya ha trabajado en el mainstream con Harley Quinn, pero que es más conocida por sus novela gráficas más indies, Roaming la última de ellas) y el gran Javier Rodríguez (enorme en Daredevil). Y aquí tenemos a este personaje relacionado con la magia malgastando su talento en Las Vegas... hasta que empiezan los problemas.

 Aquí, en cambio, me inclino no por los autores, sino por un personaje al que tengo debilidad: desde su etapa con Sienkiewicz, a la maravillosa de Warren Ellis, me fascina. ¿Qué tal probar con esta nueva serie de Caballero Luna: El puño de Khonshu, de Jed MacKay y  Alessandro Cappuccio? Por lo que veo, esto es una nueva serie (¿limitada o abierta?) de los autores que actualmente están trabajando con el personaje de Marc Spector. 

Una recuperación de material noventero que se reedita de forma independiente: Lobezno: fauces y garras (o viceversa), de Howard Mackie y Sam Kieth (The Maxx, Sandman). Sólo por el arte siempre hiperbólico de Kieth, esta rareza ya vale la pena, aparte de tener como protagonistas a dos de los personajes con más tirón de Marvel.

 

Y aquí viene otro tocho con muy buena pinta, si bien es cierto que de Jason Aaron, del que me encantó Scalped, apenas he leído nada en su amplio paso por el cómic de superhéroes. En este tomaco recopilatorio (23 números) une fuerzas con Steve Dillon, un autor que no es muy santo de mi devoción, pero bueno, también firma Roland Boschi (autor de la portada, imagino, porque ése no es Dillon).

 

Otra reedición interesante, y es que por fin aparece un Omnibus de Miracle Man, sin mencionar obviamente al "guionista original", al señor Alan Moore, que hace años que decidió distanciarse de obras como ésta.  

 

Y finalmente, una nueva reedición de esta obra de género noir de Brubaker y Phillips, que ya con Criminal, Fate y el resto de sus obras han demostrado dominar totalmente. En este The Fade Out vuelven a unir fuerzas para contar una historia ambientada en la época dorada de Hollywood

Ésta es mi pequeña gran selección, pero si queréis consultar el resto de novedades de diciembre de Panini, las podéis ver aquí.

 

'Astérix en Lusitania', de Fabcaro y Conrad (Salvat)

Astérix vuelve con una nueva aventura, de la mano de Fabcaro y Didier Conrad, el actual tándem que se encarga de los nuevos álbums de los irreductibles galos (El lirio blanco), tras haber finalizado como guionista Jean-Yves Ferri (Astérix tras las huellas del grifo, Astérix y los pictos). En esta ocasión, Astérix y Obélix son requeridos en Lusitania (Portugal) para intentar liberar al padre de una joven que ha sido acusado falsamente de haber intentado envenenar a César.

En Astérix en Lusitania encontraremos el mismo humor blanco de siempre, los nombres graciosos, las ocasionales críticas a fenómenos contemporáneos o a personajes de la vida real caricaturizados. Y mención aparte hay que hacer para el entrañable y divertido retrato del carácter portugués y lisboeta, la melancolía y la “alegre tristeza” de la saudade, o sus tradiciones gastronómicas, que tanto enervan a Obélix. 

Fabcaro demuestra que ha aprendido bien la lección de Goscinny, y el álbum respira el aroma clásico de las aventuras de los dos personajes, en la línea de Astérix en Hispania, mientras que ya con muchos álbums a su espalda, Didier Conrad demuestra que es el heredero natural de Uderzo, y que con él el estilo de la serie está completamente preservado.  Personalmente, me sorprende el tono agrio con que otras reseñas han escrito sobre este álbum. En Astérix en Lusitania no hay ni más ni menos que lo que esperamos encontrar en un álbum de Astérix. A mí me ha parecido divertida la parodia de las costumbres lusitanas (como siempre ha hecho la saga, incluso cuando nos retrataba a los hispanos), aunque sí es cierto que Conrad podría haber aprovechado para caricaturizar algún personaje de la vida real que fuera portugués (entiendo que el lector francés tendrá poco conocimiento de personalidades lusas, pero ni que fuera Cristiano Ronaldo), ya que el que sí encontramos satirizado es un émulo del presidente italiano Berlusconi.

Este nuevo aporte a la saga no decepcionará en absoluto a ningún fan de la saga y confirma que los personajes tienen mejor salud que nunca.

'Una canción para dos', de K. O'Neill (La Cúpula)

K. O'Neill lo ha vuelto a hacer. Desde que publicó en 2018 La sociedad de dragones de té (La Cúpula) he ido escribiendo sobre las obras que se han ido editando en castellano de este autore. Ya en aquella ocasiones, y en las siguientes partes de la saga remarqué que O'Neill tiene un estilo muy característico de contar historias. De forma sosegada, con la naturaleza como personaje importante en cada una de sus obras, y sin un "enemigo" al que enfrentarse, esto es, sin un personaje que se enfrente al protagonista. 

Y esto es porque O'Neill ha aprendido muy bien la lección de Miyazaki. Siguiendo su estela, nos ha contado historias sosegadas, reflexivas, intimistas, en las que la adversidad viene dada por el conflicto interior de los personajes. Y este conflicto será resuelto con la ayuda de la comunidad que envuelve al personaje.

Esto es lo bonito de las obras de O'Neill: su esperanzador humanismo, su optimismo. Ambientadas todas sus obras en una época y en un tiempo mítico, esa naturaleza que reina en todo su esplendor, donde los seres humanos viven en armonía con su entorno, ofrece un punto de partida sobre el que empezar a construir de nuevo las relaciones entre los seres vivos. ¿Es escapismo quizá? ¿O sólo idealismo? No lo sé, pero tampoco es importante. En todas sus obras (Bahía Acuicornio, Érase una vez dos princesas) estos principios se mantienen como señas de identidad de le autore.

