Reseña de 'Elma. Una vida de osa', de Ingrid Chabbert y Léa Mazé (Astiberri)

Recordaba el dibujo de Léa Mazé que tanto me había gustado en otra obra que publicó Astiberri, Los Muértimer, hace un par de años. En aquel cómic, Mazé ejercía de autora completa y nos entregaba una obra que parecía encajada directamente en el contexto juvenil-joven adulto, pero que tenía una pátina de gravedad importante. Recuerdo que en esa ocasión, escribí: "la autora se toma a sus lectores muy en serio. Por eso no rehuye temas algo incómodos ni plantea situaciones folletinescas. En realidad, el fondo de la historia es bastante amargo, lo que sorprende en una primera lectura."

Ahora Astiberri publica, en un solo tomo, la obra originalmente en dos álbums y publicada en 2018 y 2019 Elma, una vida de osa, que Léa Mazé ilustra sobre los guiones de Ingrid Chabbert. En esta novela gráfica nos encontramos a la pequeña Elma, que siempre ha vivido feliz en el bosque junto a su Papá Oso. Pero se acerca un momento en el que ambos deberán hacer un viaje de no retorno para cumplir el destino de la niña. Y será doloroso para todos.

A primera vista, a medida que nos adentramos en la historia del cómic, uno tiene la impresión de que estamos ante una versión alternativa de El libro de la selva de Kipling. La niña salvaje, criada por un animal en el bosque, la inevitable separación cuando ella se hace mayor... Todo parece indicar que la historia va en esa dirección. Pero tres cosas destacan de esta serie que la hacen ser una buena lectura: la primera, el trazo de Léa Mazé. Es curioso comprobar que los dos álbums de Elma fueron publicados simultáneamente a la obra en solitario que dio a conocer a la autora (Los Muértimer  - Les Croques en francés). Y, sin embargo, el registro estilístico, a mi parecer es muy distinto entre ambas obras, o al menos lo que yo recuerdo. En Elma, el trazo es mucho más diáfano, e intenta acomodarse a una historia de tintes tribales, donde el bosque es un personaje más. Con una paleta que oscila entre los colores fríos y los terrosos (como en Los Muértimer), aquí Mazé sabe dotar al dibujo de un tono único que se acomoda muy bien a la historia. La segunda cosa que destaca: a pesar del tono librodelaselva citado que parece acudir a la mente cuando empezamos a leer, la resolución del viaje de Elma está bien justificada (no la explicaremos aquí, obviamente), y le da un giro interesante, sacando a colación temas como la inevitabilidad o no del destino, o el amor. La tercera cosa: cómo, a pesar de que los guiones son de Ingrid Chabbert, el tono que Máze insufló como autora completa en Los Muértimer de una obra LIJ (juvenil-joven adulto, como dijimos) aquí también lo encontramos. No se esquivan los momentos tristes ni trágicos, en una obra que parecería más proclive a evitarlos, y el resultado por ello es una obra madura y sentida. Ojo, el final nos puede dejar devastados.

Concluyendo: aunque la historia de Elma, una vida de osa parta de unos mimbres que parecen comunes, las dos autoras realizan un trabajo espectacular. La relación entre Elma y Papá Oso es tan auténtica que Chabbert y Mazé se han puesto a los lectores en el bolsillo para cuando la novela gráfica finaliza. Una lectura tremenda.

Reseña de 'Su Frankenstein', de Norikazu Kawashima (Planeta)

Su Frankenstein

El cómic de terror japonés ha tenido una gran, diría que increíble aceptación en nuestro país en los últimos años, de manera que las editoriales -especialmente Planeta- se han prodigado en la edición de Junji Ito y otros mangakas de este género. De Ito dudo que falte algo por publicar en español, vista la aceptación de su obra. Pero, agotado ya el que parecía el buque insignia del horror nipón, las editoriales buscan otros autores que satisfagan la necesidad del lector aficionado.

Planeta publica en un tomo corto de tapa dura Su Frankenstein, de Norikazu Kawashima. Una apuesta arriesgada si consideramos que Kawashima (cuyo nombre real era Hanichi) es un autor cuya obra fue íntegramente publicada durante los años 80 del pasado siglo. Efectivamente, Kawashima publicó 29 mangas de terror para Hibari Shobo, editorial conocida por su extravagante gusto por lo raro, entre 1983 y 1989. Este Su Frankenstein, tomo autoconclusivo, fue publicado originalmente en 1986.

