Iconotropía

Destacado de las novedades de enero de Random House Mondadori

2012-01-27T20:37:00.002+01:00

Peanuts, o lo que es lo mismo, Carlitos y Snoopy, es la obra por la que Charles Schulz ha pasado a la historia. Es la tira cómica por antonomasia, la que todo el mundo conoce aún sin haber leído ni una sola viñeta, sus personajes -sobre todo Snoopy, desligado a veces de sus compañeros de reparto por razones mercadotécnicas- han sido reproducidos en infinidad de productos.

Schulz -autor que, cosa curiosa, fue autodidacta (aprendió a dibujar por un curso por correo)- supo encontrar en Carlitos y Snoopy el equilibrio entre un dibujo amable y una obra protagonizada por niños, con un humor que se alejaba del gag prototípico, consiguiendo una profundidad en los personajes que iría desarrollando a la hora de las décadas. En el mundo de Peanuts, los adultos están vedados -sólo vemos de ellos sus cuerpos, pero nunca su cara-, son los niños los protagonistas, pero estos actúan como mayores, y ése es el gran hallazgo de Schulz que luego sería retomado por tantos otros autores, Quino (autor de Mafalda) el primero. Umberto Eco, que en los años 70 y 80 se apasionó por los estudios semióticos y la cultura popular, dijo de la tira que era "una pequeña comedia humana válida tanto para el lector inocente como para el sofisticado". Y tenía toda la razón, porque Carlitos y Snoopy es una obra de múltiples lecturas, desde la más infantil, que se centra en Snoopy o en las anécdotas más eslásticas, hasta la más filosófica o metafísica, con el telón de fondo de un perdedor innato como Charlie Brown, su eterna cometa enredada en los árboles o los partidos de beisbol donde inevitablemente termina derrotado.

Como los lectores sabréis, Planeta está actualmente editando la obra completa de Carlitos y Snoopy, que constará de alrededor de 25 tomos (a raíz de dos años por tomo, abarcando un total de 50 años de tiras... ¡Se dice pronto!), pero quien no quiera esperar tanto tiempo (hay siete u ocho volúmenes ya disponibles) o le apetezca una visión general de toda la obra en un solo tomo, tiene este volumen de Mondadori -editado en su colección DeBolsillo, donde también se han editado los integrales de Carlos Giménez, que nos da una panorámica muy buena a través de las décadas de la obra magna de Schulz.

Bonus track - Enlace: Artículo del periodista Josep Maria Aguiló, El cumple de Charlie Brown.

Reseñas: Scarlet de Bendis y Maleev (Panini), El cuervo de James O'Barr (Glenat)

2012-01-23T10:38:00.001+01:00

TdV 168: Espíritus de venganza

· El cuervo. James O'Barr. Glénat, 2011. El cuervo cuenta la historia de Eric Draven, un joven que es asesinado junto a su novia en vísperas de su boda. Un año más tarde, Eric vuelve de entre los muertos para eliminar a la banda que terminó con su vida y su felicidad. Así, convertido en El cuervo, animal que le acompaña y que ha actuado de psicopompos en su proceso de muerte y resurrección, es la personificación del dolor, la locura y la venganza. Ha dejado de ser humano para convertirse en el instrumento del equilibrio universal. Las escenas nocturnas en la ciudad, una ciudad decadente y destruida por su propia maldad, contrastan con los flashbacks, llenos de luz y esperanza, en los que vemos la vida de la pareja, conscientes de que esa felicidad está destinada a truncarse. También destacan las escenas oníricas, llenas de simbolismo, en las que un caballo blanco representa la inocencia, la bondad y el amor que el dolor se encargará de arrebatarle a Eric. Esta nueva edición definitiva mejora la anterior aportando, además de todos los extras que ya había (letras de canciones, portadas de los números en grapa, y dibujos varios) una tapa dura, una nueva introducción del autor, y lo que puede ser más interesante, treinta páginas adicionales que se insertan dentro de la historia rellenando huecos en flashback, además de una nueva coda al final de la historia. Una obra maestra del cómic de la mano de James O'Barr que hay que tener, que leer y que disfrutar. (Hicimos una reseña algo más completa aquí)

· Scarlet. Brian Michael Bendis y Alex Maleev. Panini, 2011. Scarlet es el último trabajo del tándem Bendis-Maleev, que ya colaboró en títulos como Spiderwoman o Daredevil, y que aquí nos trae la historia de una chica que, tras sufrir los abusos de poder de algunos policías corruptos, decide pasar a la acción y liderar un movimiento de protesta ciudadano que no se quedará en manifestarse y levantar pancartas, sino que implicará violencia, mucha violencia. Estamos ante un cómic revolucionario en su sentido más estricto, porque habla de insubordinación, de desobediencia civil. La injusticia y la corrupción del poder son las chispas que hacen explotar a Scarlet, que se erige en cabeza de un movimiento mucho más grande que el que las autoridades que lo intentan sofocar creían que sería. La serie, en este primer tomo, apenas acaba de empezar, y está por ver hacia donde irá, pero su mismo planteamiento es ya perturbador para el lector. Y más en el momento en el que vivimos, en el que hemos visto como este tipo de manifestaciones en contra del sistema no son tan utópicas como algunos pensaban que iban a ser. La verdad es que por ahora la serie es de sobresaliente; el único pero que puedo ponerle a la obra es la manía de Alex Maleev de resucitar el formato de fotonovela en sus últimas obras. En definitiva, una serie que convendrá seguir porque realmente vale la pena, y que proponemos desde ya como de lo mejor del año, aunque a decir verdad se publicase a finales de 2011. (Hicimos una reseña completa aquí)

Breves

· Los timadores. Beto Hernández. La Cúpula, 2011. Los timadores es la nueva novela gráfica de Beto Hernández (Una oportunidad en el infierno, Nuevas historias del viejo Palomar, Hablando del diablo), una historia independiente pero a la vez relacionada con su saga de Palomar, en la que el autor pone en escena una de las películas en las que intervino el personaje de Fritz, la hermanastra de Luba. Una indagación más del Hernández más atrevido en su universo particular.

· Bat Boy. Peter Bagge. La Cúpula, 2011. La Cúpula nos sorprende con otra obra de Peter Bagge (Todo el mundo es imbécil menos yo, Sudando tinta, Other lives), en esta caso unas tiras recopiladas por primera vez desde su publicación inicial en el Weekly Worlds New. Se trata de las aventuras del estrafalario Bat Boy, un engendro del que se sirve el autor para la mordaz crítica a la estupidez y a la política de su país, los Estados Unidos. Republicanos, demócratas, Bin Laden, Martha Stewart... Nadie se salva de la ácida mirada de este autor de Seattle.

· Duérmete ya, joder. Adam Mansbach y Ricardo Cortés. Mondadori, 2011. Un libro para ir a dormir a los niños pero sólo para padres. ¿Raro? Pues sí. Esta es la curiosa propuesta de Duérmete ya, joder, un extraño cuento infantil para adultos donde el autor va desgranando de forma irónica el hecho cotidiano de acostar a los niños. Las rimas cursis con lunas, estrellas y bebés que se duermen dan paso a los exabruptos de esos pacientes padres que no pegan ojo. Un libro divertido, no apto para niños, y que, sobre todo, disfrutarán los papás.

Nuevo Esquitx a la venta

2012-01-18T18:57:00.001+01:00

Con un poquito de retraso damos noticia de la salida de un nuevo número de la revista Esquitx, enfocada a los lectores más jóvenes y que se distribuye en los territorios de habla catalana. En este nuevo número de invierno (el número 46), tenéis, entre otros contenidos, las páginas de cómic de Gabi Beltrán, Alex Fito, Jaume Balaguer, Tomeu Pinya, entre otros, y un minirreportaje escrito por servidor sobre tres autores mallorquines que están triunfando en el mercado USA: Guillem March, Tomeu Morey y Paco Díaz, además de las habituales secciones de novedades de libros y cómics, otros artículos y pasatiempos. Se puede comprar en las tiendas especializadas y quioscos, y también hay una versión digital disponible aquí.

Reseñas: Batman de Englehart (Planeta) y Drácula de Azpiri y Forges (Ediciones B)

2012-01-16T20:30:00.000+01:00

TdV 167: Las alas del murciélago

· Batman de Steve Englehart y Marshall Rogers. Planeta, 2011. Después de unos años de absoluta entrega, Planeta deja de publicar los cómics de DC en España. Han sido unos años en que la gran editorial barcelonesa ha editado, con un ritmo inmisericorde, tanto las novedades como algunas obras clásicas que merecían ser republicadas otra vez. Una de estas últimas ha sido el volumen de Batman obra de Steven Englehart y Marshall Rogers, aunque también participaran en él otros nombres relevantes como Len Wein (La cosa del pantano) o Walter Simonson (Thor: la saga de Surtur). La crítica ha valorado esta etapa del cruzado enmascarado, que se editó originalmente a finales de los años 70, como "el Batman definitivo". Por sus páginas desfilan malvados como el Joker, Pingüino, Clayface o Hugo Strange en lo que se haría llamar "libro de estilo" de Batman, donde, además de reflejar el espíritu del Batman primordial de Bob Kane, la imaginería del mundo del Hombre Murciélago (la ciudad de Gotham, sus excéntricos villanos, etc.) quedaría fijada para la posteridad. Un Batman, además, muy hijo de su tiempo: cada vez más duro, violento; más vengador ("vigilante" le llaman en inglés) que justiciero. En definitiva, se trata de una etapa crucial del personaje y muy definitoria (complementada además con un segundo arco que los mismos autores publicaron en 2005), por lo que su lectura se hace muy recomendada para cualquier seguidor del género de superhéroes.

· Drácula. Azpiri y Forges. Ediciones B, 2011. A veces el mundo editorial nos sorprende con uniones de autores que nunca habríamos esperado. Es el caso de Ediciones B, que arranca la colección de cómics Horreibols and Terrifics Books, protagonizada por los clásicos de la literatura de terror versionados por dos autores nacionales consagradísimos... y diametralmente diferentes. Se trata de Alfonso Azpiri (autor de Mot, Lorna, y de multitud de portadas de videojuegos en los años 80 y 90) y el genial humorista gráfico Antonio Fraguas, más conocido como Forges. Estos dos genios patrios han unido fuerzas para traernos sus particulares versiones, de las cuales Drácula es la primera en ver la luz. Los sensuales y coloristas personajes de Azpiri contrastan con el vampiro, siempre ilustrado por Forges, y cuya desfachatez y peculiar forma de hablar reconocerán los lectores habituales del dibujante. Mientras Azpiri parece ponerle seriedad al asunto, Forges rompe esa seriedad con sus intervenciones descacharrantes. El resultado es una obra heterodoxa, rara, curiosa, y bastante divertida. Aunque Forges juega en un terreno diferente -el del cómic-, logra mantener su personalidad en los diálogos de Drácula, surrealistas y epatantes. El volumen se completa con una serie de extras, tales como "tomas falsas", escenas eliminadas y making offs, donde Forges se siente más a gusto con chistes sin continuidad. En resumen, una obra realmente original y muy entretenida.

Breves

· Muraqqa'. Ana Miralles y Emilio Ruiz. 12Bis, 2011. Priti es una joven que acude a trabajar al corazón del harén para ensalzar la gloria del imperio mogol del emperador Jahangir mediante sus dibujos, que iluminarán un libro de miniaturas o muraqqa'. De sus conflictos y amistades, en ese ambiente exótico y sensual, versa esta primera entrega de Muraqqa', titulada Vestida del aire, donde el preciosista dibujo y el magnífico color de Ana Miralles (De mano en mano) seducirán al lector.

· Masacre Max: Chalado. Dave Lapham y Kyle Baker. Panini, 2011. El mercernario bocazas de Marvel vuelve al ataque en esta colección Max (es decir, recomendada para lectores adultos), y donde lo que llama la atención son la curiosa pareja autoral: David Lapham (Balas perdidas, Crossed) y Kyle Baker (Por qué odio saturno, You Are Here). En esta serie veremos a Masacre completar diversas misiones a cada cual más sangrienta y sensual. Ninjas, nazis, chicas sexy, humor y mucha sangre es lo que nos depara este cómic.

· Pagando por ello. Chester Brown. La Cúpula, 2011. Chester Brown, por si alguien no lo sabía, es alguien especial. Si en El playboy ya desnudaba su alma para contarnos sus obsesiones con el sexo en su juventud, en Pagando por ello: memorias de un putero nos ofrece un retrato cercano, crudo, realista, personal de su propia experiencia con el sexo de pago. Brown es honesto consigo mismo y con el lector: nos presenta ese tema ciertamente tabú como una crónica sin ambajes. Analizaremos con más detalle este cómic en una próxima reseña.

Destacados de las novedades de Planeta de febrero

2012-01-15T18:52:00.005+01:00

De las novedades que Planeta presenta para el mes de febrero, queremos destacar una: la reedición de Casos violentos, la primera colaboración entre Neil Gaiman y Dave McKean, un cómic que habla sobre los la memoria infantil y los recuerdos y es deliciosa. Si no la habéis leído, ésta es la oportunidad. Tenéis el resto de novedades de Planeta para febrero de 2012 en este pdf.

Reseñas: Supergod, de Warren Ellis (Glenat) y Crónica Marvel (Pearson)

2012-01-08T11:17:00.003+01:00

TdV 166: La biblia de los superhéroes

· Supergod. Warren Ellis y Garrie Gastonny. Glénat, 2011. Warren Ellis no es un autor ortodoxo. Cuando toca un género, lo hace para desarmarlo, para darle un toque personal, una reflexión original, una vuelta de tuerca. Con el género de superhéroes, ya nos habíamos encontrado con un Ellis poco tradicional (pensemos, por ejemplo, en su Doktor Sleepless, o su versión de Iron Man en Extremis, o quizá su obra más conocida, Transmetropolitan). En la recién editada por Glénat obra Supergod, Warren Ellis vuelve a ir más allá para cuestionar los límites y la moral que rodean el mundo de los superhéroes. Nos plantea un escenario apocalíptico al que se ha llegado merced a la insistencia de los gobiernos en crear seres ultrahumanos concebidos como máquinas de guerra. Pero sobre todo, Ellis nos habla de qué hubiera ocurrido si ese monopolio de superhéroes no hubiera sido cosa de EEUU, si tras la IIGM, potencias como Gran Bretaña, la India o Irán hubieran desarrollado su propia tecnología de destrucción masiva. Al igual que Millar en Superman: Hijo Rojo, Ellis cuestiona la hegemonía de EEUU en un contexto postmoderno, derruidas nuestras esperanzas de un primer mundo en paz tras los acontecimientos del 11-S. En este sentido, Ellis es poco optimista y parece decirnos que estamos condenados a la extinción si no nos entendemos. Un cómic transgresor y, sobre todo, que da que reflexionar sobre la naturaleza del poder.

· Crónica Marvel: una historia año por año. VVAA. Pearson, 2009. La editorial Marvel lleva ya una trayectoria cercana a los 70 años, desde que a finales de los años 30, la editorial Timely publicase el primer Marvel Comics, que serían el origen del posterior nombre de la Casa de las Ideas. Desde entonces mucho ha llovido y los cómics han cambiado mucho, pero lo que no puede negarse es que Marvel ha sido fundamental a la hora de entender cómo ha evolucionado el cómic hasta nuestros días. Para analizar a fondo esta cuestión, Pearson publicó el libro Crónica Marvel, una detalladísima historia de la editorial responsable de Spiderman o Hulk, que retrata año por año los acontecimientos más importantes de la editorial. Año por año, casi mes por mes, el libro nos señala la publicación de colecciones clave, o hitos en la trayectoria de sus personajes. Todo aderazado con una guía de hechos históricos y sociales para entender el contexto en el que aparece cada título. Entre los redactores del libro están algunos gerifaltes de Marvel como Stan Lee, Tom DeFalco o Joe Quesada, que aportan su punto de vista como editores. El libro, de unas 350 páginas, se presenta en tapa dura dentro de una caja y a un precio realmente irresistible. Se trata, en fin, de un libro completísimo que tanto los fans incondicionales de Marvel como los investigadores encontrarán sumamente interesante y útil para comprender los cambios por los que ha pasado la más grande editorial de superhéroes.

Breves

· El hijo del legionario. Aitor Sarabia. De Ponent, 2011. El hijo del legionario es una historia familiar desde su título. El protagonista es conocido por ser el hijo de quien es, el legionario Antonio, a quien todo el mundo conoce en Patrocinio. Todos excepto él: "Me he pasado toda la vida intentando conocerle", nos dice. Un divorcio difícil y los desencuentros familiares continuos hacen de la relación del protagonistan con su padre una cuestión espinosa duramnte muchos años. A partir de aquí, Sarabia teje una historia en la que reflexionará sobre las relaciones familiares, mientras va madurando como persona (con sus relaciones, el primer amor, la maduración personal) y como artista. Sarabia usa un estilo deliberadamente naïf y una estructura suelta y desgarbada -nos recuerdo a Juanjo Sáez o a Almendros- para contar una historia cercana.

· ¡Háblame de amor! Robert y Aline Crumb. La Cúpula, 2011. Curioso es el caso que tenemos entre manos: un cómic escrito a cuatro manos entre el genio del underground americano Robert Crumb y su mujer Aline. En la misma viñeta, ambos autores comparten lápices y protagonismo para hablar sobre sus experiencias cotidianas, conscientes de que están creando algo rompedor y original. El cómic autobiográfico llega a un nuevo estadio con esta obra donde las disputas conyugales y las reflexiones metacómicas son el protagonista.

· Peter Pank. Max. La Cúpula, 2011. Se reedita una de las obras más reconocidas de Max, una lectura gamberra y transgresora de la obra de James Barrie pasada por el tamiz de los ochenta y de las tribus urbanas de la época: siniestros, punks, mods... Peter Pank es una obra clave para entender el trazo de nuestro autor, que enlaza aquí su habitual línea clara con la agresividad y rebeldía del comix underground. La edición a todo color restaura el material original, además de portadas e ilustraciones inéditas.

Destacados de las novedades de Panini de enero

2012-01-05T18:27:00.003+01:00

De las novedades que propone Panini para el primer mes de este 2012, queremos destacar:

Andy Diggle, uno de los guionistas que han renovado personajes como Hellblazer, se despide de su laureada etapa en Daredevil en este tomo. Un buen momento para volver a las aventuras del Hombre sin Miedo.
Tenéis el resto de novedades de Panini para enero en este pdf.

The Crow: edición definitiva, de James O'Barr (Glenat)

2012-01-04T18:11:00.048+01:00

Leí por primera vez El cuervo hace ya muchos años, cuando Glénat había sacado en cuatro números la serie de James O'Barr. En ese momento no me pareció un gran cómic: con un dibujo mediocre y unos diálogos que se me antojaban demasiado melodramáticos, fue una obra que no me acabó de convencer. Pero El cuervo es una obra que tiene que madurar el lector, escrita desde el corazón, cuyo mayor mérito es el poder transmitir las fuertes emociones del autor a través de las viñetas. Ahora, en la edición definitva que recientemente ha realizado Glénat en un tomo recopilatorio, podemos valorar esta obra como un conjunto cerrado y ampliado con diversas ilustraciones y poemas suplementarios que se encargan de completar el cómic.

La película de El cuervo, a principios de los 90, contribuyó en gran medida a que la estética gótica se pusiera de moda entre el gran público. Gran parte de esa estética ya estaba presente en el cómic de O'Barr, una obra que evidencia su filiación con el movimiento siniestro que surgió tras el punk, y más ampliamente con el neoromanticismo con el que este movimiento tiene algunos puntos de contacto: ahí están, completando el cómic, las letras de The Cure, Joy Division o Rimbaud. El cuervo es una obra oscura, hecha de dolor y desesperación. Es una historia de amor, pero sobre todo es una historia de venganza dura y pura, la venganza poética que todos desearíamos realizar si nos ocurriese lo que le pasa al protagonista.

El cuervo cuenta la historia de Eric Draven, un joven que es asesinado junto a su novia en vísperas de su boda. Un año más tarde, Eric vuelve de entre los muertos para eliminar a la banda que terminó con su vida y su felicidad. Eric, convertido en El cuervo, animal que le acompaña y que ha actuado de psicopompos en su proceso de muerte y resurrección, es la personificación del dolor, la locura y la venganza. Ha dejado de ser humano para convertirse en el instrumento del equilibrio universal. Las escenas nocturnas en la ciudad, una ciudad decadente y destruida por su propia maldad, contrastan con los flashbacks, llenos de luz y esperanza, en los que vemos la vida de la pareja, conscientes de que esa felicidad está destinada a truncarse. También destacan las escenas oníricas, llenas de simbolismo, en las que un caballo blanco representa la inocencia, la bondad y el amor que el dolor se encargará de arrebatarle a Eric.