De esta manera, Una canción para dos se ambienta en un paraje que, supongo, comparte el universo fantástico de sus anteriores obras -al menos en espíritu- y donde conocemos a Rose, una joven que se prepara para las pruebas de guardabosques. Antes de obtener sus honores, es enviada a cuidar de un despreocupado pastor de ovejas, Leone. Éste parece más resuelto a tocar el violín para sí mismo que a cuidar de sus rebaños. Ambos tienen algo que les reconcome, y juntos, conociéndose, darán con la clave para solucionar ese malestar.

Una canción para dos, de nuevo, es un cómic que hace de la inclusión un estandarte invisible, un factor muy importante que es utilizado con naturalidad, sin ninguna estridencia, en este contexto que he mencionado antes que es como borrón y cuenta nueva para contar historias tiernas que hablan de la identidad: de quiénes somos, de cómo nos ven los demás, de qué piensan los demás de nosotros y cómo sentirnos a gusto con nosotros mismos. 

Estilísticamente, Kay O'Neill no ha dejado de avanzar: su trazo (en esta ocasión con un pincel que simula el lápiz y un uso limitado pero muy inteligente del color -otro préstamo de Miyazaki) es delicado, lo que hoy llaman cozy o cute, y ha aprendido del manga la lección de la planificación de encuadres que subraya la importancia de la naturaleza en esos planos que anticipan la entrada de los personajes.

En suma: Una canción para dos. Una magnífica adición a la obra de le autore, una lección de sensibilidad y de buen pulso narrativo.  

'Cómo los ricos saquean el planeta (y cómo impedírselo)', de Hervé Kempf y Juan Mendez (Garbuix)

 

Hervé Kempf en Cómo los ricos saquean el planeta (y cómo impedírselo) hace fácil lo que es en apariencia muy complicado: traza un historia de la lucha de clases en apenas unas páginas y luego, con una serie de aportaciones documentales demoledoras, pasa a explicar el propio título del cómic. Y es que en un mundo en el que el capitalismo ha pisado el acelerador del agotamiento de los recursos limitados del planeta, esta obra, que pone en su lugar el importante papel de los que más tienen (y que no hacen nada para cambiar la deriva de los acontecimientos), debería ser lectura obligatoria para cualquier escolar al final de su etapa obligatoria. Juan Mendez pone dibujos a la tesis de Kempf: la ostentación, el despilfarro y la nula empatía de los que han sido corrompidos por la ultrarriqueza impide cualquier cambio en el statu quo y en la lucha por salvar el medioambiente. Esto no será así, añado yo, hasta que una gran parte de la población sea consciente de ello, deje de ser servil con los ultrarricos, y pida a sus políticos que pongan en cintura a esas grandes fortunas. Cómic muy valiente, didáctico, explicado de forma muy sencilla para llegar al máximo de lectores, y que se hace muy necesario hoy en día. Al mismo tiempo, muy incómodo: nos recuerda la importancia de la lucha de clases. No será bien visto por el sector antivacunas-terraplanista-sí a las IAs que piensa que el cambio climático es una chufa inventada por cuatro abrazaárboles. Si saben leer sin tener ese sesgo planeticida, no lo duden: de lo mejor de 2025.

'Elon Musk: retrato de un oligarca', de Darryl Cunningham

Darryl Cunningham es una de las voces más incisivas del panorama contemporáneo del cómic británico. Autor e ilustrador con una fuerte vocación divulgativa, su obra transita con soltura por los territorios del ensayo gráfico y el periodismo ilustrado y la autobiografía, abordando cuestiones incómodas sobre nuestra sociedad o la política, desde una perspectiva crítica, racional y empática. Cunningham inició su carrera con una fuerte impronta autobiográfica. Su primer gran reconocimiento llegó con Psychiatric Tales (2011), una colección de historias basada en su experiencia trabajando en una unidad psiquiátrica, así como en su propia lucha contra la depresión. Esta obra marcó muchas de las constantes temáticas y formales que caracterizan su producción: la preocupación por el conocimiento riguroso, la denuncia de los estigmas sociales, y un estilo gráfico deliberadamente sobrio, funcional, casi didáctico, que pone al servicio de la claridad narrativa por encima del virtuosismo estético. 

Posteriormente, Cunningham se consolidó como un autor de cómic documental, con obras como Science Tales (2014), donde desmonta con rigor científico algunas de las teorías conspirativas más populares —desde el negacionismo del cambio climático hasta las pseudociencias—; más recientemente, ha abordado temas de geopolítica y autoritarismo en obras como La Rusia de Putin (2021), una escalofriante crónica del ascenso del autoritarismo en la Rusia contemporánea. En todos estos trabajos, su dibujo —esquemático, de líneas claras, a menudo monocromático con acentos de color simbólico— actúa como una interfaz visual que facilita la comprensión de ideas complejas sin renunciar a la carga emocional del relato. 

Con Elon Musk: retrato de un oligarca, Cunningham selecciona a un personaje que podría definir perfectamente los vaivenes de los últimos años en las sociedades capitalistas modernas. Porque para hablar del presente y del futuro inmediato de EEUU y de todo Occidente es inevitable citar al hombre más rico del mundo, y quizá el más polémico y odiado. Cunningham disecciona la bibliografía del billonario partiendo de su árbol genealógico: su abuelo fue un conocido tecnócrata, que más tarde apoyó fervientemente el apartheid cuando se mudó a Sudáfrica. Elon nació en el seno de una familia acomodada de Pretoria, lo que le brindó ventajas significativas a lo largo de su carrera. Gracias a su posición privilegiada, pudo estudiar en universidades de prestigio y mudarse joven a Canadá y luego a Estados Unidos. En 1995, junto a su hermano, fundó Zip2, una empresa que fue vendida por cientos de millones a Compaq apenas cuatro años después. Esa base económica le permitió impulsar una serie de proyectos de alto riesgo y capital intensivo: fundó X.com, que luego se transformó en PayPal; y, tras su venta a eBay, canalizó su creciente fortuna en iniciativas como SpaceX, Tesla, SolarCity, Neuralink, The Boring Company, y OpenAI. Las inversiones de organismos públicos y las ayudas provenientes de los impuestos americanos fueron clave para sus empresas, sin las limitaciones comunes a la mayoría de innovadores. En 2022, compró Twitter por 44.000 millones de dólares, y en 2021 se convirtió en la primera persona en alcanzar los 300.000 millones de dólares de fortuna personal. Porque no es oro todo lo que reluce en Musk, y Cunningham indaga en su vida y milagros aportando una bibliografía extensísima en la que se apoya su trabajo. Aunque el propio autor le concede a Musk que haya tenido una visión de negocio amplia y haya sabido orientar al futuro sus negocios (los trabajos de su equipo han hecho evolucionar el modelo de coche eléctrico, por ejemplo), no es menos cierto que estamos hablando de una persona narcisista, ávida de reconocimiento, celosa, inestable, vengativa y con unas ideas obtusas sobre el bien y el mal. 