Quizá lo que pueda echar para atrás de este tomo es su estética retro, que puede recordar a otros mangakas clásicos, visualmente superados, como Go Nagai. Pero si se superan esos prejuicios, Su Frankenstein es una obra francamente disfrutable. Teniendo en cuenta, además, que no se trata exactamente de un manga de body horror al estilo de Ito o Shintaro Kago, sino que se decanta más por un thriller psicológico con trazas de terror. En la obra, un jovencito y débil Tetsuo, conoce a una adolescente enfermiza que está obsesionada con Frankenstein. Con la intención de ganarse su amistad, Tetsuo accede a disfrazarse del monstruo y a seguirle la corriente en toda una serie de juegos crueles que terminarán emponzoñando su propia vida…

Su Frankenstein

El cómic pone muchos temas sobre la mesa de manera inesperada. No es especialmente sangriento, pero el nivel de tensión y ansiedad va creciendo conforme avanza. Lo que empieza con una historia de aparecidos, se convierte en una trama que habla de la soledad de sus protagonistas y de su rechazo social. Es el punto que comparten los dos protagonistas con la criatura de Frankenstein, que en esta obra se convierte en una figura de liberación y de aceptación, en vez de ser justo lo que siempre la ha caracterizado: el rechazo.

Su Frankenstein se revela, pues, en una inteligente historia de obsesión, de cómo cambiamos para agradar a alguien, de la ética del mal (cómo si el autor explorase las implicaciones de la famosa muerte de la niña en la película original de Frankenstein). Me gusta también cómo  Kawashima combina la noción entre realidad y ficción, de manera que juega con el lector y sus expectativas. Todo ello en un manga no muy extenso y de regusto clásico. Uno lo lee para sentir las vibras de un horror vintage, que se augura desde la portada, y acaba sorprendido por su profundidad. 

'Historias de la guerra' (Integral 1), de Garth Ennis y VVAA (Aleta)

A estas alturas del siglo XXI, hacer una introducción a Garth Ennis se me antoja baladí. Este guionista irlandés, que conocimos y amamos en la década de los 90 con la obra que le puso en el objetivo, Predicador, ha resultado ser un autor muy prolífico: tendría una meritoria etapa en Hellblazer, así como en Punisher; triunfó además por partida doble –con la adaptación televisiva de The Boys… Y, si bien consiguió con una parte de su obra más gamberra destacar precisamente por su narrativa cruda y su humor negro, cuando quiso ponerse serio demostró que era capaz de llegar a las profundidades de la naturaleza humana. Es el caso de su etapa más “adulta” en Punisher, o en la serie que nos ocupa, War Stories o Historias de la guerra. 

 

Con Historias de la guerra, Ennis emprendía en 2001 una serie en un tono más sobrio y respetuoso, alejándose de su estilo habitual para ofrecer una visión realista y conmovedora de la guerra. El interés por el género bélico ya le había llevado a la cabecera de Unknown Soldier, pero fue posiblemente el desarrollo de esta serie la que le llevó a desarrollar posteriormente multitud de títulos que tienen la guerra como factor común: La brigada del rifle, Battlefields (también publicada por Aleta)... En esta ocasión, se trata de una serie de relatos autoconclusivos ambientados en la Segunda Guerra Mundial. Ennis se inspira en personajes o sucesos reales para hablar sobre temas como el honor, la amistad, el sacrificio o la moralidad en tiempos de guerra. En cada uno de los episodios, Ennis se rodea de diferentes dibujantes, algunos de ellos muy destacados del panorama del cómic británico, como ahora veremos.

¿Qué nos ofrece este primer integral?

Este primer volumen nos ofrece las cuatro primeras historias de la serie, publicadas en orden cronológico (lo advierto, porque en el integral de Battlefields se prefirió reunir las historias en torno a su temática). La primera historia, ‘El Tiger de Johann’, ilustrado por Chris Weston, cuenta la historia de un comandante alemán que sirve con su tripulación en un tanque Tiger. Viendo el final de la guerra, han desertado y el comandante busca llevar a su tripulación hasta los americanos para que no sean ejecutados por los soviéticos. Pero no así él, ya que en diferentes retrospecciones, sabremos de los crímenes que el comandante ha cometido durante la guerra y de los que es plenamente consciente.

En ‘Los desertores del Día D’, número dibujado por John Higgins, el guionista aborda, a través de la historia de un joven oficial británico, la mala opinión mediática que tuvo que sufrir el frente aliado italiano, sobre el que se pensaba que era poco menos que un destino vacacional para los soldados. La verdad era mucho más dura: la campaña italiana, desde su arranque en Sicilia en 1943 —plenamente un ensayo para el Día D en Normandía un año después— fue terriblemente agotadora y las fuerzas aliadas encontraron un terreno a menudo impracticable sobre el que seguir avanzando.