James O'Barr planifica estratégicamente el desarrollo de los acontecimientos: El cuervo va lentamente eliminando a los secuaces menos importantes, mientras se van dosificando los flashbacks, de manera que en el último capítulo viene a coincidir la rememoración definitiva del asesinato de Eric y su novia y la muerte de todos los pandilleros responsables de aquel acto. El abismo entre lo que siente por dentro Eric y la situación que busca en la calle es lo que propicia el clímax de violencia desatada al final de la obra. Porque estamos ante una venganza sin concesiones: nada que ver con la adulterada versión cinematográfica, en la que los poderes del protagonista están vinculadas al animal que le acompaña, y eso le hace débil ante sus enemigos. En el cómic, Eric no tiene nada que temer, puesto que ya está muerto y su único fin es eliminar a sus asesinos.

El cuervo, así, se convierte en una especie de Redentor oscuro, que muere y resucita por los pecados cometidos. En el libro tres ("Ironía"), la idea se hace patente al yuxtaponer O'Barr las imágenes de una iglesia con las de Eric, la del cañón de una escopeta con la de la cruz de Cristo, con una voz en off que dice

Existe más de una manera de purificar el alma. Hay absolución, y redención y salvación, y unos medios para justificar un fin. Y si algunos de estos axiomas tienen polaridades opuestas -y en ese momento vemos como se superpone el plano interior de una iglesia con la casa abandonada de Eric- hay por lo menos cierto consuelo en el hecho de que tienen una base común.

El cuervo vuelve a manifestarse como el Redentor en la escena en que, a la manera de Jesucristo y la mujer adúltera, salva a la madre de Sherri de las drogas, redimiéndola de su vida de excesos con esa intervención mesiánica, estremecedora, de Eric:

Vete de aquí, Sandy. Antes de que él te chupe toda la luz de los ojos. Sherri te eserpa. Madre es el nombre de Dios en los labios y los corazones de los niños. ¿Comprendes? ¿Lo comprendes?

(Esta escena está muy bien interpretada en la versión cinematográfica donde es, aún si cabe, más conmovedora cuando El cuervo obra el milagro de extraer la morfina de la sangre de la joven madre yonki). Finalmente, en la masacre final del capítulo "La fiesta del martillo", El cuervo despliega sus brazos para recibir una lluvia de balas a modo de otra crucifixión, que acabará con todos los asesinos de Shelly. Un Mesías oscuro que confiesa a Funboy, justificando su obra: "Lo divino no es menos paradójico que lo malvado. Llevo la corona de espinas que T-Bird colocó en mi cabeza".

Gráficamente, El cuervo es un cómic con, reconozcámoslo, algunos altibajos: desde un estilo más caricaturesco, a otro muy realista, con el uso de lapices, plumillas imitando grabados, claroscurros, expresiones algunas veces cercanas al manga, y otras haciendo uso de viñetas hipercargadas de un realismo sucio y deprimente, hay páginas en las que tenemos a un O'Barr realmente inspirado y otras en las que parece que tiene prisa por terminar. Un detalle que puede pasarse por alto gracias al nivel narrativo y al guión, que, en el fondo, si tiene cierta hondura trágica, es porque lo necesita.

Esta edición definitiva mejora la anterior aportando, además de todos los extras que ya había (letras de canciones, portadas de los números en grapa, y dibujos varios) una tapa dura, una nueva introducción del autor, y lo que puede ser más interesante, treinta páginas adicionales que se insertan dentro de la historia rellenando huecos en flashback, además de una nueva coda al final de la historia.

El cuervo es una obra que nos sumerge en un universo propio: el de una ciudad muerta, de calles sucias, de madrugadas de autopistas silenciosas, de canciones de The Cure que nos alienan de nosotros mismos. El ambiente ideal que nos conecta con lo que debió sentir James O'Barr cuando creó este cómic tras la muerte de su novia en un accidente de tráfico. Leyendo la obra uno consigue entrar en ese infierno privado y salir de él tras la oportuna catarsis. Con todo lo dicho ya, sin duda el lector se perctará que estamos ante una obra, en definitiva, imprescindible.

S de Scarlet

2012-01-03T17:30:00.002+01:00

[Atención, porque puede contener spoilers necesarios para explicar el sentido de la obra]

Tenía curiosidad por saber qué nos podía traer de nuevo la pareja de autores que coincidían de nuevo en Scarlet. Hace años que seguimos las trayectorias de Brian Michael Bendis (Torso, Alias, Powers, Spiderwoman, Sam & Twitch, etc.) y Alexander Maleev (El Cuervo: Tiempo de muerte, Daredevil, Spiderwoman), y sabíamos que su nuevo trabajo sería, por lo menos, suscitador de opiniones encontradas.
Scarlet es el último trabajo hasta el momento de este dúo autorial. Una nueva obra que, en parte, sigue la línea que hasta ahora nos ha marcado Bendis relacionando los cómics de superhéroes con el género negro, pero va más allá.
En primer lugar, porque intenta crear algo nuevo acudiendo a la experimentalidad. Y para hacerlo, rompe la "cuarta pared", como se dice en teatro, para implicar al lector en la obra. Este recurso no es nuevo en el cómic; de hecho, está presente desde sus más tiernos inicios, y normalmente aporta una nueva perspectiva a la obra. Casi siempre se utiliza de una forma humorística o metaficcional: en el momento en que el personaje entabla un diálogo con el lector es que asume que es un personaje. ¿O no? En Scarlet, este recurso, que se utiliza no puntualmente, sino que es una de las anclas del punto de vista narrativo, es utilizado para implicar al lector, para hacerle reflexionar, y para acercar el punto cínico de las reflexiones del personaje. Bendis necesita implicar al lector. ¿Por qué? Porque el cómic habla de revolución. De revolución social ("revolución americana", dice Bendis, como si sólo pudiera darse en los EEUU. Al inicio de la obra, Bendis seguramente aún no había visto las noticias relacionadas con la Primavera Árabe, el movimiento 15M, y desde luego el Occupy Wall Street estaba a punto de estallar en ese momento). De insubordinación, de desobediencia civil. La injusticia y la corrupción del poder son las chispas que hacen explotar a Scarlet, que se erige en cabeza de un movimiento mucho más grande que el que las autoridades que lo intentan sofocar creían que sería.
Evidentemente, Bendis ha de tener en mente otras obras como V de Vendetta en mente cuando crea Scarlet. Y no digo otros referentes de presentes-futuros distópicos como 1984 o Fahrenheit 451. Al mismo tiempo, busca a un personaje que sea icónico, que llame la atención. Él mismo cita a Maleev en los guiones previos la fuerza de la imagen de El cuervo de James O'Barr, pero sin el regusto siniestro que tenía éste.
Porque en el fondo, Bendis busca una cara anónima para liderar un movimiento popular. Un movimiento de resistencia civil ante el poder y la corrupción, que diga basta a todos los atropellos que los que gobiernan realizan en virtud a la confianza que los ciudadanos depositaron en ellos. Yo veo Scarlet como un cómic muy acorde con los momentos que vivimos. Es en buena parte -dejando ahora las cuestiones experimentales formales, el mérito de la obra como cómic en sí- un cómic de nuestro tiempo; una actualización de la reivindicación anarquista de Moore en V de Vendetta, la legitimación incluso del uso de la violencia ante quienes han violado sistemáticamente los derechos de la ciudadanía. Scarlet mata a diversos policías corruptos, que habían abusado de su posición bien violando chicas, traficando con drogas o asesinando inocentes para cubrirse las espaldas. Y no se esconde: ante el creciente fervor popular que suscitan sus actos (grabados y lanzados a la opinión pública por ella misma) no duda en aparecer entre las multitudes manifestantes y arengarlas. La serie, en este primer tomo, apenas acaba de empezar, y está por ver hacia donde irá, pero su mismo planteamiento es ya perturbador para el lector. Y más en el momento en el que vivimos, en el que hemos visto como este tipo de manifestaciones en contra del sistema no son tan utópicas como algunos pensaban que iban a ser.
La verdad es que por ahora la serie es de sobresaliente; el único pero que puedo ponerle a la obra es la manía de Alex Maleev de resucitar el formato de fotonovela en sus últimas obras. Con lo bien que dibuja este señor (antaño, en su tomo de El Cuervo, o en Daredevil), y lo único que hace es pintar sobre fotografías (igual que en Spiderwoman). Por un lado, le da un carácter como más realista a una historia que es muy cercana, pero por otro, no deja de ser un apaño algo cutre para el inmenso talento que sabemos que tiene Maleev y que parece quererse ahorrar no sabemos por qué motivos.
En definitiva, una serie que convendrá seguir porque realmente vale la pena, y que proponemos desde ya como de lo mejor del año, aunque a decir verdad se publicase a finales de 2011.

Lo mejor de 2011 (II): Reediciones

2011-12-25T12:02:00.001+01:00

Y para terminar nuestro repaso a loque ha dado de sí 2011, volvemos en esta ocasión sobre las reediciones de material previamente publicado que este año nos han llamado la atención. Si no teníais ya el material, ésta es vuestra ocasión de haceros con estos maravillosos cómics:

· Conan - la leyenda: 1-La hija del gigante helado (serie de tomos abierta). Kurt Busiek y Cary Nord. Planeta, 2011. Este año Conan ha vuelto a ponerse de actualidad con el remake en la gran pantalla protagonizado por Jason Momoa, actor que encarnaba a Khal Drogo en Juego de tronos. La verdad es que Conan ya lleva mucho tiempo entre nosotros, y quizá su versión más conocida fue la que dieron de las novelas de Robert E. Howard los cómics de Roy Thomas y John Buscema. Este año Planeta ha rescatado en tomos la colección que Dark Horse inició hace un par de años, en los que intentaba rescatar el espíritu original de las novelas de Conan en esta nueva serie, Conan - La leyenda, que iniciaron dos autores de prestigio: Kurt Busiek y Cary Nord. El resultado es una vuelta a las raíces de los personajes que no sólo gustará a los amantes del personaje, sino a los aficionados a la fantasía medieval y a las aventuras en general. Hablamos del cómic un poco más extensamente en abril.

· La cosa del pantano (3 tomos, uno por aparecer). Alan Moore y VVAA. Planeta, 2011. Otra de las reediciones más esperadas es la que también ha recogido planeta en tres tomos (queda pendiente uno por publicar, que será editado por ECC). La cosa del pantano es sin duda una de las obras maestras del cómic en general y de Moore en particular; el guionista británico consiguió de un título en horas bajas de DC hacer una obra maestra del terror y la introspección psicológica, haciéndose dueño de un personaje al que exprimió al máximo, dándole una vuelta de tuerca a su origen y relatando con él las aventuras de un ser elemental, con todo lo que ello conlleva. Metáfora del viaje iniciático, de la vida como camino, de la armonía universal, reivindicación ecologista, revisión de los mitos americanos, adaptación de Orfeo y Eurídice... La cosa del pantano es una obra maestra con todas las letras, una lectura necesaria para entender el viraje que experimentaron en los años 80 los cómics de superhéroes hacia un enfoque más adulto. Lo reseñamos en febrero y en septiembre.

· Voodoo Child: la leyenda de Jimi Hendrix (tomo único). Martin I. Green y Bill Sienkiewicz. Glénat, 2011. Glénat recuperó este año la extraordinaria biografía en cómic dedicada a Jimi Hendrix dibujada por el no menos extraordinario Bill Sienkiewicz. Una obra deslumbrante tanto en lo gráfico como en la aproximación que se hace a la genialidad de este artista que tan prontamente nos dejó. El conjunto es una obra monumental, al que lo único que le falta para tener un diez como conjunto es que se venda con un cd de la música de Hendrix para acompañar la lectura. Hablamos de esta obra en febrero.

· Starman (6 tomos). James Robinson y Tony Harris. Planeta, 2011. Starman es una de esas series que nunca tuvo el eco o el impacto de un Sandman, o un Animal Man, o una Cosa del Pantano, quizá porque su guionista no era un Gaiman, un Moore o un Morrison. Pero lo cierto es que esta serie regular, que abarcó un número importante de entregas, fue la obra titánica de un guionista consciente de querer contar una historia y controlándola férreamente desde el principio hasta el final. Starman entra de lleno en el género de superhéroes, pero le da su toque personal: un héroe que no quiere ser héroe; una reflexión sobre las relaciones paterno-filiales, sobre el peso de la responsabilidad. Junto a la brillante tarea de Robinson a los guiones, nos encontramos a un Tony Harris que tuvo un vasto terreno por explorar y en el que poder experimentar y apuntalar su peculiar estilo anguloso y claroscuro. Reseñamos su primer número en abril.

· Vida y muerte del Capitán Marvel. Jim Starlin y VVAA. Panini, 2011. Otro título que cae de lleno en el territorio de los superhéroes pero que sabe superarlo inteligente es esta obra de Jim Starlin, escrita tras la muerte de su padre. Tras las aventuras del Capitán Marvel, un héroe galáctico como toda la rama Marvel de aventuras como krees, skrulls, shi'ars, y tantas otras razas estelares, Starlin sabe trascender el género para contar una historia que habla de la vida de la fama, y en ocasiones nos parece entrever en ella ciertos ecos de los tratados del arte de bien morir renacentistas, contando la muerte del personaje. Estamos ante un momento importante del universo Marvel: no es cada día que uno de sus personajes muere para no volver jamás (como debería, por otra parte; pero ya sabemos que la idiosincrasia de estos peculiares universos se rige por leyes muy complicadas). En definitiva, un cómic que supuso un hito en el género cuando apareció por primera vez. Hablamos de él en mayo.

· American Splendor 1. Harvey Pekar y VVAA. La Cúpula, 2011. Harvey Pekar es uno de los autores más importantes del comix norteamericano porque supo llevar el medio a un nuevo territorio: el de lo familiar, de lo cotidiano, de lo real. Hasta ese momento, pocos podrían sospechar que las poco interesantes historias de un tío mediocre, metido en un trabajo aburridísimo, y preso de las más diversas manías, podían ser ni remotamente atractivas. Pero Pekar lo consiguió (quizá parte del mérito tiene que llevárselo Robert Crumb, amigo personal de Pekar y uno de los responsables de que éste tomara los lápices para narrar su propia vida), abriendo la puerta al cómic de rasgo autobiográfico y de paso inaugurando una nueva perspectiva del medio, en el que ya no hacía falta contar las historias de seres enpijamados que salvaban al mundo del apocalipsis. Lo reseñamos en mayo.

· Animal Man (tomo único). Grant Morrison y VVAA. Planeta, 2011. Otro caso curioso en el mundo de los superhéroes. Grant Morrison es un guionista del que se puede esperar de todo menos una serie ortodoxa. Siempre nos sorprenderá con algo curioso, y ése es el caso de Animal Man, una serie regular del universo DC que durante 26 números estuvo escrita por este autor, y durante los cuales se apropió totalmente del personaje para contar historias relacionadas con la ecología, los derechos de los animales, e incluso llegando a experimentar sobre la propia voz narrativa en los cómics. La época de Morrison en Animal Man representa, pues, una etapa cerrada, autosuficiente y brillante como pocas, a la altura de los otros grandes nombres que publicaban en ese momento (Gaiman, Moore...). Hablamos de él en junio.

· Todo Barrio (tomo único). Carlos Giménez. Random House - Mondadori, 2011. Mondadori, con muy buen tino, ha ido reeditando estos años las series de Carlos Giménez en integrales. En octubre le tocó el turno a Barrio, una especie de continuación natural de otras de sus obras regulares, Paracuellos y Malos tiempos, en los que somos testigos de las historias cotidianas de la posguerra española. Desde un punto de vista cercano, con historias sencillas y verídicas, Giménez nos acerca al drama de una sociedad que tenía que bregar con la inmensa pobreza del país, el miedo, la censura... pero también con la picaresca. Giménez ofrece una mirada tierna, pero descarnada, sin omitir pasajes grotescos, pero también sabe ver la otra cara, y darnos momentos más dulces o jocosos, puesto que, puestos a ofrecer un fresco de la época, el mosaico tiene que ser completo. Giménez consigue así trazar ese retrato de la época de forma vívida y sentida. Barrio es una de esas obras que ha vertebrado el cómic español. Hablamos de ella en octubre.

· El discurso del cómic. Luis Gasca y Román Gubern. Cátedra, 2011. Como colofón, no podemos dejar de reseñar la reedición de un clásico de la teoría del cómic como es El discurso del cómic de Gasca y Gubern, un libro de referencia para los investigadores del medio que hacía muchos años que Cátedra había editado y que ahora ha visto reeditado en un nuevo formato. Publicado este año en tapa dura, con un tamaño superior, con más de 500 páginas, corregido y actualizado, El discurso del cómic es un ingente trabajo que recopila el inventario de convenciones utilizadas en la narrativa gráfica, con más de 1.600 ejemplos en viñetas que van desde los clásicos de principio de siglo XX hasta cómics editados muy recientemente. El trabajo de Gasca y Gubern, mejorado y ampliado desde sus ediciones anteriores, que databan ya de 1988, se pone al día en un análisis pormenorizado sin precedentes. Este verdadero corpus semiótico para entender el lenguaje del cómic resulta tanto una lectura amena para el interesado en la materia como un verdadero apoyo para los investigadores. Un clásico que hay que tener.

Lo mejor de 2011 (I): Novedades.

2011-12-24T12:45:00.002+01:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar.)

TdV 165: Lo mejor de 2011

Termina 2011, un año en el que, además de buenos cómics, se han reeditado grandes obras del noveno arte. Hoy hacemos recuento de lo que, para nosotros, han sido las mejores novedades del año. Para Ultima Hora e Iconotropía, estos son los cómics imprescindibles de 2011:

· Bodyworld. Dash Shaw. Sins Entido/Apa Apa, 2011.

Un extraño científico llega al pueblo de Boney Borough para investigar las propiedades psicotrópicas de la flora local. El descubrimiento de una planta que provoca un extraño efecto en quien la consume será el catalizador de toda una serie de eventos imprevisibles. Dash Shaw vuelve a demostrar en Bodyworld, este cómic experimental que se lee de forma novedosa (fue publicado originalmente en internet como una gigantesca imagen vertical), que los límites del medio aún están por explorar. Un cómic arriesgado que titula con nota alta. Lo reseñamos con más detalle en abril.

· Four Color Fear. VVAA. Diábolo, 2011.

Diábolo recuperaba en Four Color Fear el espíritu de los cómics norteamericanos anteriores a la censura del Comics Code: tebeos que eran un derroche de imaginación donde todo era posible. Four Color Fear es como revisar capítulos de La dimensión desconocida, o ponerse viejas películas de terror de la Universal. Las historias, de autores luego tan conocidos como Wally Wood, Joe Kubert o Frank Frazzetta, poseen ese encanto de lo antiguo, que a veces pasa por lo surrealista, lo ingenuo, pero también por lo escabroso o lo políticamente incorrecto. Este cómic, junto al Strange Suspense 1 que recoge lo mejor de Steve Ditko de esta época y que también ha publicado Diábolo, son dos joyas del cómic clásico que uno no debería perderse. Lo reseñamos con más detalle en abril.

· Simbad. Christophe Arleston, Audrey Alwett y Pierre Alary. Dibbuks, 2011.

Una visita a las Mil y Una Noches: eso es lo que nos proponen estos tres autores galos, que con su visión de Simbad, nos traen un maravilloso mundo de aventuras. Un cómic de corte clásico, con un dibujo que une lo mejor de la tradición francesa con las innovaciones del lenguaje del manga, en una historia deliciosa y divertida, que pueden disfrutar todo tipo de lectores. La búsqueda de Simbad de sus orígenes da pie a una aventura en la que no falta amor y humor. Lo reseñamos con más detalle en junio.

· El azul es un color cálido. Julie Maroh. Dibbuks, 2011.

Quienquiera que se haya enamorado se reconocerá entre las páginas de esta obra. Las dudas, las indecisiones, la pasión, las decepciones, el placer y el dolor... Pero, sobre todo, el descubrimiento glorioso del primer amor y de la sexualidad. Todas esas sensaciones que viven los enamorados las encontramos representadas en El azul es un color cálido. Estamos ante un cómic muy bien narrado, poderosamente emocionante, que con toda probabilidad gustará al lector por su capacidad asombrosa de empatizar con él. Hablamos de él en julio.

· La saga de Atlas y Axis. Pau. Dibbuks, 2011.

Atlas y Axis deciden viajar al norte tras el brutal saqueo de su aldea por parte de los lobos. En su camino de venganza se encontrarán con diversos personajes que completarán su aventura. Pau vuelve a mostrar en el inicio de esta nueva saga su dominio del medio, tejiendo una historia de aventuras, donde el humor marca de la casa, los paisajes mallorquines, los personajes tiernos y bien trazados y la reflexión también saben estar presentes. Le dedicamos nuestro tiempo en octubre.

· Històries del barri. Gabi Beltrán y Tomeu Seguí. Dolmen, 2011.

Dos de los mejores autores isleños unen fuerzas en Històries del barri para contar las vivencias de uno de ellos en el barrio chino palmesano de los años ochenta. En un ambiente que se nos antoja ahora sórdido se ancla la memoria, que va tirando del hilo para ofrecernos historias que reflexionan sobre el paso del tiempo, la amistad, los valores que vamos cambiando en la vida, o las relaciones paterno-filiales. No en vano esta obra ganó el Ciutat de Palma de cómic 2010.

· La muchacha salvaje: Nómada. Mireia Pérez. Sins Entido, 2011.