Cunningham demuestra en Elon Musk: retrato de un oligarca que la carrera de Musk se ha cimentado en sus privilegios de salida, y en el dinero de los demás. Ha quemado ingentes cantidades de dinero a espuertas, y pudiendo ser recordado como un filántropo que hizo avanzar a la Humanidad, pasará a la historia por ser un ser humano mediocre y egocéntrico. El tipo de cómics que Cunningham escribe podría definirse como un cruce entre el ensayo gráfico, la divulgación científica y la crónica crítica. En la línea de otros autores como Joe Sacco o Igort, pone el cómic al servicio del conocimiento. Su estilo, didáctico y sencillo pero nunca cómodo, sólo tiene una pega: para tender puentes entre disciplinas y lectores diversos, sacrifica el amplio potencial simbólico que tiene el cómic en su narrativa. Pero eso no hace que su obra brille menos, sino simplemente que su valor documental se enfoque en lo que cuenta, y no en cómo. Siempre algo incómodo y necesario, Cunningham nos interpela desde su nueva obra a reflexionar en la sociedad en la que vivimos.

'Parker: la presa', de Stark, Kieran y Headline (Astiberri)

Si la novela negra tiene en Richard Stark uno de sus mejores exponentes, no es menos cierto que sus adaptaciones a cómic han brillado con luz propia, y han capturado la esencia noir del personaje de Parker. Ha habido diversas versiones en la gran pantalla de las novelas (desde la protagonizada por Lee Marvin -para mí, la mejor encarnación del personaje, hasta la todavía por estrenar Play Dirty con Mark Wahlberg), pero sin duda el cómic ha podido jugar con su gramática para extraer una esencia plenamente noir para Parker. Fue el caso de los dos integrales previos, que vimos reeditados por Astiberri hace pocos años, y que mostraban a un (tristemente fallecido) Darwyn Cooke en todo su esplendor. El resultado era un tono noir, sombrío, deudor de la época en la que se ambientan las novelas, magistral. 

Esperaba con expectación esta nueva aportación a las adaptaciones de Stark con esta nueva entrega, La presa, en la que el tándem francés de Doug Headline (guiones) y Kieran (dibujo y color) tomaban el relevo de Cooke. Tenían una tarea complicada, sin duda: la manera de entender el noir de Cooke era prácticamente canon y se extendía más allá de las obras propiamente de género que había dibujado. Pero hete aquí que tanto a nivel de guion, como de dibujo, estos dos autores se saldan con una excelente nota y entregan un trabajo que se distancia lo suficiente del de de su predecesor para poder evitar odiosas comparaciones.

Kieran utiliza un dibujo muy estilizado por sus diversas influencias -me recuerda en ocasiones al afilado lápiz de Sean Murphy (Batman: Caballero Blanco)-, que beben tanto del cómic americano, como del europeo, e incluso yo diría que del manga en alguna línea, pero sin que ninguna sea evidente. Aún más: el mejor aporte del ilustrador, en mi opinión, es el uso del color -azul/gris aplicado en bitono- y de las tramas (¡con forma de huellas dactilares, qué gran decisión de diseño!), que le dan al dibujo un inequívoco sabor vintage, como de ilustración de los años 50. Efectivamente, hay viñetas a toda página que prácticamente podrían estar sacadas de un Selecciones del Reader's Digest. Y, en lo que respecta a la trama, la adaptación de la historia original The Sour Lemon Score del novelista Stark en manos de Headline contiene todos los ingredientes para armar una trama noir de venganza, en la que el protagonista pasa de ser traicionado cuando van a repartir el botín de un robo, a convertirse en perseguidor de aquel que ha querido eliminarlo.

Concluyendo: podemos estar tranquilos porque la serie (que continúa publicándose) de adaptaciones de las novelas de Richard Stark continúa en muy buenas manos con el nuevo equipo. La presa es un comicazo que os recomiendo. 

'Bajo los árboles, donde nadie te ve', de Patrick Horvath (Astiberri)

Patrick Horvath es un productor, director y guionista de cine que se ha especializado en el género de terror. En 2024 dio el salto como autor completo de cómic con esta serie, Bajo los árboles, donde nadie te ve, que mereció una nominación al Eisner a la mejor serie nueva. La historia nos lleva a un idílico pueblo, habitado por unos adorables animales antropomórficos, donde conocemos a Sam, una afable osa que trabaja en una droguería. Pero toda esa fachada a lo El viento en los sauces se derrumba tras las primeras páginas, cuando Sam nos cuenta que es una asesina en serie... Muy cuidadosa y cívica, pero implacable. Horvath apela aquí a la disonancia entre una estética infantil y bonita (simpáticos animalitos, colores vívidos) y la narración de hechos explícitos y terribles. Lo que se ha dado en llamar creepy-cute, fenómeno nada nuevo (¿os acordáis de los Happy Tree Friends?), pero pasado de rosca, como en Stray Dogs (el autor de la cual, Tony Fellecs, encontramos elogiando esta obra). 