En ‘Águilas aulladoras’ encontramos a nada menos que Dave Gibbons (Watchmen) dibujando esta historia protagonizada por miembros de la 101ª División Aerotransportada americana (llamada “Screaming Eagles” y que había estado presente en Normandía, Market-Garden y las Ardenas, nada menos). En ella, cuatro soldados estadounidenses son encargados de asegurar una mansión para su general. Aprovechan la oportunidad para disfrutar de un breve respiro del conflicto; de esta manera Ennis plantea preguntas sobre la moralidad y el comportamiento humano en tiempos de guerra.

Y finalmente, en ‘Nightingale’, dibujada por David Lloyd (¡el dibujante de V de Vendetta!), Ennis cuenta una historia verídica en el contexto del PQ-17, un convoy que hacía la ruta del Atlántico Norte-Ártico para reabastecer a los soviéticos que los aliados dejaron a su suerte. El HMS Nightingale está asignado al convoy, y cuando recibe órdenes que resultan en la pérdida de barcos bajo su protección, realiza una última acción heroica. Por lo visto, Ennis considera esta historia como una de sus obras más representativas.

La guerra, el conflicto, la violencia y la parte más depravada del ser humano siempre han sido temas muy centrales en la obra de Ennis. En colaboración de dibujantes con el malogrado Steve Dillon (Predicador, Punisher), ese tratamiento de la violencia fue muchas veces extremo e irónico. Ennis y Dillon fueron dos gamberros que nos divirtieron llevándonos al extremo. Pero yo me quedo con el Ennis serio. El que escribió las mejores páginas de un Castigador crepuscular y en horas bajas, o el que en estas Historias de la guerra es todo menos probelicista. Aquí no se ensalzan las historias militares, esto no es un número añejo de Hazañas bélicas. La guerra es sucia, incoherente y sinsentido. Quienes se ven involucrados en ella pasan por un verdadero infierno. Y quizá el verdadero infierno es psicológico: la lucha por mantener la cordura cuando has visto y cometido todo tipo de atrocidades. Y qué queda del ser humano en estas circunstancias: tanto en lo bueno (el sacrificio, los ideales), como en lo malo. De esto va Historias de la guerra. Editada bajo el sello Vértigo por primera vez, Aleta ha reeditado ahora este primer integral que es excelente para recuperar a ese Garth Ennis más realista y comprometido con la realidad. 

[A la venta el 22 de mayo de 2025]

 También te puede interesar:

Battlefields (Integral)

Autores: Garth Ennis, Russ Braun y Tony Aviña. Este primer integral contiene las historias ambientadas en el Frente Oriental: La bruja de la noche, Madre Patria y Ascenso y caída de Anna Karkhova.

Edición: Tapa dura, color, 240 páginas.

Año: 2024.

[Enlace de compra]

 

Destacados de las novedades de Panini de mayo 2025

Hoy retomo una costumbre que tenía anteriormente, y es ojear las novedades de algunos boletines de editoriales y recomendar lo que yo compraría. Vamos con las novedades propuestas por Panini, que engloban tanto DC como Marvel. Como veréis, las novedades-novedades no me interesan mucho, me centro en la recuperación de cómics previamente editados: 

Este tomo "arqueológico" de historias de Superman de los 50 puede estar muy bien, sobre todo por cuestiones sociológicas: para advertir la ideología subyacente de la época, y sobre todo para disfrutar del dibujo de los artistas reunidos. Tiene introducción de Mark Waid, que controla bastante del tema.

 

Otra recuperación de un clásico de principios de los 80, con el trabajo de autores como Howard Chaykin, Bill Mantlo o Steve Ditko. Un tomazo impresionante: Micronautas. El pdf no lo incluye, pero son 82 lereles el tomo.

 

Edición "Must-Have" con el inicio del Hulk: Rojo de Jeph Loeb y el hipervitamínico Ed McGuinness (lo recuerdo de Masacre).

 

En Lobezno: Pesadillas se recopila una serie de historias cortas "de relleno" de Marvel Presents, con el interés, aquí, (?) de ver a Rob Liefeld, Fabian Nicieza y Sam Kieth (The Maxx... ¿pondrá aquí Kieth sólo portadas? No lo sé).

 

 

Esto sí es canela fina, porque recopila la etapa de Jeff Lemire al mando de Caballero Luna. Lemire es algo hiperactivo, y tanto puede hacerte grandes tebeos como páginas infumables, pero en este relanzamiento de Moon Knight estuvo especialmente interesante. Esta etapa me gusta bastante, aunque quedó abierta (y la continuó, ignoro hacia dónde, otro guionista).

 

 

Y otra etapa excelente de un gran personaje: el DD de Mark Waid está entre lo mejor de Daredevil, si quitamos todo lo de Frank Miller. Vale la pena (y si es una oferta, como parece, aún más. ¿Debe de significar que está en camino un omnibus dentro de poco?)