Acogida con fervor por la crítica, la ópera prima de Mireia Pérez nos ofrece la historia de una joven que pertenece a una tribu nómada y que, no conforme con su destino, iniciará un viaje que la llevará a conocer nuevas gentes y lugares que le ayudarán a comprender mejor su identidad. La autora, en su peculiar estilo que nos recuerda a autores galos como Sfar o Blain, se ha hecho con este cómic con el premio Fnac-Sins Entido 2010.

¿Opiniones, divergencias, contrastes, amenazas, dudas?

[Otros ránkings en la blogosfera:
· Abandonad toda esperanza: Lo mejor de 2011.
· La Central.]

Felicitaciones comiqueras

2011-12-23T11:03:00.000+01:00

En esta época del año vamos recibiendo felicitaciones de Navidad desde nuestro mundillo comiquero editorial. Aquí tenéis algunas de ellas. Por parte de los autores:

La felicitación de Pau

Lydia Sánchez

Jaume Balaguer

Maria Picassó

Blanca BK

Y de las editoriales:

Esta navidad regala cómics

2011-12-18T11:57:00.036+01:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar.)

TdV 164: Un regalo diferente

Llegan las fiestas y con ellas la ocasión de hacer algún obsequio a nuestros amistades. ¿Por qué no probar con un cómic este año? Ahí van unas cuantas sugerencias para todo tipo de lectores:

· Peter Pank (edición integral). Max. La Cúpula, 2011. 168 pgs. Color. Cartoné. 27€.

La Cúpula reedita una de las obras más reconocidas de Max (Premio Nacional 2007), una lectura moderna de la obra de James M. Barrie pasada por el tamiz de los ochenta y de las tribus urbanas de la época -siniestros, punks, rockeros... Una obra clave para entender el trazo de Max, que enlaza aquí su habitual línea clara con la agresividad y rebeldía del comix underground. Esta magnífica edición a todo color restaura el material original y recupera historias cortas dispersas del personajes, además de portadas e ilustraciones indéditas. Gustará a: completistas de la obra de Max, lectores que vivieron la movida, amantes del comix.

· Chagall en Rusia. Joann Sfar. 451 Editores, 2011. 130 pgs. Color. Cartoné. 19,50€

Joann Sfar, uno de los autores más prolíficos y exitosos en estos momentos en Francia (El gato del rabino, Klezmer, la película Gainsbourg, etc.). En Chagall en Rusia, Sfar repite el ejercicio que ya hiciera en Pascin: toma la figura de un pintor real para fabular sobre su vida, y de paso meditar sobre la propia profesión del pintor. El amor, el destino, el arte, la guerra, y hasta la condición de judío son temas que Sfar maneja en esta obra con su habitual estilo suelto, cambiante y personalísimo. Una manera diferente de acercarse a la vida y obra del pintor Marc Chagall. Gustará a: aficionados al arte, amantes del pintor Chagall, seguidores de Joan Sfar.

· Abuelito, dime tú. (Los dibujos animados de nuestra niñez). Guillem Medina. Diábolo, 2011. 275 pgs. Color. Cartoné. 23,95€

Este libro está especialmente recomendado a todos aquellos que vivieron su infancia y adolescencia a lo largo de los años ochenta. Abuelito dime tú es un libro que repasa de forma gráfica las series de televisión de animación que se emitieron en España, algunas muy conocidas como Heidi, La abeja Maya o David el Gnomo, y otras no tan recordadas pero igualmente fascinantes, como El pequeño Cid, Las aventuras de Tom Sawyer o La familia Robinson. El libro es un ejercicio de dulce nostalgia que nos devuelve a una época donde todo era diferente: no teníamos móviles ni internet, jugábamos en la calle, merendábamos con aquellos maravillosos dibujos animados. Gustará a: lectores que crecieron durante los 80, a quien gustara el libro Papel y plástico de Oscar Lombana.

· El fantasma de Hoppers. Jaime Hernández. La Cúpula, 2011. 130 pgs. B/N. Rústica. 16€

El fantasma de Hoppers recoge por primera vez las nuevas aventuras de Maggie Chascarrillo, previamente serializadas en Love and Rockets, y representa la esperadísima continuación de Locas de Jaime Hernández. El fantasma de Hoppers se inicia con la recién divorciada Maggie trabajando como responsable del famoso edificio de apartamentos Capri, en el corazón del Valle de San Fernando . Los seguidores de los hermanons Hernández están de suerte con esta nueva entrega, que profundiza en uno de los personajes más logrados de su saga. Gustará a: lectores de los hermanos Hernández.

· La cripta (del horror) innombrable. François Launet. Diábolo, 2011. 112 pgs. Color. Cartoné. 12,95 €.

François Launet -también conocido en internet como Goomy- es uno de los pioneros del webcómic con este Vault of Unspeakable Doom, unas tiras cómicas de corte lovecraftiano, sobre todo desde su vertiente más rolera, que disfrutarán tanto los lectores avezados de los relatos de horror de H.P. Lovecraft como la fauna adicta a los juegos de mesa y rol. Una divertida visión de los mundos de los Mitos de Cthulhu que influyó de manera decisiva en la creación de El joven Lovecraft, por fin disponible en castellano. Gustará a: roleros, lectores de Lovecraft y frikis en general.

· La bruja madrina. Jill Thompson. Norma, 2011. 210 pgs. Color. Cartoné. 25€.

Esta historia de Halloween encadilará a cualquiera: con su increíble talento artístico, Jill Thompson (saga Vidas breves de Sandman) nos trae su obra más personal, La bruja madrina, donde una niña descubrirá que el montón de monstruos que salen a deambular por Halloween no tienen por qué ser malos. Un cómic para todas las edades, lleno de humor y ternura, y un toque de terror amable que hará las delicias sobre todo de los lectores más jóvenes. Gustará a: amantes de Tim Burton, Neil Gaiman, etc.

· Crónica Marvel: una historia año por año. VVAA. Pearson, 2009. 352 pgs. Color. Cartoné en caja de cartón. 24,95€

Este libro, lujosamente editado por Pearson, es el sueño de todo aficionado a los cómics Marvel. Se trata de una extensa crónica, año por año, desde mediados de los años 30, en la que se señalan los hitos más importantes de la historia de la editorial de Spiderman o Capitán América, como la aparición de las series más destacadas, o los momentos cruciales de cada personaje, así como una pequeña columna que contextualiza cada año con lo que en esos momentos ocurría en el mundo. Se trata, pues, de la guía definitiva para conocer el universo Marvel en toda su extensión, una obra tanto de referencia bibliográfica como de amena lectura. Gustará a: marvelzombies, investigadores del mundo de los superhéroes, completistas del universo Marvel.

(Esta página apareció en UH como TdV 164)

Reseñas: Jo, Elvis Riboldi, de Bono Bidari (La Galera) y Ocasión para una pequeña desesperación (Zorro Rojo)

2011-12-11T19:47:00.003+01:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar.)

TdV 163: ¿Eres de letras?

Porque no sólo de cómics vive el lector, hoy compartimos aquí dos libros ilustrados que harán las delicias de los más exigentes: Yo, Elvis Riboldi y Ocasión para una pequeña desesperación.

· Yo, Elvis Riboldi/Jo, Elvis Riboldi. Bono Bidari. La Galera, 2011. Elvis Riboldi es un chico como tantos, pero al mismo tiempo es muy especial. Unos dicen que es el mismo demonio. Y Elvis lo explica por sí mismo, sin ahorrar detalles escabrosos. Elvis Riboldi provoca tantos desastres como carcajadas en sus lectores. En esta primera entrega, Elvis repasa sus recuerdos de infancia más queridos. Tres páginas más tarde se le acaban los recuerdos de infancia más queridos y empieza con los más odiosos. Y hace reír aún más. Yo, Elvis Riboldi (editado simultáneamente en catalán y castellano) es la alternativa nacional de libros que están cosechando un gran éxito enter el público joven, como El diario de Greg o Nat el grande. Tras el pseudónimo de Bono Bidari se esconde un grupo de autores patrios que han creado un personaje que está humanizado hasta un punto que no habíamos visto anteriormente: nos dicen que es un chico diagnosticado de hiperactividad, lo que nos habla de normalizar una situación que es bastante frecuente en nuestros colegios. Sus fracasos en el cole, los líos en los que se mete, el estrambótico profesor... Vamos conociendo así sus aventuras. Alternando la narración en forma de diario con la ilustración de de cómic, los autores consiguen una obra muy divertida y entretenida, con puntos muy personales, que hacen de esta futura saga un título a tener en cuenta en nuestra biblioteca.

· Ocasión para una pequeña desesperación. Franz Kafka. Libros del Zorro Rojo, 2011. Este año parece que el mundo editorial ha vuelto la mirada hacia los libros de Kafka; últimamente están proliferando las ediciones del inmortal escritor de Praga en nuestro país. Una de las más interesantes que actualmente encontramos en el mercado es la edición de Ocasión para una pequeña desesperación, publicada por Libros del Zorro Rojo. En este volumen, el consagrado autor e ilustrador alemán Nikolaus Heidelbach nos ofrece una mirada personal sobre la obra de Kafka. Después de haber logrado el reconocimiento unánime de la crítica internacional por sus ilustraciones para los cuentos de Andersen, Heidelbach ha compilado e ilustrado una selección de textos del escritor checo y su interpretación, onírica y surrealista, constituye una nueva y excelsa muestra de su talento. El ilustrador nos descubre un Kafka inesperado. Sorpresivo en lo plástico, siempre original, con un humor delicioso, Heidelbach reconstruye de forma personal las historias de nuestro autor: Nikolaus captura ese momento con imágenes que parecen haber salido de los sueños del propio Kafka. La mayoría de material que incluye el libro está conformado por relatos cortos inéditos, e incluso microrrelatos, de nuestro autor. Tanto en los cuentos breves como en los de mayor extensión, siempre surge un momento que lo sintetiza todo. Ocasión... es, valga la redundancia, la ocasión ideal para acercarse al universo de Kafka de una forma amena y diferente.

Breves

·Ella(s). Bastien Vives. Diábolo, 2011. El joven Bastien Vives sigue imparable y, con él, la editorial madrileña Diábolo. Una de sus últimas obras publicadas -aunque se trata de una de las primeras que realizó- en España es Ella(s), una historia de personajes cotidianos protagonizada por dos chicas y sus relaciones interpersonales. Vives narra con su habitual pulso suelto y expresivo una historia intimista y cercana al lector.

·La muchacha salvaje. Mireia Pérez. Sins Entido, 2011. Recientemente, la editorial Sins Entido ha publicado a la ganadora del premio que organiza junto a Fnac, la joven Mireia Pérez, que, con su obra La muchacha salvaje, ha conseguido el apreciado galardón. Se trata de una novela gráfica ambientada en la época prehistórica que nos recuerda estéticamente a la nueva ola de dibujantes franceses (Joann Sfar), y que de momento está consiguiendo un gran éxito entre la crítica.

· Se celebró el pasado fin de semana el X Salón del Cómic y Manga de Getxo, en Bilbao. La nómina de autores nacionales era de verdadero lujo (Max, el mallorquín Pau, Enrique Vegas, Luis Royo, Luis Bustos, Nancy Peña, Mireia Pérez, Gustavo Sala, José Fonollosa, y un largo etc.), y durante cuatro días la ciudad se llenó de amantes del cómic, que compartieron su afición en las sesiones de firmas, exposiciones y actividades varias que se desarrollaron en el evento.

Salón del Cómic de Getxo (Bilbao), 2011.

El Roto: Viñetas para una crisis

2011-12-10T09:27:00.003+01:00

Andrés Rábago, más conocido por El Roto, y anteriormente por Ops (magnífica la recopilación La edad del silencio, que reseñamos hace un tiempo), es un historietista de reconocida trayectoria -desde los tiempos de La codorniz- y que actualmente colabora como humorista gráfico -o deberíamos decir cronista gráfico- en el periódico El País. Este mes Random House Mondadori, bajo su colección Reservoir Books, ha editado una antología de su trabajo diario titulada Viñetas para una crisis, un conjunto de colaboraciones que se centran en la actualidad social que actualmente vivimos.

Si por algo se caracteriza El Roto es por su causticidad: su sutilísima visión no deja escapar ningún aspecto de la compleja realidad que nos rodea y nos asfixia. El escalpelo de Rábago disecciona sin concesiones a los culpables de esta crisis y devuelve un reflejo lleno de ironía y a veces de desolación. No podemos dejar de sonreír al asentir, con el autor, sobre las causas de lo que está ocurriendo, pero también hay que decir que el trasfondo de todo ello es muy triste. Por eso, cada viñeta de El Roto es como una pequeña venganza, una oportunidad de poner las cosas en su sitio, de tener la última palabra. El humor y la ironía son las únicas armas que el autor utiliza para atacar el sistema y desvelar sus interioridades. La sátira no hace concesiones como la realidad no las hace con nosotros.
Pero, lo que me parece de lo mejor del libro es que, por muy negro que el panorama se nos presente, por muy pesimista que pueda parecer El Roto en sus raciones diarias de causticidad, el libro se cierra con una viñeta final donde vemos a un hombre mirando al infinito que dice "Oscurece, por lo tanto amanecerá". Este pequeño detalle, este final tan sobrio pero tan calculado, deja una puerta abierta a la esperanza para el lector y nos da a entender que Rábago también la tiene. Haber hecho un tomo en el que condensar toda la mala leche de los chistes de El Roto hubiera sido fácil. Pero despedirse de esta forma constituye la pirueta final, el broche de oro, la confirmación de la visión humanista del autor. Viñetas para una crisis es un libro que, además de su valor como humor gráfico, constituirá dentro de unos años como un fiel testigo de la época de crisis que actualmente vivimos.

Destacados de las novedades de Diábolo de diciembre

2011-12-09T19:06:00.000+01:00

De las novedades que Diábolo anuncia para este mes, queremos destacar dos:

Abuelito, dime tú. (Los dibujos animados de nuestra niñez)

Guillem Medina. Cartoné, 275 páginas, 17 x 24cm, color

PVP: 23,95 €.

Si tenéis más de 20-25 años, este libro os transportará de nuevo a vuestra infancia. Abuelito dime tú es un libro que repasa de forma gráfica los dibujos animados que disfrutamos aquellos que vivimos nuestros años de juventud en la década de los 80. Todo un repaso a los recuerdos audiovisuales que conformaron nuestro imaginario. ¡Altamente recomendado!

La cripta (del horror) innombrable

François Launet. Cartoné, 112 páginas, 21 x 16 cm, color

PVP: 12,95 €.

François Launet -aka Goomy- es uno de los pioneros del webcómic con este Vault of Unspeakable Doom, unas tiras cómicas de corte lovecraftiano, sobre todo desde su vertiente más rolera, que disfrutarán tanto los lectores avezados de Lovecraft como la fauna adicta a los juegos de mesa y rol. ¡Una divertida visión de los mundos de los Mitos de Cthulhu que influyó de manera decisiva en la creación de El joven Lovecraft!

Destacados de las novedades de Glénat de diciembre

2011-12-05T11:08:00.003+01:00

Atención porque el diciembre de Glénat viene cargadito de publicaciones interesantes. De todas ellas -tenéis la lista completa aquí- queremos destacar unas cuantas:

La apuesta nacional la hacemos por Sudd, de Gabi Martínez y Tyto Alba (El hijo, Santo Cristo), una historia ambientada en la guerra civil de Sudán y que está basada en la novela homónima de Martínez, que fue elegida como una de las diez mejores novelas de 2007.

Otra que destacamos por su interés es la reedición integral del Makoki de Gallardo y compañía, obra fundamental para entender el cómic español de la transición y el movimiento de la movida que significó la eclosión de las revistas de cómic en España.

Pero para nosotros, la joya de la corona de este mes de Glénat es la reedición de El cuervo, de James O'Barr. Un cómic escrito desde el dolor y que marcó toda una época, más aún cuando luego se convirtió en película y la muerte de Brandon Lee hiciera de esa obra una leyenda. Un cómic por el que no pasa el tiempo y siempre con nuevos matices en cada lectura. Si no lo tienes ya, hazte ahora mismo con él.

Casi al mismo tiempo que las crónicas de Chester Brown sobre el mismo tema, publicadas por La Cúpula en Pagando por ello, aparece ahora Sex Report, de Hiromi Hiraguchi: una crónica de sus experiencias en el mundo de la prostitución. Sin duda, será interesante comparar ambas obras y ver cuál es el punto de vista de este autor japonés.

Glénat también anuncia la que parece que será la edición definitiva de Ranma 1/2, sin duda el manga más conocido de la afamada Rumiko Takahashi (One Pound Gospel, Rin-Ne, etc.). A lo largo de 19 tomazos, Glénat recopila en el habitual formato kanzeban las aventuras del chico que se convierte en chica cuando se moja.

Destacados de las novedades de Panini de diciembre

2011-12-03T18:53:00.005+01:00

De las novedades que Panini anuncia para este mes de diciembre (tenéis el pdf con la lista completa aquí), queremos destacar dos:

La reedición de Locke & Key 1, obra de Joe Hill y Gabriel Rodriguez que está funcionando bastante bien, y que es una buena inmersión en el universo del terror.

Masacre Max: La interesante conjunción de autores que han jugueteado con el mainstream y que ahora aunan fuerzas. Son los dispares Kyle Baker (You are here, Por qué odio saturno) y David Lapham (Balas perdidas), que se ponen al frente nada menos del mercenario bocazas de Marvel, Masacre. El resultado tiene que ser sorpresivo y curioso, por lo menos.
Tenéis el resto de novedades de Panini para diciembre aquí.

Reseñas: Sextape, de Thomas Cadène (Dibbuks) y Alias, de Bendis y Gaydos (Panini)

2011-11-27T19:35:00.022+01:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 162: El cómic se hace adulto

Hemos dicho en diversas ocasiones que el cómic ha crecido hasta hacerse adulto: no sólo porque se dirige a todo tipo de públicos, sino porque abarca multitud de temas. Hoy hablamos de dos cómics que disfrutarán los lectores más crecidos.

· Sextape. Thomas Cadène. Dibbuks, 2011. Anja es una estrella de rock crepuscular, una especie de Madonna o de Lady Gaga tempranamente retirada. Con sus canciones llenaba estadios y sus giras no tenían fin: pero ahora se ha retirado en la montaña, en una gran mansión, simplemente con su guardaespaldas Gordon y su ama de llaves Ella. Quiere pasar página sobre sus antiguos excesos y sobre la fama que casi acaban con ella. Pero un día, Gordon sorprende a un tipo que espía el inmenso ventanal donde se ve a la joven. Anja quiere que se vaya… pero también pide a Gordon que averigüe quién es y qué quiere. Es Will, el dueño del bar del pueblo, que pronto se verá envuelto en un juego caprichoso y obsesivo. Sextape es la obra del desconocido en España Thomas Cadène, que Dibbuks ha publicado recientemente. Una obra que nos habla sobre la naturaleza incierta de las relaciones humanas, y las relaciones de poder que se establecen entre sus miembros, la fascinación de la mirada del otro sobre uno mismo (el voyeurismo) en contraste con la soledad que transmite la vida moderna... Un cómic que reflexiona sobre toda una serie de temas y que no debería pasar desapercibido. Gráficamente, Cadène nos recuerda a otros autores galos como Blutch (Velocidad moderna) o Vives (El gusto del cloro).

·Alias: ¿Quién es Jessica Jones? Brian M. Bendis y Michael Gaydos. Panini, 2011. Tras empezar a hacerse un nombre en el panorama más independiente con Torso o Jinx, Brian Michael Bendis (Powers, Daredevil)ascendió a la primera división del cómic norteamericano trabajando para Marvel. Y si bien es cierto que ahora le ocupan títulos de suma importancia (Ultimate X-Men o Vengadores Oscuros), una de sus obras capitales con los personajes de la Casa de las Ideas fue la maxiserie Alias, englobada en la línea Max (de temática más adulta). En ella, Bendis crea un personaje que se incrusta en la retrocontinuidad de Marvel, Jessica Jones, al que vamos conociendo gradualmente. Sabemos que se trata de una superheroína retirada, que ha decidido apartarse del mundo de los vigilantes y dedicarse a ejercer de investigador privado. Sus peculiares conexiones con el mundo del que proviene y sus poderes, a los que se niega a recurrir (incluso dudamos de que los tenga) harán de su oficio una profesión arriesgada. Bendis apuesta por introducir la serie negra en el universo superheroico Marvel de forma magistral. Le acompañan un Michael Gaydos que le insufla el aire urbano y sucio que necesita la serie, así como un David Mack en las portadas en auténtico estado de gracia. Alias es una serie diferente, sin duda de las mejores que salió de aquella línea MAX y posiblemente una de las mejores que Marvel publicara entre 2001 y 2004. Una obra imprescindible y que marca cómo un género como el de superhéroes puede hibridarse con otros de forma ciertamente exitosa.