Leyendo el cómic, uno tiene la impresión de que parece una versión animalizada de Dexter, sólo que en esta serie de tv (y libros), el protagonista-asesino intentaba dar una validación moral a la elección de sus víctimas, al estilo del Morbius marvelita. Aquí no la hay: el único problema de Sam es que alguien se mete en su parque de juegos y eso puede perjudicarla. Ignoro si el autor pensaba que estaba haciendo algo sumamente original, puesto que no es el caso, y, por lo demás, el cómic se lee por su capacidad de intentar epatar al lector y de darle una historia con la casquería justa para estas historias, que devanea entre el thriller y el gore. Me vais a perdonar, pero yo no puedo entrar en estas historias amorales. No es porque triunfe el mal: hay muchas historias de terror donde no hay un final feliz y está bien. Es más ese regodearse en el caos y la amoralidad pura, simple, gratuita, lo que me produce rechazo. Siempre me recuerdan a una historia breve que estaba incluida en el primer Batman: Blanco y Negro, creo que era de Brian Bolland, en la que un tipo anónimo nos cuenta cómo tiene todo preparado para pegarle un tiro a Batman cuando éste se despiste y cómo luego seguirá con su vida como si tal cosa. Hay que reconocerle el talento, eso sí, a Horvath, para ser tan multidisciplinar, porque como ilustrador y narrador lo hace bien. A mí, no obstante, no me ha conseguido como lector.

'Días sin escuela', de Elena Uriel y Sento (Astiberri)

La guerra de Bosnia fue una guerra que, como otras de la época -la primera del Golfo Pérsico,- era algo que, para los jóvenes del momento, sucedía muy lejos y de lo que hablaba el telediario, y poco más. Pero cada guerra es terrible, y, como cita el cómic, “todas las guerras se libran dos veces, la primera en el campo de batalla, la segunda en el recuerdo”. Y esto es lo que construyen Sento y Elena Uriel en Días sin escuela: rememorar una guerra “de baja intensidad” (para nosotros, en absoluto de verdad así) en los recuerdos de quienes eran entonces un niño de seis años y una niña de cuatro, que vivieron el infierno de la guerra en los Balcanes y fueron acogidos por los autores, coprotagonista de la historia, en España. Tras la excelente Dr. Uriel, Sento vuelve a la temática bélica con esta historia en la que el presente convive con los recuerdos de aquellos días en los que, inocentemente, los niños disfrutaban porque no había colegio. Es curioso cómo, a ojos de los niños, lo que ocurría podía ser muy diferente de lo que veían los adultos, y aquellos niños que ahora son adultos rememoran los pequeños detalles. Efectivamente, la clave del cómic está en el tamiz de la memoria sobre los hechos, un factor de resiliencia que ayuda a superar hechos como los de aquella guerra, que por lo demás, también tuvo matanzas étnicas y barbarie para los civiles. Los autores separan las dos líneas temporales con el uso del color, y es delicioso volver a disfrutar de la línea clara de Sento (¡y aún más cuando rompe la figuración para expresar lo terrible de la guerra!). Muy buen cómic para la memoria este Días sin escuela.

'Paul en casa', de Michel Rabagliati (Astiberri)

La serie de Paul de Michel Rabagliati me enamoró desde que, hace muchos años, mi librero de confianza, Jaume de Gotham Comics, me prestó Paul va a trabajar este verano (Fulgencio Pimentel, 2006). Con los años, a pesar de no leerlos en el orden en el que aparecieron, he ido completando los huecos de esta saga con creciente deleite. Después de Paul en los scouts (2014) y Paul en el norte (2016), ahora Astiberri edita Paul en casa. 

En esta nueva entrega encontramos a un Paul más cercano al presente -y consecuentemente al Rabagliati original-, ya en la cincuentena, ubicado inmediatamente en el momento de la promoción del album Paul en los scouts.  Paul está divorciado, a su madre le diagnostican una enfermedad terminal... y en ésas está. Sin perder un ápice de la habilidad narrativa que le caracteriza (la exquisita planificación de página, el metafórico árbol que abre cada capítulo de la historia), Rabagliati hace un giro en esta obra que me hace pensar en Peter Bagge. Su dibujo, siempre con ese estilo deudor de los cartoon de los años 50, algo emparentado con el de Seth, parece que se ha afilado (¿desquiciado?) con el tiempo, o quizá para este álbum, y el tratamiento de uno mismo, aunque no es tan despiadado como en el caso las obras del autor de Odio, se hace tragicómico en las miserias y las pequeñas alegrías de la vida. 

La soledad, el sentido de la vida, la certeza de la finitud, el anquilosamiento de nuestro cerebro según nos vamos haciendo viejos... son algunos de los temas que Rabagliati inevitablemente toca en esta entrega. Porque, en esta ocasión, o al menos ésta es mi impresión respecto a las entregas anteriores, aquí la introspección parece cobrar importancia frente al mero desfile de recuerdos que habían sido los cómics anteriores (al fin y al cabo, éste es el cómic más cercano al presente que ha publicado, es lógico que tenga un carácter más intimista).

En definitiva, si las anteriores historias de Paul consistían en una evocación, más o menos ficcionalizada, de un recuerdo, aquí, pienso, el tema del retrato psicológico toma mayor relevancia y pone sobre la mesa una serie de cuestiones existenciales, no exentas de humor (y cierta esperanza). Cabe decir que, además, la cercanía personal de los hechos que cuenta Rabagliati con mi propia experiencia hacen que valore todavía más este Paul en casa. Si me preguntáis, en este momento de la vida diría que éste es mi volumen preferido de todos lo que han aparecido hasta ahora. 

'Por si desaparezco', de Mirion Malle (La Cúpula)

Sigo recuperando cómics que durante el invierno no he podido leer. Le ha tocado el turno a Por si desaparezco, de Mirion Malle. Admito también que el tema hizo que dejase para más adelante su lectura. Porque, efectivamente: Mirion Malle escribe aquí un cómic duro, de desahogo. Clara es un alter ego para hablar de temas muy complicados, como la depresión, y todo lo que conlleva en una persona. La protagonista es una joven que tiene un trabajo editorial en el que se siente presionado, está escribiendo un poemario en el que está bloqueada... Y es que algo más va mal en Clara. Las amistades no la satisfacen, es más, terminan siendo una obligación a evitar, y es como sin dentro de la cabeza "tuviera una nube negra" que a veces le hace pensar que, después de todo, dejar de existir no estaría tan mal.