 

 

Y finalmente, esta Spider-girl, proveniente de un What If, con un tomo a precio especial que recopila el primer año de colección, con Tom Defalco y Ron Frenz.

Esta es mi selección, si queréis ver la lista completa de novedades de Panini para mayo de 2025, la podéis ver aquí.

 

 

Reseña de 'Versus' (ed. 10º aniversario), de Luis Bustos (Astiberri, 2025)

Lo primero que quiero confesar en esta reseña es que el boxeo no me interesa en absoluto. Mis únicas aproximaciones a este deporte han sido, en primer lugar con algún viejo videojuego de 8bits allá por los 80, con cubierta de Azpiri, luego en relación al personaje de Daredevil (el padre de Matt, como sabéis, era boxeador, y eso tiene multitud de ecos en la obra), concretamente con El hombre sin miedo de Frank Miller y John Romita Jr, y ya posteriormente con los cuentos sobre el mundillo obra de Jack London, de los que Libros del Zorro Rojo publicó una edición muy chula, con ilustraciones de Enrique Breccia en Knock Out (aquí tenéis mi reseña).

Hete aquí mi sorpresa que, antes de empezar a leer esta nueva edición de Versus, de Luis Bustos, me fijo en que es el cómic es la adaptación de uno de esos cuentos (Por un bistec, concretamente) que he citado antes, con lo que mi solaz es aún mayor y aún no he empezado a leer. Sé que Luis Bustos es un autor fenomenal (no leí, o no recuerdo haber leído, la edición original de 2015), así que el cómic tiene todos los números para interesarme, a pesar de que sea sobre boxeo.

Y vaya si lo hace. Versus sigue el combate de un boxeador acabado, que intenta ganarse sus dineros en una última pelea. Pero lo tiene todo en contra. Se nota que a Bustos le gusta el original, y quiere poner toda la carne en el asador. No opta por una adaptación literal. No sólo sabe utilizar la anáfora (un recurso totalmente poético, -o lingüístico, si queréis) para establecer una cadencia narrativa que se relaciona con los rounds del combate al mismo tiempo que conocemos el pasado del personaje. También en el apartado gráfico su interés se observa su voluntad de, hasta cierto punto, experimentación.

Me resulta -al menos a mí- obvio que Bustos tiene una deuda en este cómic con el Frank Miller de la época de Sin City, con esa necesidad de dotar de vida y acción los grandes contrastes de blanco y negro. Pero Luis va más allá: pasa por multitud de registros. Desde el más caricaturesco, al más primario, según la necesidad de la historia, el autor dosifica el nivel de figuración de su trazo. El juego con la tipografía o la doble página, la perfecta dosificación de texto (¡el gran peligro de las adaptaciones literarias: querer ser demasiado fiel a sus palabras!), el tono crepuscular que sabe arrancar directamente del cuento original, la magnífica ambientación... Versus lleva a un nuevo nivel el cuento de London.

El formato de la nueva edición de Astiberri es excelente, y creo que es lo que necesitábamos para entender Versus de forma completa a lo que quería hacer el autor en primer lugar. De los extras que contiene esta edición, destaco, sobre todo, la inédita segunda mitad que había de tener el cómic. Bustos había planteado la adaptación de Por un bistec: en la primera (la publicada), correspondiente a la historia de Tom King, el protagonista de Jack London, el punto de vista era más crudo y la estética más milleriana; en la segunda, que no llegó a publicarse, Bustos quería ver la otra cara de la moneda, de dónde venía el boxeador al que se enfrentaba King, Jesse Sandel, en un tono más caricaturesco y costumbrista, en la vena de un Twain literario o un E.C. Segar del cómic clásico. En esta reedición podemos ver las páginas y el tono que Bustos había planificado, y la verdad es que, si se hubiera terminado como él planificó en principio, la obra no hubiera hecho más que ser inmejorable (¡Luis, a ver si algún día te animas a hacerlo!). 

Lo único que no me convence es la nueva portada del cómic que, aunque sigue la idea de la original, pierde algo de fuerza con la redistribución de sus contenidos y el cambio de colores. Entiendo la razón de querer homenajear a los antiguos carteles de velada de boxeo, pero creo que un poderoso dibujo del protagonista, no ya golpeando, sino cansado en el vestuario, podría haber contribuido a llamar la atención de los lectores, que de otra forma tienen que abrir el volumen para saber qué se van a encontrar.

Pero, en definitiva, Versus es un cómic magnífico, de esos que te devuelven las ganas de leer por su sabio uso de la gramática de este medio. Os lo recomiendo.