Breves

·Polo Sur. Mike Bonales. Dibbuks, 2011. Un zorro polar, un oso blanco y un pingüino son el extraño trío que protagoniza la tira cómica Polo Sur, de Mike Bonales, el autor de Conejo frustrado (Dibbuks) y que comenzó su andadura como webcómic en internet. De ellos, de sus incursiones en la estación científica y de sus aventuras con otros animales antárticos da cuenta el autor en esta descacharrante obra que gustará a los amantes del género humorístico.

· Hollywood Jan. Bastien Vives y Michael Sanlaville. Diábolo, 2011. La adolescencia es un momento complicado de la vida, y Jan lo sabe. Así que, acuciado por sus problemas de ser asocial, se refugia en sus amigos imaginarios, que son nada menos que el Stallone de Rocky, el Schwarzenneger de Terminator y el Russell Crowe de Gladiator. Esas presencias serán las que le atizarán -en más de un sentido- para que consiga desenvolverse en su nuevo medio. Una obra original y con el buen temple habitual de Vives.

· RIP. Felipe Almendros. Random House-Mondadori, 2011. El cómic como método de curación. Así se plantea su obra RIP el autor Felipe Almendros: una original manera de enfrentarse a la depresión y a la agorafobia, a superar la muerte accidental de su padre y a ayudar a su hermana en su lucha contra la leucemia. El autor de Save Our Souls (Apa Apa) se enfrenta aquí a un gran reto narrativo, en una obra polémica y marcada por su estilo inconfundible.

Reseñas: Los Cuatro Fantásticos (Lee y Kirby) y Record of Lodoss War: La bruja gris (Mizuno y Ochi)

2011-11-13T18:43:00.014+01:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 161: Aventuras fantásticas

Una de los hitos más importantes en los cómics de superhéroes fue la creación de Los Cuatro Fantásticos, obra de Stan Lee y Jack Kirby, que en los sesenta revolucionaron el género con toda una pléyade de personajes. Los Cuatro Fantásticos fueron unos de los que más éxito se granjearon: la prueba es su publicación ininterrumpida desde hace ya casi cincuenta años. Panini recupera ahora en un formato óptimo una de las mejores épocas del inicio de la serie. La edad dorada incluye material publicado entre los años 1965 y 1967, con un equipo ya plenamente engrasado: los guiones de Lee, los lápices de Kirby y las tintas de Joe Sinnott, uno de los mejores entintadores que tuvo la oportunidad de trabajar con "el Rey". El material aquí recopilado no tiene desperdicio: en aquel momento el cerebro de Stan Lee era un hervidero de ideas que parecía no tener fin. Siempre en una tensión ascendente, la serie no daba respiro al lector: en estas páginas nos encontramos con la primera aparición de los misteriosos Inhumanos, la llegada del legendario comemundos Galactus y de su heraldo Estela Plateada, y la amenaza definitiva del Dr. Muerte. Este cómic es verdaderamente aventura y emoción en estado puro: el tomo nos muestra un Kirby en estado de gracia, y la edición, en tapa dura, aporta además portadas originales y varios interesantes artículos históricos. Una joya que atesorar. Los Cuatro Fantásticos: la Edad Dorada. Stan Lee y Jack Kirby. Panini, 2011.

Dentro del género de la fantasía épica en el manga, hay un título que es toda una institución: el equivalente japonés, al menos en fama, a El señor de los anillos o Las crónicas de la Dragonlance. Ese título es Record of Lodoss War, una obra que ha recorrido el camino inverso al habitual: empezó siendo serie de animación y ha terminado siendo cómic, aunque, todo hay que decirlo, previamente habían aparecido como novelas del mismo guionista, Ryo Mizuno. Esta entrega, La bruja gris, es el primer manga que se realizó de la saga. La aventura tiene su inicio cuando una princesa es rescatada de las garras de una malvada bruja por un grupo de héroes formado por Parn el caballero y Deedlit la elfa (los protagonistas de la saga; aquí podemos ver cómo se conocen), Etoh el clérigo, Ghim el enano, Slayn el hechicero y Wood el ladrón, esto es, la típica compañia de personajes complementaris que encontraríamos en una partida de Dungeons & Dragons (hay que recordar que las novelas de Mizuno se basaban a su vez en un juego de rol). Todo esto mientras se inicia la invasión de Lodoss y sus reinos por parte de los ejercitos de Marmo, lo que ocasionará unagran lucha entre las fuerzas del bien y del mal. El dibujo elegante y limpio de Ochi contribuye a crear un cómic que se lee con agilidad y se disfruta con interés. Éste volumen, junto con los dos que forman La dama de Faris, son las dos obras que el lector debería conocer de este mundo de Lodoss.

Record of Lodoss War: La bruja gris. Ryo Mizuno y Yoshihiko Ochi. Planeta, 2011.

Breves

Stephanie es una diseñadora que vive con Fabien, y con quien desea fundar una familia al estilo tradicional. Fabien, alérgico a los animales y al compromiso, se siente incómodo con la actitud sobreprotectora de su pareja. Todo cambiará cuando entre en su vida un gatito callejero, en el que Stephanie proyectará sus carencias. Valentín es una deliciosa historia, coloreada con unas bonitas acuarelas, y con el punto agridulce de los relatos cotidianos.

Valentín. Yves Pelletier y Pascal Girard. La Cúpula, 2011.

El equipo responsable de la saga paródica Crepúsculon vuelve al ataque en Eclipsados para en esta ocasión echarse unas risas a costa de la tercera entrega de la saga vampírica. En ella, un grupo de vampiros malos reúne un ejército para acabar con la tontería de Bella. Mientras, ésta debe decidirse por el guaperas de Eduard o la moto de Jacobo el lobo. Humor, payasadas y cameos para este cómic que divertirá a los fans de la saga original de Meyer.

Eclipsados (La saga Crepúsculon). Pepe Caldelas, Ferran Toro, Vicente Cifuentes, Kyle Ritter. Panini, 2011.

La epidemia de zombies sigue imparable y en esta ocasión, Panini nos invita a una fiesta salvaje en la que los protagonistas, aparte de los muertos vivientes, son los personajes de las series más conocidas de los últimos años. Entre Horatio de CSI, Jack Bauer de 24, House, el Mentalista o Michael Knight y Mr. T, el cómic pone patas arriba el mundo de la televisión y enfrenta a estos iconos a la plaga del siglo XXI. Parodia y risas a partes iguales en esta obra de origen nacional.

TV Heroes vs Zombies. Pepe Caldelas, Jordi Pérez, David García Cruz. Panini, 2011.

Una de pitufos

2011-11-07T19:09:00.000+01:00

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En la revista digital Agitadoras de este mes se incluye un artículo mío titulado Una de pitufos, en el que hablo algo más extensamente de lo que ya lo había hecho de los nuevos álbums que recientemente ha publicado Editorial Base: La gran barrufeta, La casa del llac dels barrufets, L´arbre d'or y El llibre que ho diu tot. Podéis leer el artículo entero aquí.

Reseñas: Sueño del Fevre (Glénat) y Jukebox, de Charles Berberian (La Cúpula)

2011-11-06T09:00:00.001+01:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 160: Música y fieras

· Sueño del Fevre. Daniel Abraham y Rafa López. Glénat, 2011. George R.R. Martin, aunque escritor de larga trayectoria en el mundo de la literatura fantástica, ha visto catapultada su fama fuera del reducido número de los lectores frikis con el éxito mundial de su serie Canción de Fuego y Hielo. Pero Martin es autor de muchas otras obras, no sólo de corte medieval: por ejemplo, Sueño del Fevre, que acaba de ver publicada su versión en viñetas de manos de Glénat. Sueño del Fevre cuenta la historia de un patrón de vapores, Abner Marsh, que a mediados del s.XIX, sueña con ser el más rápido del Mississipi. Cuando un misterioso caballero llega para ofrecerle un trato que no puede rechazar, sus deseos empezarán a hacerse realidad. El caballero sufragará la construcción del mayor vapor del río a condición de que sigan sus órdenes. A partir de aquí se desvelará la terrible lucha que subyace entre vampiros y hombres, dos razas más cercanas de lo que ambas creen. El aporte de Martin al género de vampiros estriba, creemos, en la fuerza de sus personajes y en evitar escrupulosamente caer en el maniqueismo. Comprendemos el miedo y la rabia de Marsh, pero también podemos entender las motivaciones de las diferentes facciones de vampiros por sobrevivir. En las historias de Martin no hay buenos ni malos en un sentido estricto. En la parte técnica del cómic, tenemos a Daniel Abraham adaptando la novela y a Rafa López (también conocido como Rafa Sandoval) a los lápices, cumpliendo con su trabajo de forma discreta. En resumen, una lectura interesante para profundizar en la obra de Martin.

· Jukebox. Charles Berberian. La Cúpula, 2011. Charles Berberian es la pareja artística habitual de Phillipe Dupuy y ambos autores de El señor Jean. En Bienvenidos a bobolandia nuestro autor ya se acercaba a un estilo más costumbrista que ahora, en Jukebox, retoma para reflexionar con humor y nostalgia sobre una serie de cuestiones musicales que le son afines. Son historietas cortas que tan pronto combinan el género documental ("Phil Collins") con el autobiográfico ("Los años 80: regreso al futuro"), o la pura invención musical ("Demasiado hype para ti"). En esas revisiones, Berberian se sirve de conversaciones imposibles con las protagonistas de estos relatos: Lennon, Leonard Cohen... o de viajes, no en el espacio, sino en el tiempo, como cuando revisita el año 1972. Todo ello le sirve al autor para fijar un modelo estético a la vez que habla de sus temas de interés con libertad y sin tener que apegarse a una estructura determinada: resulta así un cómic ligero, de grandes viñetas que respiran espacio, con un sencillo coloreado que realza el tono firme pero descuidado de Berberian. Una colección de recuerdos, en suma, que leerá con agrado cualquier aficionado a la música y aún más quien comparta los referentes del autor.

Breves

· Los Simpson: El efecto Homer. Varios autores. Ediciones B, 2011. Nueva entrega de Magos del Humor con este volumen dedicado a los cómics de Los Simpson. En este tomo disfrutaremos de historias inéditas donde veremos aventuras en las que unas hormigas sufren un accidente radioactivo, Bart y Lisa nos narran cómo ven un viaje de vacaciones con sus padres, o un extraño viaje en el tiempo con el profesor Frink. Si no tienen suficiente con la dosis diaria televisiva, Ediciones B, les surte adecuadamente.

·La familia Churumbel. Vázquez. Ediciones B, 2011. Vázquez fue el creador de personajes recordados como Anacleto, agente secreto o La familia Cebolleta, pero éstos no fueron los únicos. Una de sus primeras series fue La familia Churumbel, una sátira social protagonizada por una familia gitana dedicada al arte de sustraer lo ajeno. Lo que ahora nos parecería algo políticamente incorrecto, a principios de los sesenta era una serie humorística y costumbrista, divertida y para toda la familia.

·15M: Voces de una revolución. Lara Fuentes y Patricio Clarey. Panini, 2011. Como respuesta del mundo del cómic al movimiento español de los indignados, Panini edita 15M: Voces de una revolución, obra de Lara Fuentes y Patricio Clarey, un tebeo que intenta plasmar los motivos y razones de las protestas populares ante la grave crisis económica. La influencia aquí de V de Vendetta de Alan Moore es palpable, y el discurso, aunque algo maniqueísta en ocasiones, contiene algunas reflexiones válidas para entender el momento en que vivimos.

Reseñas: El vampiro de Benarés (Glenat) y Lincoln (Dibbuks)

2011-10-31T08:49:00.022+01:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 159: Dioses y monstruos

· El vampiro de Benarés: las bestias de la noche. George Bess. Glénat, 2011. La India milenaria, de los maharishis, de las vacas sagradas, la espiritualidad y los atardeceres en el Ganges. Pero también la India de los descastados, de los invisibles, de la pobreza extrema. Un país exótico y que azuza nuestra imaginación neorromántica. Éste es el escenario que George Bess ha escogido para su nueva saga, El vampiro de Benarés. El periodista Mircéa Sparot acude a Benarés a la urgente llamada de su suegro, Deepak. Éste ha descubierto algo muy extraño, pero antes de que puedan reunirse tiene lugar un atentado en el hotel donde debían encontrarse. Poco a poco, Mircéa irá hilvanando el trabajo de investigación que el padre de su novia había estado haciendo antes de desaparecer y hallará un grave negligencia de la policía, que ha estado ocultando centenares de muertes en extrañas circunstancias. ¿Se están enfrentando con un ser de las tinieblas, con un vampiro? En esta primera entrega, Las bestias de la noche, George Bess apenas plantea las bases de una trama de suspense; apenas vemos la punta del iceberg de la malignidad que está por salir a la luz. Mientras, como dibujante, Bess puede lucirse en sus apuntes del natural, y en las grandes viñetas que retratan esa India soñadora y onírica. Glénat tiene prevista la publicación de dos álbums más de la serie hasta su conclusión.

· Lincoln. Olivier, Jérôme y Anne-Claire Jouvray. Dibbuks, 2011. Lincoln es un paria, un huérfano criado por las prostitutas de un saloon, y está enfurruñado con el mundo. Es misántropo, mal intencionado y de carácter perruno, por lo que no es extraño que el pueblo acabe odiándolo y marginándolo. En su viaje -o más bien destierro- iniciático por el Oeste americano, conoce a un dicharachero anciano que resulta ser Dios en persona, y que resulta que ha decidido ponerse a prueba y cambiar el espíritu insociable de Lincoln. Tras firmar un pacto a cambio de la inmortalidad, iremos viendo las aventuras que corre la peculiar pareja, un curioso dúo de personalidades encontradas pero complementarias que nos recordarán a viejos binomios del mundo de la literatura, desde don Carnal y doña Cuaresma, pasando por Quijote y Sancho, hasta Calvin y Hobbes. La obra, que puede parecer un cómic al uso de aventuras en el oeste, con una estética cercana a la nueva ola francesa (vemos ecos de Dupuy y Berberian, por ejemplo), evoluciona para ser un diálogo entre las fuerzas del bien y del mal, y cómo el hombre siempre se encuentra entre ellas. Pero no se queda ahí: Lincoln siempre lucha por tomar las riendas de su destino, y no ser simplemente una marioneta de los hados. Y entre todo ello humor, venganza, reivindicación de la cultura india, y mucha diversión.

Breves

· Tros de Samotracia: La invasión de Britania. Talbot Mundy. Panini, 2011. Panini se atreve con la novela de aventuras. Y lo hace dándole una oportunidad a uno de los autores más populares durante la primera mitad del siglo XX, todo un clásico de la literatura pulp, y que sólo ahora parece que empieza a reivindicarse. La serie Tros de Samotracia reúne todos los requisitos de una buena novela de aventuras: parajes exóticos, épica grandilocuente y cierto humanismo en las raíces del relato.

· Haarmann, el carnicero de Hannover. Peer Meter e Isabel Kreitz. La Cúpula, 2011. La nueva obra de Peer Meter e Isabel Kreitz (autores también de El caso Sorge) nos lleva a revivir, con el sobrio estilo que les caracteriza, los últimos meses del peor asesino en serie de Alemania, Fritz Haarmann, también conocido como "el carnicero de Hannover". Se trata de un retrato sombrío de unos escabrosos hechos reales que conmocionaron a la opinión pública de su tiempo y que supusieron un gran escándalo judicial.

· Las aventuras de Tintín. Hergé. Editorial Juventud, 2011. Ahora que vuelve a estar de moda más que nunca el entrañable periodista de tupé pelirrojo, gracias obviamente a la película de animación de Spielberg, es buen momento para recuperar al Tintín original. Para ello la Editorial Juventud ha reeditado en un solo tomo dos de los álbums más recordados de nuestro héroe y el querido capitán Haddock: El secreto del unicornio y El tesoro de Rackham el rojo.

Destacados de las novedades de Planeta de enero

2011-10-30T09:39:00.003+01:00

Con una editorial ya sin los derechos de DC (que en 2012 pasan a ECC, El Catálogo del Cómic), Planeta enfoca sus novedades para enero de 2012 en sus títulos de manga y en sus otros sellos. De las nuevas publicaciones que edita -tenéis todo el listado aquí- queremos destacar una, la nueva entrega de la saga de The League of Extraordinary Gentlemen de Alan Moore, esta vez ambientada en 1969.

Cómic Tecla 35

2011-10-26T18:22:00.002+02:00

Ya está disponible en su página web el número 35 del boletín Cómic Tecla, la publicación sobre el mundo del cómic de la Biblioteca Tecla Sala de L'Hospitalet. Incluye cinco microrreseñas de cómics que quizás hayan pasado desapercibidos (y es una lástima) a cargo de Jaume Vilarrubí, la sección de novedades recomendadas a cargo de David Cuadrado, y las siguientes reseñas: Cinco mil kilómetros por segundo, La saga de Atlas y Axis (de un servidor), Cuerpo a tierra, Cuadernos ucranianos, Nocilla experience, La ladrona del cementerio, Quai D’Orsay: crónicas diplomáticas, Polina, Mi organismo en obras, Viva la vida, Máxima discreción, Un lugar equivocado y Cristina y sus amigas.

Lo podéis disfrutar aquí.

Destacados de las novedades de Planeta de diciembre

2011-10-22T10:07:00.003+02:00

Diciembre de 2011 es el último mes en que Planeta ostenta los derechos de publicación de DC. De este mes destacamos los siguientes tebeos:

Volumen del Batman de Steve Englehart, que además cuenta con la intervención de otros grandes autores como Alan Davis, Len Wein (autor de La cosa del pantano) y Walter Simonson. Esta etapa de Batman durante los años 70 definiría en buena medida al personaje durante más de una década.

Edición integral de la obra El anillo del Nibelungo que adapta la tetralogía operística de Wagner, de manos de un imprescindible P. Craig Russell (Elric de Melniboné, Sandman, etc.) en su temática favorita (la adaptación de óperas). ¿Quién mejor que el preciosista Russell, con un dibujo y un color elegantísimo y neomodernista para esta obra? Ojo: hay una errata en la nota de Planeta. La obra en realidad es a color.

Ultima entrega de la maratoniana publicación de la edición Omnibus de Starman. Una delicia de serie que ha tenido el acierto de publicar Planeta.

Tenéis el resto de las novedades de Planeta (entre las que figuran una nueva entrega de Lorna de Azpiri, de Fábulas, mangas varios y cómics de Star Wars) para diciembre aquí.

Reseñas: Nemesis, de Mark Millar, y Sam & Twitch, de Bendis

2011-10-17T09:24:00.001+02:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 158: Buenos y malos

· Sam and Twitch 1. Brian Michael Bendis y Angel Medina. Planeta, 2011. De las páginas de Spawn, aquel engendro -nunca mejor dicho- que Todd McFarlane se sacó de la manga tras desertar de Marvel y fundar, junto con otros autores, la editorial Image, surgieron una pareja de policías atípica, que poco a poco ganaron el carisma y la personalidad suficientes como para conseguir su propia cabecera. Y así surgieron Sam and Twitch, un equipo de investigadores un tanto inverosímil, y que sus creadores gustan de definir como un cruce entre Expediente X y Canción triste de Hill Street. Sam y Twitch son ciertamente dos policías curiosos: son duros, son legales y son incorruptibles en un mundo que se desmorona por momentos. En este primer volumen, deberán enfrentarse a una serie de extraños crímenes en los que aparecen restos de cuerpos incongruentes, a la vez que tienen que sufrir las consecuencias de una investigación de asuntos internos. A los guiones está un Brian Michael Bendis (Powers) en su mejor salsa, el género negro (que ya había tocado en obras como Goldfish o Jinx). A los lápices tenemos a un Angel Medina (Hulk), que, en la estela de la estética feísta de McFarlane, consigue crear unos personajes sumamente originales, todo en un ambiente de suciedad y viñetas claustrofóbicas. Sam y Twitch no serán polis muy glamurosos, pero son perros viejos a los que, por su lealtad, el lector termina cogiéndoles cariño y simpatía.

· Némesis. Mark Millar y Steve McNiven. Panini, 2011. ¿Qué habría pasado si el acaudalado heredero que es Bruce Wayne no hubiera dedicado su gran fortuna en combatir el mal bajo la forma de Batman, sino que hubiera decidido convertirse en un supervillano? Ésta es, a grandes rasgos, la propuesta que hace Mark Millar (Superman: Hijo rojo, Kick-Ass, etc.) en Némesis, un trabajo para un sello menor de Marvel y que plantea qué ocurriría su de repente, todos los recursos económicos de alguna persona excepcionalmente rica se dispusieran para hacer el mal. Mark Millar es un guionista que gusta de jugar con las ambigüedades del ser humano, que fuerza las historias para encajar en un ambiente más realista las historias de superhéroes que siempre hemos leído. Como sello personal de Millar, Némesis es una historia ultraviolenta, no apta para todos los públicos, que impacta y trastorna como ver Seven por primera vez. El guionista escocés nos introduce en un mundo donde la moral ha desaparecido y donde la idea de maldad parece no poder tocar techo. Si los cómics son también un reflejo de nuestra sociedad, Nemesis retrata el momento en el que vivimos, en el que no sabemos cuáles son los enemigos de Occidente, en un mundo a la deriva moral y espiritual donde la única realidad constante es la crueldad y la muerte. Un cómic que dará que hablar y que cimenta la visión posmoderna del género de superhéroes.