A medida que avance la historia sabremos un poco de dónde viene esa profunda desazón que le impide sentirse viva, pero creo que el origen, aún siendo importante, no lo es tanto como mostrar esa oscura sima en la que alguien con una depresión está. La depresión es una enfermedad que muchas veces se confunde con la apatía o la infelicidad transitoria, y las soluciones fáciles siempre están ahí: "sal a respirar al bosque", "queda con tus amigas", "ponte contenta, ¿por qué no estás contenta si lo tienes todo?", etc. Aquí, Mirion Malle, con un trazo sencillo, muy contemporáneo, pone sobre la mesa todos estos temas, de una manera muy verosímil. No hay soluciones fáciles, y de la misma manera, el cómic no tiene una resolución fácil tampoco -pese a que da visos de esperanza. Creo que toda persona que haya pasado por una depresión reconocerá enseguida el malestar de Clara: el ser incapaz de sentir nada, el querer estar con alguien y solo al mismo tiempo, y, en general, la completa incapacidad de tener pensamientos claros o poder enfocar la mente en algo constructivo. Por si desaparezco es un cómic duro, espero que exorcizante para la autora, pero necesario de compartir para normalizar este mal que tan extendido está en nuestra sociedad, si quiera para tener un poco más de empatía con quienes lo padecen.

'El club de los dibujantes', de Raina Telgemeier y Scott McCloud (Maeva Young)

Raina Telgemeier es quizá una de las autoras más conocidos y exitosas del cómic como literatura juvenil. Obras como ¡Sonríe!, Hermanas, Coraje o Drama no solo han demostrado que sabe muy bien contar historias conectando con sus experiencias biográficas, sino que ha sabido conectar con un público joven que ahora puede disfrutar de un gran expositor de novelas gráficas para jóvenes adultos que Raina ha contribuido a disponer para el público.

¿Y qué ocurre si una autora de éxito reconocido se alía con uno de los divulgadores y más talentosos artistas de cómic? Que juntos firman El club de los dibujantes, una deliciosa novela gráfica que, además, sirve para adentrarnos en las particularidades de este tan amado por nosotros noveno arte. 

El club de los dibujantes es, como reconocen los propios autores en las páginas finales, una versión de la obra maestra de Scott McCloud Entender el cómic, pero especialmente pensado para lectores jóvenes. En esa obra, McCloud disecciona los elementos del lenguaje del cómic para que tanto lectores como autores podamos hacer uso de ellos y comprenderlos mejor. Porque lo mejor del cómic es que no es literatura, ni tampoco es simplemente ilustración. El cómic es la mejor prueba de que a veces el todo es más que la suma de sus partes. De la unión de estos dos medios (palabra e imagen) nace uno nuevo, con su propia gramática y sus propias convenciones. McCloud nos mostraba en su obra esos entresijos. Aquí, en El club de los dibujantes, insertados en una historia amable de un grupo de chicos y chicas entusiastas del cómic, se encuentran esos mismos entresijos, contados de una forma sencilla, y me atrevería a decir que subrepticia. Porque apenas te dan cuenta de que Telgemeier y McCloud te están dando un tutorial, una serie de consejos para crear tus propios cómics, y eso incluye planificación de páginas, tipos de planos, materiales, ¡incluso la manera de doblar las hojas de un folio para conseguir tu propio primer minicómic! Todo, sin perder la sensibilidad de Telgemeier por las historias conmovedoras y la inclusión. 

¿Cómo se han distribuido el trabajo estos dos autores? Raina se encarga del dibujo de la mayor parte de la obra, en su estilo habitual, y Scott de los ejemplos de cómics que aparecen. En cuanto al guion, no se explicita quién ha hecho qué, así que me figuro que está hecho un poco al alimón. La mayor virtud del cómic, insisto, es que de una forma muy amena y casi sin darse uno cuenta, los rudimentos de cómo hacer un cómic son explicados.

La sección final "Entre bastidores" resulta también muy interesante: con algunas preguntas a los autores, glosario, lista de recursos, proceso de cómo se hizo el cómic... Páginas de apoyo para quien quiera consultar algunos detalles más técnicos.

Concluyendo: El club de los dibujantes me parece un cómic estupendo para dárselo si tenéis a alguien joven que sienta el mínimo interés por dibujar o crear cómics. Incluso yo mismo, que ya peino canas, no he podido dejar de sentirme entusiasmado cuando lo he leído, y me han dado ganas de volver a crear cómics como, snif snif, hacía hace años. Recomendadísimo.

‘Marvel Gold: Lobezno 1: Noches de Madripur’, de VVAA (Panini)

 

Siguiendo mis lecturas "libres" de este verano, después de darme el gusto con los Spiderman 2099 reseñados anteriormente, me he puesto con los Marvel Gold de Lobezno. Recientemente compré el 2, pero para ponerme a tono preferí releer el primer volumen antes de empezar con el segundo, así que aquí van cuatro pensamientos al hilo de ese tomo. 

Lobezno es uno de los héroes salidos de la factoría Marvel que más predicamento ha tenido en las últimas décadas. Su aparición en las páginas de Hulk en los años 70 pasó algo desapercibida, pero su adhesión a la Patrulla-X, en su relanzamiento con los guiones del mítico Chris Claremont, hicieron de él uno de los mutantes más carismáticos de la editorial. Era cuestión de tiempo que consiguiera una serie para él solo, y lo hizo a finales de los años 80, cuando aparece Wolverine, la primera serie regular dedicada exclusivamente a las aventuras del superhéroe canadiense.