Breves

· Knock Out: tres historias de boxeo. Jack London y Enrique Breccia. Libros del Zorro Rojo, 2011. El gran ilustrador Enrique Breccia (En las montañas de la locura, Lovecraft, Lope de Aguirre) une sus lápices a Jack London en la fantástica edición que Zorro Rojo trae de Knock Out: tres historias de boxeo. Tres cuentos que se mueven en un mundo duro, donde el coraje y el sacrificio son el último refugio de los protagonistas. Destacamos el primero de ellos, Un bistec, por ser quizá el mejor relato que se ha escrito sobre este deporte.

· Els barrufets i l'arbre d'or. Peyó. Ed. Base, 2011. Editorial Base publica el más reciente álbum de los Pitufos editado en Europa: Els barrufets i l´arbre d´or. En él, los pitufos nos cuentan el ritual que hacen en el cambio de estación y cómo, tras la caída de un rayo sobre su árbol totémico, son presa de las más variadas supersticiones y creencias sobre la buena y la mala suerte. Un cómic divertido, con una parábola amable para los personajes atemporales de Peyó y sus discípulos.

· Madonna no existe. Julián Almazán. Edicions de Ponent, 2011. Julián Almazán, uno de los mejores expertos -como él dice- en cultura basura de nuestro país y autor del libro Marica tú (Glénat), se embarca en solitario en el álbum Madonna no existe, un delirante ejercicio naïf en el que pululan personajes como la "ambición rubia", Britney Spears, Beyoncé, Benedicto XVI o Lady Gaga. Un tebeo camp sólo para los amantes de las emociones fuertes.

Destacados de las novedades de Panini de octubre

2011-10-16T10:21:00.004+02:00

Las recomendaciones que hacemos de las novedades que Panini presenta para octubre van por el mismo camino: dos obras de Brian Michael Bendis:

Bendis y Maleev vuelven a encontrarse después de su etapa en Daredevil y en el experimento digital de Spiderwoman para realizar Scarlet, la historia de una mujer empujada al borde del abismo por aquellos que se sienten intocables. Sólo por qué serán capaces de crear este tándem de buenos autores vale la pena darle una oportunidad.

Y si la recomendación anterior la hacemos un poco a ciegas por la confianza que depositamos en los autores, en la siguiente está completamente justificada. Panini reedita con muy buen criterio en dos únicos tomos toda la colección de Alias (no confundir con la serie de televisión), realizada por Brian M. Bendis y Michael Gaydos. Otro gran equipo creativo que en esta serie, con el aparentemente gris personaje de Jessica Jones (una ex superheroína metida ahora a detective privado), supo crear una magnífica obra, una de las primeras que mezclaba el ambiente de género negro y el universo superheroico clásico de Marvel. Una obra maestra imprescindible que hay que leer.
Tenéis el resto de novedades de la editorial para este mes aquí.

Destacados de las novedades de Glénat de octubre

2011-10-12T12:12:00.002+02:00

(click para ampliar)

De las novedades que publica Glénat este octubre (podéis consultar el pdf completo aquí), destacamos una nueva obra de Warren Ellis, Supergod, que viene a profundizar en las relaciones de poder de los superhéroes, sus limitaciones como seres humanos y su analogía con los dioses.

Reseñas: Borra, de LuisD, y Electric Requiem (La Cúpula)

2011-10-10T09:16:00.029+02:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 157: Recuerdos

El cómic no sólo sirve para mostrarnos grandes aventuras o épicas hazañas de héroes. A veces también se entretiene en lo anecdótico, en los momentos pequeños que construyen una vida. Son cómics que nos hacen pensar en nuestra propia condición finita o nos llevan a conocer por dentro a quien siempre admiramos. Hoy tenemos dos de esos cómics.

· Electric Requiem. Mattia Colombara y Gianluca Maconi. La Cúpula, 2011. Electric Requiem es una biografía en cómic del gran guitarrista Jimi Hendriz, realizada por los autores italianos Mattia Colombara y Gianluca Maconi. En ella, nos llevan a conocer al intérprete desde su niñez en Seattle, donde es testimonio de la segregración racial y la tormentosa relación de sus padres, y donde siempre tiene algún cómic del Príncipe Valiente en el que refugiarse. Más tarde veremos el poderoso ímpetu al que Jimi se aferra para conseguir su más preciado deseo: la música como forma de expresión de sus sentimientos más íntimos. Pero también asistiremos a su debacle como persona, sucumbiendo a muchos de los pecados de los que ya había sido testigo en la niñez. Sí, aquí Jimi Hendrix es quizá un ser más próximo, más humano. Es inevitable para mí comparar esta biografía en cómic con Voodoo Child de Bill Sienkiewicz, republicada este mismo año por Glénat. Los autores italianos se esfuerzan por alejarse de la visión mítica que el dibujante americano daba. Destaca también el interés por experimentar en la narrativa, usando diferentes planificaciones de página: una secuencia de splash-pages o usando cuatro líneas paralelas narrativas a la vez. En resumen, se trata de una obra muy diferente, enfocada con un estilo cercano al manga, de lectura ágil y con buen pulso.

· Borra. LuisD. La Cúpula, 2011. Un grupo de niños juega entre escombros. Al mismo tiempo, una joven pareja busca un lugar tranquilo donde intimar. El mismo grupo de niños, ya adolescentes, pasa el rato cerca de las vías del tren. Un adulto y un anciano pasan por ese mismo lugar, conversando sobre cómo se cierne el tiempo sobre todos. El joven autor LuisD nos ofrece en Borra un cómic intimista, que reflexiona sobre el tiempo y nuestra percepción de él. Y lo hace de una forma curiosa: yuxtaponiendo diversas líneas temporales que confluyen en un solo espacio. Ese lugar evocador, las ruinas de una fábrica abandonada, cerca de un túnel ferroviario, se convierte en el nexo de los personajes, que revisitan el lugar en diversos momentos de su vida. El título finalmente se hace revelador cuando vemos que la borra, aparte de ser la lana más basta y la acumulación de polvo, también hace referencia a lo que no es tan despreciable como parecía en un principio. Tras una apariencia amable y liviana, la anécdota de la obra deja paso a una reflexión sobre la amistad y las caducidades de ésta, y también, obviamente, se convierte en una elegía al tiempo que no va a volver. LuisD demuestra con Borra que es un autor al que habrá que seguir.

Breves

· Neonomicón. Alan Moore y Jacen Burrows. Panini, 2011. El gran Alan Moore ve publicada en nuestro país una de sus obras más recientes, Neonomicón. Efectivamente, si el nombre le ha traído al lector ecos de H.P. Lovecraft, está en lo cierto: un agente del FBI investiga una serie de asesinatos conectados de alguna manera con una especie de subcultura unida por el rock ácido y el trasfondo de una secta cthulhiana. Una curiosa historia en que Moore reinterpreta los mitos de Cthulhu. [Puedes leer una reseña más completa aquí.]

· Els barrufets i el llibre que ho diu tot. Peyó. Ed. Base, 2011. Editorial Base edita una nueva historia de los pitufos. En esta ocasión, la ausencia del Gran Pitufo propicia que el resto de pitufos encuentren un libro que da respuestas a todas las preguntas que se le formulan. Eso causará un gran impacto en la aldea, que pronto no podrá pasar sin el mágico libro. Uno de los últimos libros de la saga publicado en Bruselas, es ingenioso y divertido: una lectura para todos los lectores. Está a la venta a partir de día 10 de octubre.

· Hundlebert Syndrome. Varios autores. Ultrarradio, 2011. Aplaudo la iniciativa de Hundlebert Syndrome: historias breves de diferentes autores (Max, Albert Monteys, Carla Berrocal, entre otros menos conocidos) con un nexo en común, el de una familia que, a lo largo de su historia, ha sufrido en sus miembros una extraña enfermedad que les convierte en pájaros tras una situación traumática. Ultrarradio edita esta interesante obra que puede ser un buen indicador de los nuevos autores de nuestro país. [Puedes leer una reseña más completa aquí.]

Destacados de las novedades de Planeta de noviembre

2011-10-05T09:03:00.005+02:00

De las novedades que Planeta anuncia para el mes de noviembre, desde Iconotropía queremos destacar unas cuantas. Todas son de espíritu continuista, es decir, son nuevos números de series que ya destacamos en su momento.

Starman 5: Sigue adelante y ya se acerca a la conclusión la edición omnibus de esta magnifica serie de James Robinson, en esta ocasión ya sin Tony Harris y con el dibujante Peter Snejberg, habitual del sello Vertigo.

Scalped: Has de pecar para salverte, un nuevo tomo de la que para Iconotropía es la mejor obra serializada que actualmente se publica en España. Por cierto, ganó el Premio de la Crítica de este año a la mejor serie extranjera. ¡De lectura obligatoria, señores!

Una nueva entrega de Peanuts, correspondiente a 1967-1968. Nada más que decir: es un clásico fundamental de las tiras cómicas de todos los tiempos.

Sam & Twitch 2, segundo tomo recopilatorio de este spin-off de Spawn, y que Bendis convierte en una interesante serie policíaca, haciendo lo que mejor sabe: diálogos rápidos e incisivos, acción truculenta y ambiente muy, muy noir. Por suerte, en este segundo tomo, no tenemos como dibujante a Angel Medina.

Doktor Sleepless: el apocalipsis como filosofía (Reseña en Agitadoras)

2011-10-04T18:50:00.001+02:00

Pulsa en los enlaces de abajo para leer el artículo.

En la revista digital Agitadoras de este mes se incluye un artículo mío titulado Doktor Sleepless: el apocalipsis como filosofía, en el que hablo de este cómic de Warren Ellis que Glénat ha recientemente redistribuido. Una lectura interesante de un Ellis que intenta forzar los límites de su anterior y magistral Transmetropolitan. Anarquía, cyberpunk... y seres primigenios es lo que os encontraréis en este recomendado cómic. Podéis leer el artículo entero aquí.

Reseñas: La saga de Atlas y Axis, de Pau, y Todo Barrio, de Carlos Giménez

2011-10-03T19:41:00.001+02:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 156: Valores nacionales

· La saga de Atlas y Axis. Pau. Dibbuks, 2011. Uno de los autores de cómic mallorquines que más admiro es Pau. Desde su Pau per tots le seguimos diariamente, viendo como era capaz de sacarnos una sonrisa con los detalles de nuestra absurda realidad informativa. También le vimos en obras como Hazeros Inox, donde profesar su amor por el heavy metal con una historia tan emocionante como original, o Los repartidores de cerveza, con la diversión y el juego con el lector como principal arma. Ahora Pau está de vuelta, y vuelve triunfante de Francia, donde también ha sido editado La saga de Atlas y Axis, su última obra. En ella, conocemos la historia de dos perros, Atlas y Axis, que deciden viajar al norte tras el brutal saqueo de su aldea por parte de los lobos. En su camino se encontrarán con diversos personajes que completarán su aventura. Si hay algo que destacaría de Pau es su increíble talento para dibujar: tanto esos animales que resultan tan entrañables, como los maravillosos paisajes inspirados en nuestra isla, y que el lector local reconocerá enseguida por sus formas y colores. Pero es que, además, Pau consigue crear unos personajes a los que enseguida uno coge cariño, y adereza la historia con un humor particularísimo que, en diversas ocasiones se nutre de juegos de palabras cogidos al vuelo o de situaciones que, de nuevo, para los isleños, tienen un doble significado (pienso en la escena de la "matanza"). En definitiva, esta primera entrega de Atlas y Axis es altamente recomendable. Un cómic para leer, releer y disfrutar.

· Todo Barrio. Carlos Giménez. Random House - Mondadori, 2011. Madrid, años 50. Carlines, el niño que habíamos conocido en Paracuellos abandona el hogar del Auxilio Social para volver a casa con su familia, ahora que sus hermanos ya pueden hacerse cargo de él. Después de cinco años en aquel centro "de acogida", por fin vive una vida normal. Bueno, todo lo normal que pueda ser la vida del hijo de un republicano en los años más crudos de la posguerra. En Barrio, Carlos Giménez retoma la temática costumbrista que ya vimos en Paracuellos y 36/39: Malos tiempos, para hacer una crónica de la vida cotidiana de los años más duros del franquismo. Algunos historiadores, como Daniel Arasa, piensan que esa época fue un remanso de paz: bastan un par de páginas de Giménez para desmentirle. En Barrio encontramos, ciertamente, algo más de humor o de situaciones ligeras que en sus anteriores obras, pero aún así, sigue siendo un cómic de una temática tan dura como lo fueron esos años. El hambre, el estraperlo, las triquiñuelas de cada cual para sobrevivir y la felicidad sencilla son algunas de las notas que adornan la obra, que está inspirada, en su mayoría, en anécdotas reales que sucedieron en el entorno del autor. Mondadori, en su colección Debolsillo, edita todos los tomos de esta obra en un único volumen, a un precio tan interesante que debería estar en todo tebeoteca representando a uno de los autores más valiosos del cómic español.

Breves

· Capitán América: Proyecto Marvels. Ed Brubaker y Steve Epting. Panini, 2011. Ed Brubaker es uno de los guionistas más sólidos en el panorama norteamericano: además de escribir Gotham Central ha renovado la alianza entre los superhéroes y el género negro en cómics como Criminal o Incognito. En Proyecto Marvels, Brubaker junto al veterano Steve Epting, vuelven a reconstruir el origen del universo Marvel, a principios de la IIGM, cuando el Capitán América, Namor y la Antorcha Humana luchan por primera vez juntos.

· Rubia de verano. Adrian Tomine. La Cúpula, 2011. Un joven escritor en una crisis creativa, una joven en paro que mata el aburrimiento haciendo bromas por teléfono, dos alumnos de instituto marginados por sus compañeros... Adrian Tomine (Shortcomings) vuelve a contarnos en Rubia de verano pequeñas historias cotidianas, el estilo que más le caracteriza, narradas por un testigo imparcial, para hablarnos de la incomunicación, el amor, las obsesiones de la adolescencia... Una buena puerta de entrada al universo de este autor.

· Las mejores historias de El Superserdo: 1966-1968. Gilbert Shelton. La Cúpula, 2011. Como complemento al tomo editado el año pasado, La Cúpula edita en este volumen de El Superserdo las primeras andanzas de Philbert Desanex y su alter ego porcino, una descarada, irreverente y desquiciada parodia de los superhéroes comerciales y una de las obras más representativas de Gilbert Shelton, ideal para entender el underground de la época y el ácido sentido del humor del autor de Los Freak Brothers.

La cosa del pantano de Alan Moore (vol. 2)

2011-09-21T19:30:00.027+02:00

En el segundo (de 3) volumen recopilatorio de La cosa del pantano, Alan Moore prosigue su relato mítico vegetal. En esta ocasión, el volumen incluye la famosa saga American Gothic, en la que nuestro vegetal protagonista recorre diversos puntos de la geografía norteamericana junto a John Constantine, el mago aquí metido a infernal Virgilio, para juntos descubrir la naturaleza elemental de quien antes fuera -¿o no?- humano. Esta "road comic", salvando las distancias, sirve a Moore para plantear en la serie sus ideas sobre las sagas de terror: por las páginas veremos desfilar vampiros acuáticos, una impactante historia que relaciona la licantropía con el género femenino (la influencia de la luna, la menstruación...), un espléndido relato de huellas fantasmales del pasado en una plantación de Nueva Orleans... A cada paso, La cosa irá conociendo algo más de su esencia, y llegará hasta el Parlamento de los Árboles, donde conocerá que su naturaleza elemental no es única. Todo ello desembocará en un cataclismo de magnitud universal en el que el protagonista, junto a los héroes más sobrenaturales del mundo DC deberán enfrentarse a la amenaza final. Y mientras tanto, en los pantanos, Abbey será acusada de delitos contra la moral por yacer con... un vegetal.

Este segundo tomo sigue en la línea magistral del primero, con un Alan Moore en horas altas (aunque el prólogo de Stephen Bissette, uno de los dibujantes de la serie, revela que algunas de las ideas que aparecen en la serie también fueron aportados por los ilustradores) y un equipo gráfico (el mencionado Bissette, las tintas de John Totleben) de acorde con el tono lúgubre de la serie. Estamos ante una obra por la que no pasan los años, tan magníficamente está ideada y ejecutada. Toda una obra maestra que debe de estar en las estanterias de todo buen lector de cómics.

¿Quieres ayudar a Iconotropía?

2011-09-20T18:55:00.006+02:00

Iconotropía es un blog que busca ofrecer reseñas de cómics de actualidad, así como recomendaciones de las novedades que van saliendo cada mes. Nuestro objetivo no es publicar checklists o listas de novedades de todas las editoriales, sino seleccionar de entre ellas lo que nos parece más destacado. También, con las reseñas y recomendaciones, buscamos profundizar un poquito en la obra en cuestión, ofrecer al lector referencias anteriores, situarlo e incitarle a la lectura. Todo esto es Iconotropía.
Iconotropía tiene su versión en papel en la sección Tebeo de Verdad, en el periódico Ultima Hora, publicado en las Islas Baleares. Durante los últimos meses, no obstante, la sección ha ido apareciendo de forma bastante irregular por cuestiones ajenas a su autor, apenas dos o tres veces en todo el verano. Considerando que cada mes hay un montón de novedades sobre las que hablar, consideramos que este trato es injusto.
Creemos que el cómic es un arte, es un medio de comunicación con tanto potencial y dignidad como lo puedan ser el cine o la literatura. Creemos que el cómic puede transmitir emociones, sentimientos, historias; puede denunciar situaciones injustas, puede contribuir a la divulgación de temas poco conocidos, y puede ser un espejo en el que podemos mirarnos para aprender algo más sobre nosotros.
¿Crees que el cómic merece un espacio semanal regular en la prensa, no una página que puede ir apareciendo y desapareciendo cada semana? ¿Tienes ganas de leer una página sobre cómic cada semana con el suplemente dominical de Ultima Hora, al igual que ya puedes hacerlo sobre literatura o temas varios de actualidad? Si es así, quiero pedirte un pequeño favor: escribe a diario@ultimahora.es, redaccion@ultimahora.es o secretaria@ultimahora.es, a la atención del Sr. Director de Ultima Hora, un breve email manifestando tu interés porque se publique semanalmente la sección Tebeo de Verdad sobre cómics. Quizá, algo así:

Estimado director de Ultima Hora,
Soy un lector de su diario y aficionado a los cómics. Me he dado cuenta de que la sección Tebeo de Verdad, que suele incluirse en el suplemento dominical, aparece con menos regularidad de la que sería deseable. Como lector le pido que esta sección tenga un trato respetable y podamos seguir leyéndola cada semana, sin tener que preguntarnos cada domingo si aparecerá o no. Atentamente,

Sólo lleva un momento copiar y pegar todo esto en tu correo y enviarlo. Si lo haces, ademas de contribuir a la dignificación del cómic en la prensa escrita, te quedaré muy agradecido.

Reseñas: Vacaciones y Hoy es el último día del resto de tu vida

2011-09-19T08:28:00.027+02:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 155: De viaje

· Vacaciones. Nicoby. Glénat, 2011. En un determinado momento de una de las novelas del poeta José María Álvarez, el protagonista encuentra en un supermercado a una chica con la que décadas antes había tenido una relación: los años le han pasado por encima, ha engordado, se ha demacrado y la maternidad no la ha favorecido. Álvarez nos habla así de los estragos del tiempo, lo efímero de la belleza y la deriva de nuestros destinos. El inicio de Vacaciones, de Nicoby, es similar: en el metro de París, Mathieu ve a una mujer a la que no veía desde que era adolescente. Su memoria le lleva a evocar unas lejanas vacaciones en la costa junto a sus padres en los que conoció a algunos jóvenes y tuvo una relación con la chica que se ha cruzado. Vacaciones es un cómic que resultará cercano al lector porque cuenta una historia muy frecuente, unas vacaciones en las que uno es adolescente y poco a poco se va liberando del yugo parental, en que empieza a descubrir la vida por sí mismo, las salidas nocturnas, el alcohol, las chicas, el amor y el sexo... Puede que en la memoria quede fijada esa época como algo mítico, pero seguramente es porque efectivamente lo era para nuestra experiencia del mundo. Es un verano idealizado, pero también el verano de la pérdida de la inocencia, como comprenderá el lector al final de la obra. "Al día siguiente llovió. Fue el final de las vacaciones", sentencia finalmente el narrador, sin ni siquiera volver del flashback en el que nos metió al principio de la obra; el tiempo queda así congelado en esa memoria refractaria. Estilísticamente, Nicoby se maneja con destreza en un dibujo suelto, sencillo y ordenado, con un color sobrio. La narración está bien llevada, a pesar de que el autor haga trampas alguna que otra vez con la omniscencia de un narrador subjetivo. Pero obviando esos pequeños detalles, tenemos una bonita obra costumbrista, y evocadora.

· Hoy es el último día del resto de tu vida. Ulli Lust. La Cúpula, 2011. Durante el verano de 1984, dos jóvenes austríacas, Ulli y Edi, deciden viajar a Italia sin documentación y apenas con lo puesto. En el transcurso de su viaje pasan por Nápoles, Roma, hasta llegar a Sicilia. Ambas se separan por un engaño y eso les lleva a conocer a yonkis, vagabundos y diversos capos criminales de la mafia siciliana. Ulli comprobará entonces que sus ansias de libertad e independencia chocan contra la cerril y machista sociedad italiana, hasta que pueda deshacer su camino, volver a casa y seguir con su vida. Precedida por sus premios y la buena crítica llega a España Hoy es el último día del resto de tu vida, relato autobiográfico de la autora Ulli Lust, actualmente editora de Electro Comics. La sensación que deja la voluminosa obra una vez leída es de mal cuerpo: mal cuerpo porque, a la vez que acompañamos a Ulli en su periplo, cada vez lo pasamos peor a ver a una chica joven, independiente pero desprotegida de lo que se nos antoja la barbarie de uan sociedad que se puede resumir en una frase del cómic "¿Una mujer sola? ¡Una puta, evidentemente!". Algunos críticos han querido ver en la mirada que Lust ofrece sobre sus andanzas juveniles un tono excesivamente paternalista o conservador. Ignoro si era la intención de la autora: lo cierto es que la obra resulta una lectura dura para el lector, quizá algo larga, pero impactante y que constituye un buen material para reflexionar sobre las relaciones entre sexos y el choque entre diferentes mentalidades.

Breves

· Mi organismo en obras. Fermín Solis. La Cúpula, 2011. Fermín Solis nos ofrece en Mi organismo en obras un tebeo cercano a la autobiografía en el que asoma una mirada amable a los años en que muchos de nosotros pasamos de niños a adolescentes, en la España de los años 80, donde las diversiones de un chaval se cifraban en los Mortadelos que tenía por leer, la revista Micromanía o los videojuegos en cassette que te grababa algún amigo. Este retrato costumbrista es trazado con nostalgia y cierta ironía.

· Sín título (2008-2011). Rayco Pulido. Ediciones De Ponent, 2011. Abel es un joven guardia civil de costa que vive con Helena, cuyo padre es el jefe de Abel. Pero la brigada de éste está corrupta y participa en trapicheos de drogas e incluso de tráfico de personas. Abel quiere delatarla, al mismo tiempo que su relación se desmorona. Rayco Pulido nos ofrece este drama psicológico cuya originalidad estriba en las interrupciones metanarrativas del autor y un amigo, que comentan el desarrollo del cómic. Un cómic arriesgado e interesante.

· Thunderbolts: La justicia, como el rayo. Kurt Busiek y Mark Bagley. Panini, 2011. Kurt Busiek, aclamado guionista de éxitos como Marvels o Astro City, o responsable últimamente del revival de Conan, arrancó un nuevo concepto de superhéroes cuando, tras el fiasco llamado Heroes Reborn, inició una serie, Thunderbolts, de superhéroes elegidos para llenar el hueco de los desaparecidos en combate Vengadores. Poseedores de un terrible secreto, la serie se reveló como una de las mejores y más originales de los años noventa. Panini recupera ahora su primer año en este La justicia, como el rayo.... Un volumen imprescindible en cualquier comicteca.

El Neonomicón de Alan Moore

2011-09-13T17:07:00.002+02:00

El todopoderoso Alan Moore ve publicada en nuestro país una de sus obras más recientes, Neonomicón. Efectivamente, si el nombre le ha traído al lector ecos de los relatos de Lovecraft, está en lo cierto: un agente del FBI investiga una serie de asesinatos conectados de alguna manera con una especie de subcultura unida por el rock ácido y las orgías sexuales, todo ello con un trasfondo de secta cthulhiana.

En el prólogo de la obra, el articulista nos es sincero desde el principio: Neonomicón es una obra alimenticia de Alan Moore, escrita para solventar unos problemas de liquidez que tenía. Para ello, se sumergió en toda la cosmología del escritor de Providence (de una u otra manera, ya la había tocado, ni que fuera tangencialmente, en detalles aparecidos en Watchmen o La cosa del pantano) para darle la vuelta como un calcetín: primero, haciendo aflorar el racismo implícito que contenían sus historias, y segunda, haciendo una interpretación sexual de aquellas historias que, precisamente, evitaban el sexo a toda cosa, de forma que todos esos elementos eran sublimados por sus monstruos incomprensibles.

De Alan Moore siempre espera uno algo genial, aunque sea de un encargo hecho por dinero. He de confesar que leí este cómic desde una postura más bien escéptica: los cómics de Avatar no suelen caracterizarse precisamente por su rebosante calidad, y el dibujante, Jance Burrows (Las crónicas de Wormwood, Dark Blue), no es que sea santo de mi devoción: es efectivo, sin más. En Neonomicón, Moore cumple y, sin ser una gran obra ni uno de los cómics que pasarán a la historia, nos deja un cómic curioso con un giro interesante al universo de los Mitos de Cthulhu. A pesar de ser Alan Moore un escritor bastante elegante, llama la atención lo crudo que puede resultar en esta obra. Hay un momento bastante duro en la obra (que no revelaré aquí) que justifica claramente por qué en la portada figura la advertencia "Recomendado para lectores adultos". Sin duda, es algo que Lovecraft no hubiera escrito jamás, pero es una visión interesante a la luz de los tiempos que corren. La interpretación final, de connotaciones casi religiosas, es original y está bien cimentada. Finalmente sabemos por qué el libro de los nombres muertos pasa a ser el libro de los nombres nuevos.
En fin: Neonomicón es una obra que me ha desconcertado bastante, porque, como he comentado, la lectura a la contra que empecé se fue desmontando a medida que avanzaba y, con el final, Moore redime los posibles fallos que tenga el conjunto. Desde luego, como revisión de los Mitos (no "el mito de Cthulhu", en singular, como se empecina en decirnos el prólogo y el texto de contraportada), gustará a los lectores de Lovecraft.

Destacados de las novedades de Panini de septiembre

2011-09-03T09:50:00.001+02:00

De las novedades que Panini presenta para este recién iniciado mes de septiembre, queremos destacar cuatro:

Mark Millar (Superman: Red Son, etc.), el deconstructor postmoderno del género superheroico, presenta en Nemesis una idea interesante: ¿y si un hombre con la capacidad intelectual y los medios de un Bruce Wayne no se hubiera dedicado al bien, sino todo lo contrario?

Llega el segundo volumen de Incógnito, otra de las geniales series de Ed Brubaker (Criminal) donde mezcla sabiamente serie negra con tipos con superpoderes. Una serie muy recomendable desde su inicio.

Reedición de esta obra que unió dos grandes nombres del cómic mundial: Stan Lee, el padre de los superhéroes modernos y creador de Estela Plateada, y Jean Giraud Moebius, autor francés responsable de obras tan conocidas e importantes como El teniente Blueberry o El Incal. Se trata de un cómic atípico que marcaría la posterior colaboración de otros artistas fuera del mainstream de los superhéroes en el cómic americano.

Y si hablamos de Silver Surfer, Galactus, y demás personajes galácticos, no podemos obviar el plato fuerte del mes: la reedición una de las mejores etapas de Los 4 Fantásticos, con guiones de Stan Lee y Jack Kirby, en el habitual formato Marvel Gold. Un tocho de casi 500 páginas, seguramente con el color original (como el resto de títulos de esta colección) para volver a disfrutar de estas aventuras clásicas que cumplen cerca ya de 50 años.

Tenéis el pdf con éstas y el resto de novedades de Panini para septiembre aquí.

Reseñas: especial Capitán América y Els Barrufets

2011-08-29T09:07:00.003+02:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 154: Leyenda viviente

Aprovechado el estreno de la película del Capitán América, hoy analizamos algunos de los puntos álgidos en la trayectoria del Centinela de la Libertad.

· Capitán América: Servir y proteger. Mark Waid, Ron Garney y Andy Kubert. Panini, 2011. A finales de los años 90, el título del Capitán América pasaba por horas bajas tras una época mediocre guionizada por Mark Gruenwald, hasta que, poco antes del reseteo que significó Heroes Reborn en Marvel (cuando el Capitán América pasó a las infames manos de Rob Liefield), tomó las riendas de la colección Mark Waid, un autor que supo insuflar nueva vida al título, y que estuvo acompañado a los lápices del fantástico Ron Garney. Una vez pasado el hiato Liefield, el título se reinició y la tarea volvió a recaer en el susodicho tándem. Ese primer año es el que se recopila en Servir y proteger, la continuación del primer año truncado de Waid al frente del Capitán América. En la obra, Steve Rogers debe enfrentarse a varios enemigos, como el Superskrull o Pesadilla, enemigos que permiten a Waid plantear temas como la globalización mundial (por parte de los valores norteamericanos) y sus efectos colaterales, o la definición de sueño americano -ideal por el que lucha el Capitán América-, la credibilidad de los políticos y la fanatización de las masas. Se trata de una visión más humana y realista que la de los 60, aunque siga apreciándose cierto apego a los valores tradicionales. En resumen, una magnífica etapa que leer de este héroe, aunque no se simpatice mucho con él.

· Capitán América: la leyenda viviente. Stan Lee y Jack Kirby. Panini, 2011. El Capitán América vivió, allá por los años 60, su segunda época de oro, cuando fue rescatado y lanzado en paralelo junto a todos aquellos personajes recién creados: Los 4F, los Vengadores, Spiderman... Sus historias se publicaron en Tales of Suspense, donde aparecía junto a Iron Man, hasta que en el número 100, la colección pasó a ser Capitán América. El personaje había ido creciendo y tomando matices gracias a los guiones de Stan Lee (sintiéndose desplazado de su época, torturado por la muerte de Buckey), adquiriendo una humanidad que le convertía en un personaje más redondo. En el apartado gráfico, un Jack Kirby en el mejor momento de su carrera se encargó de fijar el aspecto visual del Capitán América con su dibujo potente, elegante y dinámico. Ideológicamente habría mucha tela que cortar en esta obra, pero lo ideal es olvidar este tipo de cuestiones e interpretaciones maniqueas de la realidad -o al menos no prestarles mucha atención-, para sumergirse en la aventura desenfrenada que supone tan tamaño volumen: historias trepidantes, con buenos cliffhangers, llenas de fantásticas amenazas y peligros para el Centinela de la Libertad. Panini edita esta etapa del Capitán América: La leyenda viviente (principalmente del año 1964 a 1968) en un colosal volumen de 568 páginas en tapa dura con interesantes artículos complementarios de Raimon Fonseca. [Puedes leer una reseña algo más extensa aquí]

Breves

· La vila del llac dels barrufets. Peyo. Editorial Base, 2011. Aprovechando también el estreno de la película de los Pitufos, destacamos los últimos álbums que Editorial Base ha publicado en catalán de estos personajes. Uno de ellos es La vila del llac dels barrufets, donde veremos una amable metáfora del mundo moderno donde el estrés lleva a los pitufos a hacerse una segunda residencia cerca de un lago, con todo lo que ello conlleva: vacaciones masificadas, largas colas para ir y volver...

· La gran barrufeta. Peyo. Editorial Base, 2011. En La gran barrufeta, los discípulos de Peyo abordan el tema del machismo. Pitufina se cansa de la actitud condescendiente de sus compañeros sólo porque sea una chica. Hablando con el Gran Pitufo se les ocurre que pueden dejarla al cargo mientras éste simula irse de viaje para que el resto aprenda la lección. Una amable lectura sobre la igualdad entre sexos, con sus puntos ciertamente cómicos.

· On es barrufa el barrufet de les ulleres? Peyo. Editorial Base, 2011. Los más pequeños de la casa se lo pasarán en grande con On es barrufa el barrufet de les ulleres?, un título en la línea de aquellos conocidos "¿Dónde está Wally?", y donde el lector deberá encontrar a un personaje determinado dentro de espectaculares dibujos a doble página atestados de cientos y cientos de pitufos. Un pasatiempo fantástico que reforzará la agudeza visual de los lectores más jóvenes.

Un cómic al día: Hellblazer de Peter Milligan y Camuncoli-Bisley (5)

2011-08-18T10:21:00.004+02:00

En el quinto tomo de Hellblazer escrito por Peter Milligan (Shade el hombre cambiante, Greek Street) prosigue la historia en la que el guionista británico introduce a un personaje que ya había usado (Shade). Además, en este volumen prosiguen los planes de boda del viejo mago con Epiphany, la hija única de un importante mafioso londinense. Las locuras de Shade llevarán de nuevo a la pareja protagonista al londres de los 70 (ver tomo 3), en diferentes lapsos dibujados por Simon Bisley (Slaine), que propiciarán, finalmente, el encuentro entre las dos versiones de John Constantine. ¿Encontrará finalmente la felicidad Constantine, conseguirán llevar al altar al iconoclasta mago? En este volumen el lector encontrará la solución; un volumen que sigue en la linea habitual, con los dos estilos tan característicos y a la vez diametralmente distintos de Giuseppe Camuncoli y de Bisley, y con algunas escenas subidas de tono -ligeramente explicitas- propiciadas seguramente por el progresivo olvido de la autocensura editorial en DC.

[Anteriormente:
· Reseña del volumen 2
· Reseña del volumen 3]

Destacados de las novedades de Glénat de agosto

2011-08-15T20:11:00.005+02:00

De entre las novedades que Glénat pone a la venta durante este mes, queremos destacar tres:

Mientras una guerra fratricida divide al reino de Alstavik, los ataques de las naves de Mog Ruith, un pueblo celta procedente de los mares del oeste, se hacen cada vez más frecuentes. Pero un peligro aun mayor se abate sobre esa región escandinava: el regreso de las legiones centauras, derrotadas diez años atrás. Más poderosas y feroces que nunca, barren sin dificultad las huestes de soldados apostadas en la frontera. Vienen para cobrarse la venganza. Los dos príncipes herederos, Sigvald y Rildrig, pese a ser enemigos jurados, tendrán que tomar una decisión de la que dependerá la supervivencia del reino que, esta vez, fácilmente podría desaparecer para siempre. Konungar es una nueva serie de álbums de temática vikinga que tiene buena pinta. Una lectura interesante con un disco de Amon Amarth o Ensiferum de fondo.

Siguiendo el éxito que está teniendo la saga de fantasía Canción de Fuego y Hielo (Juego de tronos, vaya), Glénat se anima a publicar la adaptación al cómic de otra de las novelas de George R.R. Martin, Sueño del Fevre (novela que en España ha editado Gilgamesh), una historia de vampiros en la Nueva Orleans y a las orillas del Mississipi de fin de siglo XIX. Interesante.

Y finalmente una obra del siempre recomendable Warren Ellis: Doktor Sleepless, una obra que nos promete ciencia-ficción, terrores lovecraftianos y debates sobre la naturaleza de la realidad. Precedida de buenas críticas, creo que puede ser la apuesta de agosto.

Algunas lecturas de verano (II)

2011-08-14T10:53:00.005+02:00

· 2020 Visions: La tormenta. Jamie Delano y Warren Pleece. Recerca. Me ha sorprendido gratamente este cómic de Delano (Hellblazer) en la que retrata una Miami futurista y ciberpunk, que vive bajo la amenaza eterna del ciclón definitivo que se la lleve, y donde la detective Jack Atlanta (una outsider, andrógina, lesbiana y adicta al cibersexo) tendrá que investigar la desaparición de una chica, lo que la llevará a descubrir un turbio negocio de tráfico de niños. Todo eso, mientras campa por la ciudad un psychokiller que se hace llamar El Escultor, y que modifica grotescamente los cuerpos de sus víctimas. El ambiente de novela negra postnuclear está muy bien conseguido. Realmente se trata de una historia ciberpunk bien contada y con personajes llamativos, que crea una ambientación sólida y en la que el lector se zambulle, y una vez terminada queda uno con ganas de más. La única pega que se le puede poner a la obra es el mediocre trabajo de Warren Pleece y su uso de un blanco y negro muy soso y sin personalidad. Por lo demás, buena lectura.

· Iron Man: Extremis. Warren Ellis y Adi Granov. Panini, 2010. ¿Que tiene de interesante el personaje de Iron Man? Sin la armadura, es un tío cualquiera, un ricachón, un científico, un empresario. Si lo que es interesante es la armadura y su prodigiosa capacidad bélica, el que la lleva no es importante... El personaje de Tony Stark ha tenido que ser deconstruido sistemáticamente para poder encontrar algo en él que nos hiciera empatizar. Sabemos de él que depende de su armadura para vivir (o al menos, lo tuvo que hacer en algunos momentos), y que ha sido un alcohólico contumaz durante mucho tiempo. Pero más allá de esos fallos humanos, Iron Man no es un personaje que (me) llame mucho la atención. Pero Warren Ellis enfoca Extremis con nuevas perspectivas y crea por fin algo más interesante de lo habitual, aunque tenga que cortar con la continuidad de 60 años de personaje. Para Ellis, Stark es un científico de la carrera armamentística que tuvo negocios con los militares y que fue herido en la primera Guerra del Golfo. No puede evitar aborrecer de ese pasado sangrientamente culpable, ("Siempre tendré las manos llenas de sangre", confiesa), pero se debe a lo que es. En Extremis, Iron Man tiene que enfrentarse a una variedad de suero supersoldadesco que ha llevado a un resentido del gobierno a llevar su venganza a las calles de EEUU. Es una visión muy moderna, y muy en la línea del Warren Ellis de Stormwatch o del resto de sus obras que mezclan política con superhéroes, en la que la línea entre buenos y malos no está tan clara como parecía.

· Skyhawk. Jiro Taniguchi. Ponent Mon, 2010. Taniguchi nos ofrece en esta ocasión un western en toda regla, pero con sus condiciones: está protagonizado por dos japoneses, dos descastados que llegan desde Japón al Oeste tras perder en una guerra civil en su país. Su valor y su braveza les hacen ser merecedores pronto de un lugar entre los Sioux Oglagla durante los difíciles años en los que se está construyendo el tren transcontinental y se ha encargado al general Custer que acabe con los molestos indios. Estos por su parte, ven como cada uno de los tratados firmados con el hombre blanco se ha convertido sistemáticamente en papel mojado y que cada vez están más arrinconados y acosados, por lo que decidirán luchar hasta la muerte. Skyhawk no es un western al uso (esto es, los buenos son los vaqueros y los malos son los indios), sino que vemos las dos perspectivas de ese enfrentamiento por la tierra, como en los albums del Teniente Blueberry de Giraud, donde, por cierto, Custer también aparecía retratado como un sanguinario e inmisericorde hombre de guerra (no es casualidad: Taniguchi ha leído a Giraud, e incluso este último firma el prólogo de la obra). El resultado es una obra reivindicativa, violenta (de las más gráficas de Taniguchi) por necesidad, y donde el elemento japonés no chirría sino que se integra sin estridencias en la trama. Taniguchi nunca decepciona.

[En verano aprovechamos para retomar lecturas que no pudimos hacer durante el curso, cómics que no son novedad pero que vale la pena reseñar, o volvemos sobre aquellos que no pudimos comentar con profundidad anteriormente]

Stray Toasters como mindfuck

2011-08-09T11:29:00.001+02:00

Bill Sienkiewicz fue un artista que en los 80 marcó la diferencia apostando por un estilo mucho más personal y expresionista, que no encajaba en la estética establecida de los superhéroes. Y con todo, triunfó en el mainstream con obras como Elektra: Assassin o Daredevil: Amor y guerra (con Frank Miller), o su paso por colecciones como Lobezno, Nuevos Mutantes, etc. En 1988, Epic, el subsello adulto de Marvel, publicó los cuatro números de la serie Stray Toasters, una miniserie en la que Sienkiewicz, aparte de dibujar, se encargaba de los guiones. La obra fue publicada por Comics Forum (el antiguo nombre de Planeta) en 1995 como tomo unitario, y no ha sido hasta este 2011 que he terminado satisfactoriamente su lectura, después de varios intentos. Han pasado más años desde que compré el cómic hasta que lo he leído que no desde que el autor lo terminó y se publicó en España. Je. Me pasó lo mismo con Stardust.

¿Por qué he titulado Stray Toasters como mindfuck a esta entrada? Porque estamos ante una historia verdaderamente rara y compleja. A finales de los años 80, Sienkiewicz seguía adentrándose en el estilo que había caracterizado sus obras más conocidas y que no se parecía en nada a lo que el resto de autores del cómic mainstream estaba haciendo (si hacemos una excepción al Dave McKean del Arkham Asylum, al que siempre le confundo la autoría de esa obra). En Stray Toasters, al ser una creación propia, cerrada y sin nada que ver con los universos de superhéroes, tiene un lienzo en blanco para usar todo tipo de técnicas visuales y narrativas. La historia es (más o menos) sencilla: Egon Rustemagick es un psicólogo, escrito y criminalista que ha estado encerrado en el manicomio, pero al que sacan fuera para que investigue unas muertes en extrañas circunstancias. Su ex, Abigail, una psicóloga que atiende a un ayudante del fiscal del distrito que le condenó, no le perdona su pasado en común y el hecho de que su hijo muriera a los pocos meses. Abby encuentra a un niño por la calle, al que decide acoger, pero que tiene un extraño comportamiento. Y todo ello, mientras un demonio ha salido de vacaciones desde el infierno a la tierra y va enviando postales a su familia... Esto es sólo el hilo que siguen algunos puntos de la trama, porque lo más llamativo de la estructura de la obra es que está narrada a través de siete u ocho personajes, que, a través del stream of consciousness joyceiano, van fluyendo en la narración, alternándose e interactuando entre ellos. Si ya de por sí, un solo flujo de consciencia puede ser caótico, uno puede imaginarse cómo serán dos o tres a la vez. Los textos en caja, pues, (eso sí, señalados por un color diferente por cada narrador) van intercalándose de manera muy profusa, hasta llegar al hartazgo del lector. Los múltiples puntos de vista se alternan cada pocas páginas, así como los cambios de estilo de Sienkiewicz, que pasa del retrato simbolista, al collage con materiales electrónicos, a la caricatura en tinta, las páginas saturadas de texto, las splash-pages...