La serie dio inicio con un equipo de autores de auténtico lujo: a los guiones se encontraba Chris Claremont, un antiguo conocido del personaje, y el autor que había llevado a los mutantes a ser el éxito más sonado de la editorial. En la parte gráfico, unía sus esfuerzos a Claremont el reputado John Buscema, el dibujante que marcó el estilo visual de Conan durante décadas. A su lado, el entintador Klaus Janson, artista que ha compartido los lápices con autores como Frank Miller o John Romita Jr, y cuyas tintas siempre tienen un carácter muy personal, que complementa al del dibujante.

Al buscar un nuevo enfoque que diferenciase las aventuras de Lobezno de las de su colección madre, La Patrulla-X, Claremont aprovechó la aparente muerte del grupo de mutantes para darle otro aire a su creación. Los inicios de Lobezno como colección regular tienen una orientación más centrada en la aventura y la intriga. Con un Logan sin el lastre de su grupo de hombres-X, es libre de establecerse en la ficticia ciudad de Madripur, un lugar que, en un rincón desconocido del sureste asiático, constituye una suerte de megalópolis en la que las diferencias sociales son extremas: conviven las chabolas más miserables con los rascacielos más espléndidos. En este ambiente, Claremont teje una historia donde Logan asume una nueva identidad -Parche- y le esto le permite escribir otro tipo de historias, donde los hampones, los clanes de mafias y la corrupción son los enemigos que han sustituido a los supervillanos enfundados en leotardos. De esta forma transcurren los primeros números de la colección, sin que tan siquiera veamos habitualmente al héroe en su ya clásico uniforme de la Patrulla-X. La portada del tomo, que reproduce la del número uno de la serie, ya nos pone sobre aviso. En esta colección, Logan buscará su auténtica identidad, sin las ataduras que suponía su supergrupo. Su historia es todavía aquí un misterio para el lector: no sabemos qué edad tiene a ciencia cierta ni de dónde le provienen sus extraordinarios poderes, que le hacen virtualmente invulnerable. A lo largo de la colección, Lobezno deberá lidiar con su lado animal, el que le hace reaccionar de forma violenta y salvaje como el animal que le da nombre (en el original inglés, wolverine hace referencia a un pequeño mamífero llamado carcayú), pero también tendrá ocasión de demostrar su valía como aventurero -al más puro estilo Indiana Jones- o investigador. 

Lobezno: Noches de Madripur es el tomo que Panini editó en febrero de 2023 en su línea Marvel Gold y que recopila los primeros 16 números de su serie regular, así como la miniserie en diez números que se publicó por primera vez bajo el epígrafe Marvel Comics Presents. Se trata de unas historias que han envejecido muy bien porque, al fin y al cabo, fueron creadas buscando el cómic de aventuras clásico. Su factura tanto en guion como en dibujo y entintando son admirables, y nos dan una visión poco acostumbrada del Lobezno guaperas y héroe de acción que el cine nos ha dejado en los últimos años.

Lobezno empezó siendo una serie que tenía la intención de ver a un Logan diferente del que habíamos visto hasta el momento. Se trataba de alejarlo de las misiones con otros mutantes, aprovechando que el mundo pensaba que los X-Men habían muerto (en la saga “La caída de los mutantes”) y descubrir una faceta más personal del personaje. Situándolo en Madripur (lo que siempre he considerado un nombre que mezclaba Madrid y Singapur), veíamos a otro Logan: uno que se manejaba en los bajos fondos, en asuntos turbios, que bebía y peleaba, y que ocultaba su verdadera personalidad tras el nombre de Parche. Ni siquiera llegábamos a ver a Lobezno en uniforme de la Patrulla-X hasta el número 14 de la colección.

Entre los números 11 al 16, Claremont se tomó un descanso y su sustituto, un Peter David que aún no había alcanzado la gran fama de su etapa en Hulk, llegó para contar El caso de la piedra Gehenna (The Gehenna Stone Afair), una historia en seis partes que contaría, además, con los las portadas de Kevin Nowlan (Tomorrow Stories), lápices de John Buscema y la tinta de Bill Sienkiewicz (Voodoo Child, Elektra Assassin, Straytoasters, etc). Un equipazo de lujo sin duda.

 

Marvel Gold Lobezno: Noches de Madripur

En El caso de la piedra Gehenna, David plantea una historia de género para Lobezno, con todas sus características. Para ello, ya tiene a Logan situado en una ciudad en la que la distinción entre riqueza y pobreza es alarmante, un Logan familiarizado con los bajos fondos y habituado a echar un cable a la policía cuando el asunto le interesa. Así que plantea la historia: un amigo pide ayuda a Logan porque una tía suya amenaza con reclamar la fortuna heredada por su hermana alegando que éste está fuera de sus cabales. Resulta que éste posee parte de una joya que, unida en todos sus dispersos fragmentos, puede devolver sus poderes al hombre-demonio Ba’al. Así que Logan se verá inmerso, junto a sus amigos Archie Corrigan o Jessica Drew (ex Spiderwoman), en una historia que empieza como una novela negra y termina como una épica aventura a lo Indiana Jones (con diversos homenajes explícitos) de implicaciones míticas para el personaje. David se muestra ágil en los guiones, con unos diálogos ingeniosos y cortantes y una acción in crescendo. Buscema está, como siempre, arrollador, y Sienkiewicz no hace más que aumentar la calidad del dibujo de Buscema, afilando los rasgos, proporcionándoles aún más fuerza indómita. Se trata de una saga poco recordada en general, algo extraña para lo que es un personaje que en principio no tiene nada que ver con las temáticas a las que Peter David le lleva, pero que se revela como una saga, lejos de ser puro relleno, ingeniosa y hasta importante para el continuo del personaje.

Concluyendo: estamos de suerte con la reedición de este material clásico tan interesante y necesario para entender la evolución de uno de los personajes más carismáticos del universo mutante hoy en día. Una etapa que brilla con luz propia gracias al buen hacer de su elenco creativo y un volumen para atesorar. Próximamente, reseña del tomo 2: Vuelta a lo básico. 

'Spiderman 2099' (la colección completa 2), de Peter David y Rick Leonardi (Panini)

Sigo con la lectura del Universo 2099, y tras leerme el primer omnibus de la serie de Spiderman, y luego la primera serie regular de Doom 2099 de Fórum que tenía en casa, tocaba proseguir con el segundo volumen de Miguel O'Hara. Panini recientemente ha editado este segundo tomo de la colección completa, que finalizará con la publicación del tercer tomo el mes que viene, septiembre de 2025. 

En este segundo tomo de Spiderman 2099 nos encontramos, para empezar, con el primer crossover que las series de la línea 2099: La caída del martillo. Se trata de cinco números, distribuidos entre las colección de Spiderman 2099, Ravage 2099, X-Men 2099, Punisher 2099 y Doom 2099. En este crossover aparecen en la Nueva York del futuro unos individuos superpoderosos que dicen ser los dioses nórdicos: Thor, Baldur, Heimdall... Y que parece que son la respuesta a las oraciones de muchos de los ciudadanos de la Infraciudad, que ha desarrollado el culto de los thoritas... Sin embargo, la oculta relación que tienen con la corporación Alchemax hará que los "héroes" tengan que unirse para desvelar sus secretos. 

Me puedo imaginar el poco interés que David debía de tener en tener que acoger en su serie este cruce que, bueno, es interesante para ver a los personajes interactuar entre ellos, pero, más allá de los tintes épicos de su título y trama (¡recuerdo los anuncios del crossover en la publicidad interna de otros cómics Marvel de aquella época!), tampoco aporta gran cosa. Al contrario: Peter David empieza a brillar de verdad tras el crossover, a partir más o menos del número 18 de la serie. Llevamos ya año y medio de colección y es aquí donde el guionista de la mejor etapa de Hulk va a poner toda la carne en el asador con sus brillantes diálogos, atrevidas composiciones verticales de página, flashbacks (en los siguientes números dedicará una parte importante de las páginas a una historia paralela del joven Miguel O'Hara) y giros de guion que desembocará en un clímax glorioso al final del número 25, que en USA era double-size. 

Muy bien construido por Peter David, intentando -como ya comenté en la reseña del anterior volumen- ir totalmente en la dirección opuesta de las decisiones tomadas con Peter Parker, este Spiderman es otra cosa. No te hace pensar que estás ante un remedo futurista del Trepamuros clásico. La ciudad de Nueva York y el mundo de 2099 han sido muy pensados como ambientación -los artículos de fondo del tomo explican que los guionistas involucrados estuvieron en una especie de encierro de fin des semana para escribir la "biblia" de ese mundo-, y el tono cyberpunk, pesimista, ultratecnológico y con una pequeña reivindicación ecologista (como dejaba entrever con antelación Cels Piñol en los correos de la época -esto lo he visto en la lectura de las grapas Fórum de Muerte 2099) está muy conseguido; pero al mismo tiempo, sin ser la misma, la responsabilidad y problemática familiar de Miguel O'Hara es también un ángulo que Peter David sabrá explotar muy bien. 

En lo gráfico, Rick Leonardi a los lápices y Al Williamson a las tintas siguen marcando el estilo gráfico del cómic de manera maravillosa, y haciendo que los eches de menos en los pocos números en que no aparece, sustituidos por el para mí pasable Ron Lim, o el ya muchísimo mejor Tom Grindberg. 

En resumen: si este segundo tomo lo compré un poco por inercia y completismo, ya que ya había empezado la colección, al tercero voy de cabeza porque me da la impresión de que la serie va ganando enteros a medida que avanza, y aunque posiblemente terminara siendo cancelada a pesar del gran trabajo de sus autores (esto último no lo sé, pero puedo suponerlo, al fin y al cabo, la línea 2099 tuvo una vida relativamente corta; lo comprobaremos en ese tercer volumen), estoy seguro de que el viaje habrá valido la pena. 

Destacados de las novedades de Panini de agosto 2025

De las novedades que Panini, ahora con los derechos tanto de DC como de Marvel, pone en librerías este mes de agosto, personalmente destaco:

Batwoman de JH Williams III

 Empezamos con un  tomo muy interesante, porque se recopila la etapa de J.H. Williams III (¡ya sabéis, el artífice gráfico de Promethea de Alan Moore!) en Batwoman en un solo tomo. Este señor es un coloso de la ilustración, y sólo por sus atrevidas disposiciones de página, su amor por el art nouveau y su intrincado dibujo de referencias pictóricas esto vale la pena atesorarlo. Más cuando las ediciones anteriores fueron erráticas (ahora tomo gordo, ahora colección de prestigios...) por parte de ECC. 

 

 

Aparte de algunas nuevas enésimas ediciones de material clásico, y que si no habéis leído estáis tardando (la de La cosa del pantano parece por el volumen y precio que estará a la altura de la edición en 3 tomos que hizo Planeta/ECC, mientras que la de Hellblazer es una edición a tapa blanda de 5 en 5 números), me interesan este Marvel Gold: La Imposible Patrulla-X, en la que empieza a publicarse la cabecera X-Men, la colección que estrenaron Claremont y Jim Lee y que fue un hito en su momento, en los 90.

 

Otra re-reedición interesante es la recuperación en El Vigía de un superhéroe de tercera línea y cómo Paul Jenkins y el gran Jae Lee (en esta casa somos muy fans de él) lo devolvieron a la continuidad Marvel. Y finalmente, otra novedad curiosona es este Los señores de los dragones, incursión fantástica de los cómics del Pato Donald con el experimentado guionista Byron Erickson y el no menos mítico dibujante Giorgio Cavazzano.

 Tenéis el catálogo completo de novedades del mes de Panini en este enlace.