La obra, como es natural, no tuvo gran éxito entre los lectores, a pesar de que sí pudiera tenerlo entre la crítica. Sin duda, porque el intento de hacer cómic experimental dentro del mainstream era una apuesta arriesgada. Y es que, por lo demás, Stray Toasters es una lectura complicada. Farragosa a veces, con una cantidad de texto en caja -el que comentábamos antes- que llega a saturar al lector, porque, entre otras cosas, la información que recibe es irrelevante y sólo contribuye a aumentar la sensación de caos y locura que el autor insufla a sus personajes. No hablamos ya de la dificultad de interpretación de algunas de las páginas más abstractas en cuanto al dibujo.

En el fondo, tras la peripecia argumental del investigador y los crímenes, se nos habla de temas más profundos. Todos los personajes, que al principio de la obra no parecen tener nada que ver, terminan por estar relacionados entre sí, y el panorama que se entreve al final de la obra no es demasiado halagüeño. Sienkiewicz habla, sobre todo, de la soledad del individuo, y de la desestabilización del núcleo familiar: todos los personajes que conocemos tienen algún tipo de trauma de origen personal: divorcios, madres que abandonan a sus hijos, padres alcohólicos, disfunciones sexuales. Al final de la obra, el único que parece tener un sentido de la familia es, contradictoriamente, el demonio que estaba de vacaciones, que, cual Diablo cojuelo, vuelve al infierno escandalizado por el comportamiento humano. La sensación al terminar de leer la obra es que hemos pasado por una auténtica máquina trituradora, que no hay esperanza posible y que el ser humano es deleznable. Y ojo, no es que el cómic termine especialmente mal. El personaje principal termina finalmente redimido, pero la sensación del lector es agridulce. Y es que ha sido una tarea ciclopea terminar el volumen.

Stray Toasters es una obra difícil de clasificar: se intuye la voluntad del autor de crear algo diferente y de llevar a sus límites el cómic, pero la resolución deja algo que desear (a no ser que esa sensación de caos y de complejidad que llega a aburrir sea la voluntad del autor); quizá por eso no funcionó como se esperaba.

Reseña: Powers ¿Quién mató a Retro Girl?

2011-08-08T07:58:00.020+02:00

(Página aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 153: ¿Quién mató a Retro Girl?

· Powers: ¿Quién mató a Retro Girl? Brian Michael Bendis y Michael Avon Oeming. Panini, 2011. Antes de ser conocido por obras que le encumbraran en el mainstream americano (primero Alias, luego grandes cabeceras como Los Vengadores, algunas cosas más flojas como Spiderwoman), Brian Michael Bendis ya había firmado algunas obras destacadas en la escena independiente, como Jinx o Goldfish, en las que ya se delata el interés del autor por la serie negra. Pero tuvo que ser el dibujante Michael Avon Oeming el que convenciera a Bendis para realizar la serie que nos ocupa hoy, Powers. Y es que el guionista pensaba que en materia de superhéroes, Frank Miller, Alan Moore o Grant Morrison ya habían dicho todo lo que se podía decir en el género. Sin embargo, Oeming planteaba en Powers una curiosa mezcla de género policíaco y superheroico que acabó convenciendo a Bendis de la validez del proyecto. Como si de una serie policíaca se tratara (en inglés, las que llaman procedural, es decir que siguen el avance de los casos pero donde se da mucha importancia a los investigadores y sus circunstancias: desde Canción triste de Hill Street hasta CSI o Bones), somos testigos de la investigación del detective Walker y su compañera Deena Pilgrim para esclarecer el asesinato de una de las superheroínas más conocidas de la ciudad: Retro Girl. En esta primera entrega de la serie, ¿Quién mató a Retro Girl?, sirve a los autores para presentar a los personajes, crear cierta química entre ellos (la nueva compañera de Walker trastocará su sistema de trabajo, e incluso descubrirá cosas importantes sobre su vida privada), a la vez que va introduciendo el la ambientación noir a la serie.

En Powers, el estilo que definiría los cómics de Bendis ya está bien presente. Son de especial relevancia, sobre todo, los magníficos diálogos que es capaz de escribir: afilados, ingeniosos, siempre con una puntilla mordaz. Y también otra técnica marca de la casa: el uso de viñetas repetidas en una misma secuencia. Algo que seguiría haciendo en Alias, Torso, etc. y que a veces puede llegar a ser molesto para el lector. En la parte gráfica, Oeming utiliza un estilo cercano al cartoon, con una influencia muy clara de Paul Dini, pero con una línea algo más tosca.

El volumen se completa con diversas portadas, esbozos de personajes, dibujos descartados y un índice de cameos del volumen. En resumen, una obra que engancha como una buena serie policíaca y una buena historia de superhéroes.

Breves

· 20 años entre pinceles. Sergio Bleda. Dibbuks, 2011. Los seguidores de Sergio Bleda están de enhorabuena. Este dibujante, al que conocimos de muy joven con sus primeras historias como El baile del vampiro, cumple (¡parece mentira!) dos décadas de profesión, y lo celebra con el libro 20 años entre pinceles, que edita para la ocasión Dibbuks y que es una magnífica retrospectiva para disfrutar del sensual trazo de este dibujante. No se lo pueden perder.

· Una de cómics Marvel en la gran pantalla: Chris Hemsworth volverá a ser el dios nórdico del trueno en el cine con Thor 2, sólo tres meses después del regreso de Robert Downey Jr. como Tony Stark en Iron Man 3. Disney ha confirmado que tendremos secuela de Thor, aunque será sin el shakespeariano director Kenneth Branagh (Mucho ruido y pocas nueces, Hamlet), probablemente relegado al papel de productor.

Thor 2. Próximamente.

· 1001 Cómics que leer antes de morir. VVAA. Próximamente. Seguramente conocerán alguno de los libros de la serie "1001": Películas que ver, libros que leer. Faltaba uno dedicado al cómic, y pronto aparecerá en inglés. El libro ha sido coordinado por Paul Gravett y proponen 1001 tebeo de procedencia variada como USA, Canada, Japón, Corea, Noruega, Polonia, Argentina, Brasil, India y las Filipinas. Digo yo que convendría que España también apareciera, ¿no?

Algunas lecturas de verano

2011-08-07T09:06:00.026+02:00

Cada año aprovecho el verano para leer algunos cómics que, inexplicablemente, llevan años en mi biblioteca y aún no he leído.

Uno de los que he leído esta semana ha sido Batman: Luz de gas, una historia alternativa de Batman (esos que DC creaba en la línea Otros Mundos) donde Bruce Wayne es un rico heredero americano de fin de siglo que ha estudiado en Europa junto a grandes figuras como Sigmund Freud. A la vuelta a Gotham, empiezan a repetirse los crímenes no resueltos en Londres de Jack el Destripador, y Batman deberá hacerse cargo de ellos. Batman: Luz de gas es una historia entretenida; a mí, personalmente, me llama poderosamente la atención por su ambiente fi de siecle al que soy adicto, y en el aspecto gráfico, brilla la conjunción de autores: al lápiz, un Mike Mignola pre-Hellboy, que aún no había terminado de encontrar su estilo pero en el que ya reconocemos su gusto por los claroscuros, y a las tintas un discreto P. Craig Russell. El guión corre a cargo de Brian Augustyn, y si bien es entretenido y bien ejecutado, termina siendo bastante obvio. La obra ha sido publicada en España por Zinco y más tarde por Norma, pero ignoro si Planeta también lo ha editado o lo tiene en mente.

Otro de los cómics que he retomado después de, más o menos, once años de haberlo comprado, ha sido El amnios natal (The Birth Caul), cómic de Alan Moore y Eddie Campbell (responsables también de From Hell) que se basa en una performance que dio Moore. Hay que tener en cuenta, por tanto, la naturaleza original del texto: se trata, más que nada, de una divagación poética en la que la tela amniótica que recubre la cabeza con la que algunos niños vienen al mundo es el centro de una reflexión sobre la vida y la muerte, el sentido de la existencia, los recuerdos de la juventud... Se trata de un cómic en el que Campbell ha tenido que hacer un esfuerzo extra para poner en imágenes las abigarradas metáforas de Moore, el discurso inconexo, el agolpamiento de símbolos e imágenes que se van acumulando a lo largo de las páginas. No es una obra fácil, necesita de un lector que ponga todos los sentidos, e incluso diversas lecturas nos harán disfrutar de su valor. Porque, como determinada poesía, es una obra que a veces puede parecer complicada (un poco sí lo es) e incluso deslavazada, pero en realidad está muy bien tejida y Moore conduce al lector, aunque a distancia, por los caminos que él quiere. No es el Alan Moore memorable de sus grandes trabajos en el mainstream, sino un Moore más personal, más en contacto con sus intereses actuales, un Moore que gustará a quien admire a este hombre independientemente de sus obras más conocidas.

Finalmente, he cogido el Dr. Slump volumen 8, como ya he indicado muchas veces, mi obra favorita de Akira Toriyama. En este tomo, destacamos como hitos argumentales el paso de la cuadrilla de Arale de la escuela primaria a la superior, la llegada de los Tsun desde China en su tetera voladora, y el arco largo argumental de las olimpiadas escolares en la Villa del Pingüino. Humor de primera marca Toriyama, lleno de absurdos, de algunos momentos picantes (dentro de la inocencia del autor, claro)... Toriyama sigue en sus mejores años, cuando su trazo sigue siendo amable y curvilíneo, y no tiene la dureza que iría adquiriendo a medida que se adentrara en los 90 y su Dragon Ball... Esta edición Ultimate que publica Planeta incluye las páginas que originalmente estaban en color, además de una sobrecubierta que Toriyama ha realizado para la ocasión en la edición japonesa. Repito: no hay que perderse Dr. Slump.

[En verano aprovechamos para retomar lecturas que no pudimos hacer durante el curso, cómics que no son novedad pero que vale la pena reseñar, o volvemos sobre aquellos que no pudimos comentar con profundidad anteriormente]

Groenlandia-Manhattan, de Chloé Cruchaudet (Norma)

2011-08-06T09:54:00.002+02:00

[Atención, esta reseña puede contener spoilers]

En 1897, el explorador británico Robert Peary realizó una expedición al Polo Norte, en la cual se trajo de regreso a la civilización a una familia de esquimales. Tratados como su fueran una atracción de feria a veces, o materia de estudio otras, la mayoría de los miembros terminaron por morir de enfermedad, excepto el pequeño Minik, que sobrevivió y fue acogido por una familia británica.
Groenlandia-Manhattan es el relato de esta historia basada en hechos reales, una historia que habla fundamentalmente de la búsqueda de la identidad y de la pérdida de raíces, de las consecuencias brutales del colonialismo europeo. Minik se convierte en un ser desarraigado, puesto que es arrancando de su hábitat habitual y, al morir su familia natural, adquiere los modos y formas de la cultura europea. Pero nunca deja de buscar sus orígenes e intenta volver a su hogar. Cuando lo hace, muchos años después, se siente un extraño en su tierra: sus parientes y conocidos han muerto, y los que quedan no creen sus relatos en el mundo "civilizado". Finalmente, Minik termina por volver a Inglaterra a buscarse la vida como pueda. Una historia dramática y bella, muy bien ilustrada por Chloé Cruchaudet.

El sindrome Hundlebert (VVAA, Ultrarradio)

2011-08-05T08:21:00.021+02:00

Aplaudo la iniciativa de Hundlebert Syndrome, editado por Ultrarradio: historias breves con un nexo en común, el de una familia que, a lo largo de su historia, ha sufrido en sus miembros una extraña enfermedad que les convierte en pájaros tras una situación traumática. Aunque no pueda aplaudir tanto el trabajo de la multitud de autores que ha colaborado en el volumen. Algunos de ellos más conocidos (Max, Albert Monteys, Carla Berrocal), y otros menos; algunos con buenas historias, otros con páginas que parecen hechas para salir del apuro o autores de dudosa calidad. Pero es lo que ocurre con un trabajo grupal como éste, y no debería restar brillantez al conjunto. La idea en que se basa la obra es feliz, y muchos de los autores siguen bien las convenciones dadas para el trabajo (que los miembros de la familia tengan un nombre que empiece por E., usar un cuadro de una isla desierta como leitmotiv...), incluso algún autor plantea referencias a otras páginas de las obras, indicación de que estamos ante un todo coherente. Ultrarradio edita esta interesante obra que puede ser un buen indicador de los autores que van desarrollando poco a poco su trabajo en nuestro país. Los que viváis en Palma podéis haceros con vuestra copia en Gotham Cómics y en Wakanda Comics.

Unspeakable Vault (of Doom)

2011-08-04T09:59:00.000+02:00

Uno de los mejores webcómics que existen es de temática lovecraftiana. Y no me refiero a El joven Lovecraft, sino a Unspeakable Vault (of Doom), una tira creada por el francés François Launet, que firma como Goomi, y que desde 2003 ha estado online a disposición de los lectores, siendo no sólo de las mejores tiras en internet sino también de las primeras.

Goomi traslada con gran ingenio todo ese horror de criaturas innombrables, cultos ancestrales, dioses primigenios, etc. a las tiras cómicas. Se nota que es un autor que conoció los horrores de Lovecraft a través de los juegos de rol, porque muchas de las situaciones humorísticas tienen relación con los grupos de investigación de los Mitos o situaciones que tienen que ver con esos juegos que cada vez parecen más de capa caída.

Por las páginas de UVoD desfilan el Gran Cthulhoo, Nyarly, los shoggies, los perros de Tindaloo, Shubby, Yogzotot o Dagoon, avatares de los dioses ancestrales del panteón lovecraftiano. Se trata de un cómic que, evidentemente, para disfrutarlo de forma apropiada, necesita de algunos conocimientos sobre la literatura de H.P. Lovecraft. Sin él, seguramente se puede disfrutar, pero no será lo mismo sin duda.

Como autor de El joven Lovecraft, he de decir que el descubrimiento de esta tira en internet fue sumamente inspirador para mi trabajo. Me he reído mucho con las tiras de Goomi, con sus cultistas fracasados, con las bandas de death metal que invocan por error a Cthulhoo, con los yum yum del gran dios de R'lyeh.

Hasta el día de hoy, la obra de Launet había sido publicada en inglés. La versión en papel fue publicada en diferentes tomos por Pegasus Press. En español, tenemos una versión traducida por Andrés Palomino (autor de Las Crónicas PSN) desde 2007, y la coincidencia (o la conjunción planetaria) ha hecho que, esta semana, mientras yo releía los tomos de UVoD, la editorial Diábolo Ed. ha anunciado que publicará la obra en papel, en una edición a cargo de su traductor original Andrés Palomino. Se titulará La cripta (del horror) innombrable y pronto la veremos publicada en España. Os la recomiendo.

Capitán América: Servir y proteger

2011-08-03T09:39:00.001+02:00

A finales de los años 90, el título del Capitán América pasaba por horas bajas tras una época mediocre guionizada por Mark Gruenwald, hasta que, poco antes del reseteo que significó Heroes Reborn en Marvel (cuando el Capitán América pasó a las infames manos de Rob Liefield), tomó las riendas de la colección Mark Waid, un autor que supo insuflar nueva vida al título, y que estuvo acompañado a los lápices del fantástico Ron Garney, una etapa que Panini recopiló en dos tomos titulados Operación Renacimiento. Una vez pasado el hiato Liefield, el título se reinició y la tarea volvió a recaer en el susodicho tándem. Ese primer año es el que se recopila en Servir y proteger, la continuación del primer año truncado de Waid al frente del Capitán América. En la obra, Steve Rogers debe enfrentarse a varios enemigos, como el Superskrull o Pesadilla, enemigos que permiten a Waid plantear temas como la globalización mundial (por parte de los valores norteamericanos) y sus efectos colaterales, o la definición de sueño americano -ideal por el que lucha el Capitán América-, la credibilidad de los políticos y la fanatización de las masas. Se trata de una visión más humana y realista que la de los 60, cuando Steve Rogers actúa como un simple icono que ha memorizado sus consignas, pero con todo se aprecia cierto apego a los valores tradicionales norteamericanos, sin llegar -eso sí- a extremos ridículos. Podríamos decir que este Steve Rogers es el último en que brillará la estrella del sueño americano antes del ocaso de éste con el advenimiento del 11-S, y la posterior Civil War de Marvel, y la simbólica muerte del Capitán América.

En el aspecto visual, hemos de destacar el trabajo de Ron Garney y de su entintador Bob Wiacek, cuyo trabajo junto a John Romita Jr. ha dejado en su trazo una huella más que reconocible. A mitad de tomo se nos presenta el sustituo de Garney, un Andy Kubert en horas altas que también trabajó con Wais en la serie regular de Ka-Zar. En resumen, una magnífica etapa que leer de este héroe, aunque no se simpatice mucho con él.

Capitán América: La leyenda viviente

2011-08-02T09:17:00.003+02:00

El Capitán América se ha convertido con el tiempo en un icono, un símbolo de la americanidad y del estilo de vida estadounidense. Vinculado su origen a los años 40, con claras intenciones patrióticas, ha llegado intacto hasta nuestros días en la continuidad del universo Marvel. Hace relativamente poco, fue objeto de polémica por su muerte en la saga Civil War -una muerte que, como siempre en el mundo Marvel, tiene que tomarse con reservas-, una muerte con una clara lectura ideológica post 11-S.

Pero antes de todo ello, allá por los años 60, el personaje su segunda época de oro, cuando fue rescatado y lanzado en paralelo junto a todos aquellos personajes que habían creado Stan Lee y Jack Kirby y que empezaban a fundar la Era Marvel de los cómics: Los 4F, Hulk, los Vengadores, Spiderman... Stan Lee, el cerebro de esa fiebre superheroica, había rescatado de los años 40 dos personajes con éxito: la Antorcha Humana y Namor, y se atrevió con un tercero, con el beneplácito de los lectores: el Centinela de la Libertad, el Capitán América. Sus historias, además de aparecer en Los Vengadores, se publicaron en Tales of Suspense, donde aparecía junto a Iron Man, hasta que en el número 100, la colección pasó a ser Capitán América. El personaje había ido creciendo y tomando matices gracias a los guiones de Stan Lee, donde vemos a un héroe diferente, sin poderes especiales, sintiéndose desplazado de su época, y cuyo recuerdo de la IIGM, fundamentalmente de la muerte de su compañero Buckey, le atormenta. El personaje, pues, fue adquiriendo una humanidad que le convertía en un personaje más redondo. En el apartado gráfico, un Jack Kirby en el mejor momento de su carrera se encargó de fijar el aspecto visual del Capitán América con su dibujo potente, elegante y dinámico. Junto a él, terminan de redondear el aspecto visual dos de los entintadores que mejor entendieron los bocetos de Kirby: Chic Stone y Joe Sinnott.

Ideológicamente habría mucha tela que cortar en esta obra: el maniqueísmo de los personajes es memorable ("¡Dejad paso!"-dice uno de los villanos- "¡Soy un nazi, soy superior!"), y la exaltación de los sentimientos patrióticos está a la orden del día. Los personajes están aún lejos del viraje que sufrirían en los años 80, cuando todo ese candor se perdería. Pero lo ideal es olvidar este tipo de cuestiones -o al menos no prestarles mucha atención-, para sumergirse en la aventura desenfrenada que supone tan tamaño volumen: historias trepidantes, con buenos cliffhangers, llenas de fantásticas amenazas y peligros para el Centinela de la Libertad. Panini edita esta etapa del Capitán América: La leyenda viviente (principalmente del año 1964 a 1968) en un colosal volumen de 568 páginas en tapa dura con interesantes artículos complementarios de Raimon Fonseca.