 

'Music Queens', de Rebecca Manzoni, Émilie Valentin y Leslie Plée (Garbuix Books)

Music Queens está estructurado como una playlist. Se trata de una historia de la mujer en la música pop a través de diez canciones: diez artistas, diez formas de ver la música, diez voces que se plantaron ante una industria de hombres, donde la mujer era apenas una cara bonita que atraía a los fans. Aquí, de Nina Simone a Beyoncé, de Janis Joplin a Queen Latifah, pasando por figuras menos conocidas por el gran público como Anne Sylvestre, tenemos un variopinto fresco de las mujeres que cambiaron la música del siglo XX y XXI, no sólo dando voz sino también presencia femenina, y por tanto espacio para otros temas, otras sensibilidades, ampliando el punto de mira a los márgenes. La selección, aunque evidentemente constreñida por la longitud que podría haber tenido (a mí personalmente me faltan otras grandes, como Billie Holiday, Tina Turner, Siouxsie Sioux -incluso una división, imposible por el origen del cómic, española: Ana Curra, Alaska… pero es sólo una cuestión personal), es muy acertada y cubre muchos espectros musicales. 

Didáctico, sencillo, con un dibujo muy sintético obra de Leslie Plée, esta obra conecta con otras de temática reinvindicativa semejante, como el Valerosas de Pénélope Bagieu (no es casualidad que una de las guionistas de Music Queens haya trabajado en la animación este cómic) o el reciente, también editado aquí por Garbuix, Libres para pensar: diez mujeres, diez vidas filosóficas. En definitiva un buen cómic para conocer y reconocer, y para dar a leer a jóvenes lectoras y lectores para que construyan su gusto musical en igualdad. 

'Ava', de Ana Miralles y Emilio Ruiz (Astiberri)

El tándem Emilio Ruiz y Ana Miralles, que llevan ya un buen número de colaboraciones juntos (De mano en mano, Muraqqa o la serie juvenil Wáluk) nos ofrecen en esta novela gráfica Ava un episodio de la vida de la diva de Hollywood, Ava Gardner, en concreto una visita que realizó a Brasil con motivo de la promoción de la película La condesa descalza, en 1954. Lo que se prometía un viaje de ensueño a Copacabana se convierte en casi una pesadilla por la manera en que todo el mundo pretende utilizar la fama de la actriz en su provecho, con un Frank Sinatra que la llama para replantearse su relación o un Howard Hughes que la sigue y persigue allá donde va. Ruiz concentra en este pequeña anécdota para enfocar la obra a trazar el retrato del carácter de la Gardner, y no tanto su leyenda o su sensualidad: de esta manera conocemos a una mujer de carácter fuerte, destinada siempre a luchar contra un medio -el cine, el establishment americano- que veía en ella una muñeca de Hollywood. Por su lado, Ana Miralles hace un trabajo espectacular al dibujo, recreando la época y retratando a la actriz de forma soberbia. Quizá algo menos de lo que esperaba -el episodio brasileño da poco juego para pintar el retablo que, imagino, Ruiz tenía en la cabeza-, pero aún así, espléndido en el arte este tebeo. Por cierto: la novela gráfica Ava ganó el Premio Todostuslibros 2025 al Mejor Cómic Nacional. 

'¿Es una bruja?/És una bruixa?', de Raquel Gu (Garbuix Books)

Cualquier balear que tenga más de 30 recordará con cariño un cómic titulado Història de les Illes Balears que tuvo una difusión masiva gracias a la edición por parte de la que en ese momento era la caja de ahorros que tenía más implantación en las Islas. Fue un cómic histórico en todos los sentidos, porque además de ser didáctico y entretenido, era muy divertido, y muchos gags permanecieron en el humor de muchas familias (bueno, puedo hablar por mi contexto). Història de les Illes Balears era un recorrido por la historia de estas islas desde la Prehistoria hasta el momento en que publicó (los 80), en el que un niño y una niña conocían a un viejo olivo -Madò Olivera- que ejercía de maestro de ceremonias y les explicaba de forma amena todo su pasado.

¿A qué todo este párrafo? Pues porque, tantos años después, És una bruixa? (lo he leído en catalán, pero también está editado en castellano: ¿Es una bruja? Mitos, mentiras y realidad), de Raquel Gu, me ha recordado esa amena lectura que hice. En su cómic, una abuela, a propósito del encuentro de sus nietos con una vecina mayor y algo antipática, cuenta los orígenes, causas y desarrollo del concepto de bruja, tan antiguo como la humanidad y firmemente relacionado con una cosmovisión patriarcal. La autora hace un magnífico y ameno ejercicio de síntesis, desde los primeros sabios y curanderos en el albor de las civilizaciones, pasando por Grecia y Roma, la Edad Media, la época de la Inquisición, la caza de brujas en Europa y América en los siglos XVI y XVII, hasta el cambio de paradigma de esa idea, con su reapropiación por parte del feminismo. 

Y lo hace, como digo, de una forma muy amena, porque los personajes de la abuela (la sabiduría) y los nietos (la transmisión del conocimiento) permiten relacionar una historia de la misoginia como es la de las brujas con conceptos más modernos que los lectores jóvenes entenderán, como el bullying o las fake news, porque de eso se trata en el fondo: de cómo un statu quo de poder impuso su relato a unas mujeres que frecuentemente vivían en los márgenes de la sociedad. 

El cómic está muy bien documentado (tiene dos páginas enteras de la bibliografía en la que se apoya): por ejemplo, a poco que uno sepa, sabe que la Inquisición española no persiguió el fenómeno de las brujerías como pasó en otros lugares de Europa, y eso es un aspecto que aquí se menciona y reconoce. Raquel Gu tenía una papeleta difícil en este cómic, puesto que su carácter didáctico le podía llevar a usar texto de forma desmesurada, y sin embargo, aunque tiene bastante, está bien solucionado, y el humor y el uso abierto de la composición de la página, en la línea de lo que suele hacerse hoy en día en el cómic documental, hace que la obra no se haga en absoluto pesada. Añadamos a esto el delicioso y sencillo dibujo de la autora, y tenemos un cómic divulgativo, entretenido y especialmente señalado para jóvenes lectores/as, que cuenta una parte de nuestra historia que necesitada ser reformulada.