Un cómic al día: Un zoo en invierno, de Jiro Taniguchi

2011-07-18T18:19:00.001+02:00

El interés por la obra de Taniguchi no ha dejado de crecer desde que se publicaron sus primeras obras, la primera de ellas, Hotel Harbour View (editada por Forum), aún cuando no era muy conocido, y más adelante (con El almanaque de mi padre o Barrio lejano), con las obras que lo llevarían al gran público. Desde entonces, su obra ha sido regularmente editada en España. En 2008, Ponent Mon editó Un zoo en invierno, una obra en la que Taniguchi narra la vida de un joven aprendiz de mangaka llamado Hamaguchi. Los rasgos autobiográficos son claros en esta obra, y le sirven al autor para acercarnos al mundo de los cómics en Japón y cómo se trabaja allí: quizá a más de uno le sorprenda saber que los autores no trabajan en solitario, sino que lo más común es que dispongan de un estudio donde unos ayudantes (cuyo coste debe sufragar él mismo) les realizan trabajos como el entintado, los fondos o la rotulación. Taniguchi pone hincapié en el sacrificio de la vida del mangaka, en las noches insomnes cercanas a la hora de entrega, el ritmo endiablado para poder cumplir con los editores... Y en la fuerza del trabajo en grupo, algo muy japonés, aunque no sea en rigor un reparto de trabajo justo. Pero el retrato de la profesión, amable por lo demás, no es el aspecto central de la obra; ese lugar se lo lo otorga el autor, o al menos al menos de forma compartida, a la maduración afectiva del protagonista, que llega a Tokio como un joven soñador y despistado, e inicia una relación muy espiritual con una muchacha bastante enferma. El reconocimiento de sus sentimientos, así como la superación de las trabas que se ponen a su relación serán el punto álgido de esta obra, que emocionarán al lector como anteriormente lo hicieran obras como El olmo del Cáucaso o El caminante.

Técnicamente, Taniguchi sigue en su línea, aunque en algunas viñetas se le nota más titubeante, quizá por ser una obra más temprana (¿o por culpa de sus ayudantes?). Quizá la única pega que puede ponerse a esta obra es su excesiva longitud; los capítulos se hacen algo largos para la sobriedad de su narrativa y del argumento. Pero en general nos encontramos ante una obra que gustará al lector.

Conan - la leyenda: El dios del cuenco (Busiek y Nord)

2011-07-11T08:46:00.014+02:00

El dios del cuenco es el segundo volumen recopilatorio de la colección Conan - la leyenda, que firman los autores Kurt Busiek a los guiones y Cary Nord a los lápices, y en la que se intenta dar un enfoque más fiel a los relatos originales de Robert E. Howard. Como ya indicamos en la reseña del primer tomo, la serie destaca por su calidad general y por la vuelta a un sentido de la épica que Busiek ha sabido imprimirle, él, que como buen autor nostálgico, está especializado en ese sentido de la fascinación por la aventura clásica. En este tomo, editado por Planeta, el principal relato adaptado de Howard es el que da título al volumen, El dios del cuenco, una historia que se aparta un poco de la dinámica tradicional de las historias de Conan y tiene ciertos matices que la acercan al relato policíaco o de detectives. También destaca en volumen por introducir un personaje nuevo, que no pertenece a los relatos originales, sino que es invención de Busiek: Janissa la enviudadora, un personaje algo estereotipado por el que el guionista fue al parecer bastante criticado, y con razón. El personaje no aporta nada de interés y parece tan sólo rellenar la cuota de féminas que un relato de espada y brujería parece que ha de tener. En todo caso, un nuevo volumen recomendable y que incluye, como material complementario, unos bocetos de Cary Nord con un buen artículo sobre Howard y las circunstancias de la creación literaria de su personaje más conocido.

Un cómic al día: Ejemplo perfecto, de John Porcellino

2011-07-10T18:42:00.000+02:00

Vamos al lío: parafraseando el título de este cómic, Ejemplo perfecto es el ejemplo perfecto de cómo no hacer cómic autobiográfico. El problema no es su estilo naïf, sencillo hasta casi lo inverosímil, con un dibujo que parece imitar el trazo infantil. Tampoco lo es las engañadoras palabras que nos prometen los autores que opinan sobre Porcellino en la contraportada (deberíamos poder confiar en el criterio de Chris Ware o Chester Brown -bueno, este último es también otro pieza...). El problema es que todos tenemos una vida. Y tener una vida no es lo único que se necesita para poder hacer un cómic autobiográfico. También tiene que ser mínimamente interesante. Y si no lo es, al menos uno debería tener alguna pericia narrativa para hacer de la anécdota algo entretenido. No es el caso de este volumen: Porcellino nos ofrece breves episodios de su propia vida que debieron significar algo para él, pero para el lector son una serie de hechos inconsistentes y aburridos. El cómic queda así reservado exclusivamente a ser el vehículo de un ego necesitado de atención, como lo prueban las tres últimas páginas de texto del cómic, encabezadas por el epígrafre "Biografía e información relevante". No, John Porcellino. Listar todos los colegios a los que asististe, las multas que te han puesto, las bandas que escuchabas cuando estudiabas, si experimentaste con alucinógenos... no es relevante para el lector. Es mirarse al ombligo.

Otros autores han conseguido convertir su vida en material interesante para contar historias. Lamentablemente no es el caso de Porcellino, a mi entender. Ponent Mon tiene actualmente este cómic como saldo, si alguien quiere leerlo a pesar de todo, al menos le saldrá bien de precio.

Reseñas: El azul es un color cálido, de Julie Maroh (Dibbuks)

2011-07-10T13:36:00.001+02:00

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TdV 152: El azul es cálido

· El azul es un color cálido. Julie Maroh. Dibbuks, 2011. ¿Quién de nosotros puede decir que permaneció incólume ante el incendio del primer enamoramiento? Nadie. El descubrimiento del amor es algo que marca de por vida a cada persona, y, con todo, una experiencia sumamente subjetiva e íntima. Apenas puede ser transmitida con la intensidad con la que la vivimos. ¿Seguro que no? En El azul es un color cálido, Julie Maroh se acerca mucho a la idea, al menos. En El azul... la autora nos cuenta la historia de Clementine, que se ve alterada el día en que conoce a Emma, una chica de cabellos azules que le hace descubrir el deseo. Maroh empieza la historia por el final, cuando Emma puede leer el diario íntimo de su pareja sentimental. Entonces empieza la retrospectiva de una relación que las marca a ambas, sobre todo a Clementine. El descubrimiento del sexo y, sobre todo, de la homosexualidad, contado con tranquilidad, sin prisas, es verosímil y cercano. Clementine tiene que hacer frente, no sólo a sus padres, que se oponen a su relación, sino a aceptar su propia condición tras el mar de dudas que le acecha. El azul es un color cálido es, ante todo, una historia de amor, de sentimientos contenidos y desatados, una historia cercana. La autora sabe jugar muy bien con la importancia de los colores y el azul termina convirtiéndose en un leitmotiv para la obra. El color está aplicado a secuencias muy determinadas, mientras que lo que prima para la historia contada desde el pasado es el blanco y negro con destacados de azul. Al final de la obra, entendemos por qué este color es cálido para la protagonista.

Quienquiera que se haya enamorado se reconocerá entre las páginas de la obra. Las dudas, las indecisiones. La pasión. Las decepciones. Las locuras, los enfados, las reconciliaciones. El placer y el dolor. Y, sobre todo, el paso del tiempo, que borra algunas de nuestras huellas pero conserva otras para siempre. Todas esas sensaciones que viven los enamorados las encontramos aquí representadas. Una obra tan intimista como ésta es difícil de ser criticada de forma objetiva. Más bien nos encontramos ante un cómic bien narrado, poderosamente emocionante, que con toda probabilidad gustará al lector. No es casualidad que en Francia ganara varios premios, entre los que está el Premio del Público en el festival de Angouléme de este año. Para una reseña de confianza, podéis leer la de Paranoic Karma.

Breves

· Los fabulosos Freak Brothers. Gilbert Shelton. La Cúpula, 2011. Los Freak Brothers son una de las creaciones más conocidas de Gilbert Shelton, gurú del cómic underground. Tuvieron su cima de éxito en los años 70, pero siguen siendo recordados como personajes que marcaron una época. La Cúpula ahora, con buen tino, recopila en tomos la obra integral de Shelton, y en este tomo aparecen estos hermanos liberales, fumadores y antisistema. Un tomo lisérgicamente recomendado.

· El último cátaro: La sangre de los herejes. Arnaud Delalande y Eric Lambert. 12Bis, 2011. La sangre de los herejes es la segunda de las tres partes de la serie gala de aventuras históricas El último cátaro y que trata sobre la corriente religiosa herética del siglo X. Guionizada por Arnaud Delalande y dibujada por Éric Lambert, en este segundo, con una trama ya planteada, la protagonista es la acción y las batallas. Destaca el espectacular y épico dibujo de Lambert. Se avecina un desenlace apasionante.

· Frank Miller vuelve a la carga. El conocido autor, responsable de Sin City o 300, anuncia hora que en septiembre, cuando se cumplan los diez años del atentado de las Torres Gemelas, se publicará Holy Terror, una historia que lleva en marcha desde 2006. Ya no será una historia sobre Batman contra Al Qaeda, sino que presentará a un nuevo superhéroe, The Fixer, que se enfrentará a los integristas religiosos. Sin duda, será un cómic que levantará polémica. Holy Terror. Frank Miller. Próximamente.

Destacados de las novedades de Planeta de julio

2011-07-06T00:04:00.000+02:00

De las novedades de Planeta que acaban de llegar a las librerías, queremos destacar las siguientes:

Si uno se perdió las diferentes ediciones anteriores de Hellblazer, aún está tiempo de desfacer el entuerto apuntándose a los tomos que Planeta edita por guionistas. Jamie Delano fue el primero de la serie, y ahora se edita este tercer tomo dedicado a su paso por la serie. Este tomo también incluye el reconocido capítulo "Abrázame" escrito por Neil Gaiman.

Continúa la publicación de la edición "Omnibus" de Starman, la gran serie de James Robinson que en su momento vivió eclipsada por el éxito mayoritario de otros títulos como Sandman. Realmente, una lección de cómo hacer cómics de superhéroes.

Londres, 1897. En los muelles se está produciendo una serie de accidentes mortales. Un ex policía de Scotland Yard intenta infiltrarse en una obra de perforación que da empleo a las víctimas de esos asesinatos, trabajadores sin papeles en regla. Así descubre la existencia de una guerra secreta entre una poderosa organización, la Golden Shell, y un grupo de mercenarios equipados con unos robots gigantes: los Clockwerx. ¿Qué hay tras este combate? Clockwerx es un álbum de temática steampunk al que bien se le puede dar una oportunidad.

Y finalmente, un clásico imperecedero: el quinto volumen de la edición integral de Garfield, que ya llega a 1988, con un Jim Davis cada vez más suelto y genial.
Tenéis el resto de las novedades que Planeta edita este mes aquí.

Destacados de las novedades de Glénat de julio

2011-07-05T13:20:00.000+02:00

Parece que aunque estemos en pleno verano Glénat apuesta fuerte este mes por sus cómics. Hay para todos los gustos: si sois fans de los zombies, os interesará ver la adaptación-precuela de The Night of the Living Dead. Y si sois más de vampiros que de muertos vivientes, Glénat publica la adaptación al cómic de la novela de George R.R. Martin (ya sabéis, el autor de Juego de Tronos) Sueño del Fevre, ambientada en el Sur de los Estados Unidos. Pero si vuestra economía no os permite refocilaros en las novedades, si tenéis que elegir, yo me quedaría con estas dos obras: La última obra de Georges Bess, El vampiro de Benarés, y la recopilación del maravilloso trabajo de Esteban Maroto 5 por infinito, toda una joya para los sentidos que no debéis perderos.

Tenéis el resto de novedades aquí.

Destacados de las novedades de Panini de julio

2011-07-04T13:05:00.004+02:00

De las novedades que anuncia Panini para este mes de julio, queremos destacar tres obras que, aunque fueran publicados anteriormente por Planeta, vale la pena adquirir en formato tomo para atesorar:

La segunda entrega de Powers: Juego de rol nos devuelve al detective y ex superhéroe Walker y a su ayudante en un nuevo caso en el que unos chicos que juegan a ser superhéroes son asesinados. Guioniza el aclamado Brian Michael Bendis (Alias, Los Vengadores, The Pulse, Spiderwoman, etc.) con maestría en esta historia que mezcla supertipos con género negro.

Dos reediciones más: por una parte la máxiserie Los Inhumanos, que se editó en grapa (12 números) y que es una buena relectura de estos seres míticos escrita por Paul Jenkins y el gran Jae Lee (Hellshock, Daredevil, etc.); y por otra parte, el Capitán América de la época Heroes Return, por Mark Waid a los guiones y Ron Garney y Andy Kubert a los lápices: una de las mejores épocas del Capitán América de los últimos 20 años (y dicho por alguien a quien el Capitán América no le parece un personaje especialmente interesante).

El resto de novedades de Panini para este mes lo podéis ver aquí.

Reseñas: Gauguin (Glénat) y The Beats (451 Editores)

2011-07-03T17:46:00.015+02:00

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TdV 151: El futuro del arte

· Gauguin. Li-An y Laurence Croix. Glénat, 2011. En 1891, Gauguin, rodeado de la plana mayor del arte parisino, celebra su partida a Tahití, donde espera encontrar a través del exotismo del lugar "la clave otro arte". Y lo cierto es que volverá de ese fascinante lugar con unos cuadros cuyo colorido jamás se habían visto igual. ¿Qué le ocurrió a Gauguin en Tahití, qué aventuras vivió, y qué agrió su carácter al final de su vida? Para la ocasión, Li-An, artista a quien el tema de Tahití toca de cerca y que ya había usado en Fantasmas blancos, aborda la vida de Gauguin en lo que sería una posible biografía del conocido pintor. Como él mismo comenta, el argumento es una mezcla de investigación biográfica y de ficción personal. La fascinación por el nuevo entorno, la belleza de las jóvenes indígenas, el afán de la pureza primitiva, simbolizada en la tenaz búsqueda por parte del pintor de los tikis (estatuas rituales) es la fuerza motora del álbum, que nos fuerza a ver con otros ojos (ojos de artista) lo que los europeos veían como el último rincón del mundo, apartado de la civilización. Para ello, junto con el dibujo de Li-An, la obra tiene como punto fuerte el color de Laurence Croix, que realiza un buen trabajo y se adapta bien al tema del álbum. Gauguin es, pues, un interesante álbum en general, que gustará a los amantes de la pintura.

· The Beats. Harvey Pekar y Ed Piskor. 451 Editores, 2011. Una de las generaciones más importantes para la literatura moderna norteamericana fue la llamanda beat generation, que surgió en torno a los años 50 y que puso en la palestra a autores heterodoxos como Jack Kerouac, William Burroughs o Allen Ginsberg. Su manera de entender la literatura como algo puramente visceral, fruto de una experiencia vital traumática, lograría entrar dentro del canon y revolucionar las letras de su país. Esta influencia llegaría a cuajar también en el cómic, a través de los autores underground como Robert Crumb o Harvey Pekar, que demostrarían que el cómic podía acercarse a la literatura y hablar de inquietudes personales, convertirse en autobiográfico, en suma, retratar el mundo real. No es casual luego que el guionista de The Beats, el tomo que edita 451 Editores, sea precisamente Harvey Pekar (AmericanSplendor), él es el encargado de hacer un biopic sobre los principales autores del movimiento beat. Para ello, opta por una puesta en escena muy sobria, con numerosos textos de apoyo. Estamos ante un documental en cómic que intenta cubrir las agitadas vidas de Kerouac, Burroughs, Ginsberg y otros autores menores, sin huir de los hechos escabrosos, pintando un acertado retrato, muy humano, de tales escritores. Quizá el resultado resulte un poco acartonado y poco ágil, pero el contenido, al menos para el interesado en la materia, es atractivo.

Breves

· El brujo. Carla Berrocal. De Ponent, 2011. El brujo es una historia basada en las historias orales tradicionales de Chiloé, un archipiélago al sur de Chile. A partir de esta premisa anclada en lo folclórico, Carla Berrocal (Hide, Cuatroccento) nos seduce con su espectacular despliegue al dibujo en un álbum increíblemente bello: los lápices, las aguadas, los collages, los colores expresionistas... Todo contribuye a que El brujo sea una experiencia para los sentidos.

· Flujo. Dave Cooper. La Cúpula, 2011. Dave Cooper es un conocido autor underground que ha recibido ya premios como el Harvey o el Ignatz. Además de hacer cómics, también es conocido por sus cuadros. En Flujo cierra una trilogía junto a las anteriores obras Succión y Escombros. Flujo es una historia que nos habla de las obsesiones personales a través de un dibujante y su enfermiza fijación por una modelo obesa. Personajes marginales, filias inconfesables y un ensayo sobre la carnalidad es lo que nos ofrece este cómic.

· Por el imperio: La fortuna. Bastien Vives y Merwan. Diábolo, 2011. La trilogía Por el imperio del prolífico joven Bastien Vives (Elgusto del cloro) llega a su fin con la tercera entrega, La fortuna. Este peplum en formato álbum europeo lleva a los protagonistas, una legión ¿romana? a explorar territorios desconocidos para mayor gloria del emperador. Civilizaciones perdidas, bibliotecas misteriosas, y un final desconcertante son los ingredientes de la última entrega de este cómic de aventuras que tanto éxito ha tenido.

Stardust... 14 años después

2011-07-02T12:43:00.000+02:00

Neil Gaiman, el escritor de Neverwhere, Coraline, American Gods, El libro del cementerio, etc. y guionista de The Sandman, escribió Stardust entre 1991 y 1998. Ha tenido que pasar el doble, 14 años, para que finalmente me animase a leer su novela corta ilustrada hasta el final. Y es que hay algo en las obras cortas que me hace tener poca paciencia con ellas: prefiero embarcarme en la lectura de un mamotreto de 600 páginas antes que leer las escasas 125-150 que deben ser en total Stardust. Norma publicó, en su momento, esta historia en cuatro cuadernillos, como solía hacer con todo el material de Vértigo que publicaba en su momento (a unos precios escandalosos para la época, hay que recordarlo).
Stardust es, como dice su propio autor, una cuento de hadas para adultos. Bien escrito -en el estilo habitual de Gaiman, una prosa elegante y reposada, deudora de los cuentos tradicionales que tanto le gustan- y con todos los elementos clásicos que un cuento fantástico ha de tener. No hay nada de espectacular o de innovador en Stardust: si una cosa domina Gaiman es el arte de la imitatio, es decir, el de ajustarse a unos cánones clásicos para contar una historia prototípica con sus propios elementos combinatorios. La historia avanza poco a poco debido a la manía descriptiva del narrador (que por otra parte se adapta a los cánones establecidos), así que la trama necesita un tiempo para desarrollarse y enganchar al lector. Pero, finalmente, la historia encuentra la fuerza suficiente para tirar adelante y enganchar: sobre todo por los personajes, que consiguen, dentro de la vacuidad de los estereotipos, convertirse en personajes redondos. El final de la historia está a la altura del relato y del autor, un autor que conoce los mecanismos del relato mítico a la perfección.
De Charles Vess diremos que también está a la altura del trabajo, y que, sin ser especialmente santo de mi devoción (siempre he pensado que hay algunas perspectivas o proporciones que no sabe dibujar, y que todas las caras que hace se parecen a la de alguna vieja inglesa), destaca por su trabajo etéreo, feérico (nunca mejor dicho), y muy prerrafaelita, con el uso de lápices suaves y tonalidades vivas pero apagadas.
En resumen, Gaiman ofrece lo que promete: el resultado es correcto, pero debo de ser yo como lector, que siempre le exigiría un poco más a Neil de lo que me da.

Reseñas: Mi hermano nocturno y Los hijos del deseo

2011-06-20T18:55:00.018+02:00

Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar.

TdV 150: Hermanos e hijos

· Mi hermano nocturno. Joanna Hellgren. Gallo Nero, 2011. Dentro de un mes, Jakob cumplirá diez años. Vive solo con su madre, que a menudo le habla del otro Jakob, su hermano, muerto el día en que iba a cumplir diez años. Para ella es evidente que su segundo hijo, nacido nueve meses después del accidente, es la reencarnación del primero. Jakob teme que la historia se repita y él también muera el día de su décimo cumpleaños. En clase de piano, encuentra a Miranda, una chica de su edad, cuya amistad le dará el coraje para asumir su destino. Gallo Nero publica esta obra, Mi hermano nocturno, a medio camino entre la novela gráfica y el libro ilustrado, que estuvo en la selección oficial del Salón Internacional de Angouléme de 2009. Una obra a veces inquietante, a veces tierna, y ciertamente reflexiva. Mi hermano nocturno habla sobre la idea del "otro", de una forma parecida a como lo hacía Umberto Eco en La isla del día de antes, pero desde la perspectiva de un niño. En la obra, la autora reflexiona sobre la pérdida de un ser amada y de su restitución, y de la misma noción de identidad. Jakob es un niño perdido: su madre apenas le considera un reflejo de la pérdida que sufrió; su padre, es un ser ajeno desvinculado de él. La única conexión que encuentra con el mundo la logra a través de la música: se convierte en su espacio de libertad, a pesar de que en ella también encuentre ecos de su hermano fallecido. La historia que nos propone la autora se complementa con su trazo personal y quebrado, deslavazado entre el texto. A veces más naïf, a veces más expresionista, la unión entre texto e imagen crean una obra de buena combinación.

· Los hijos del deseo. Gabrielle Piquet. Sins Entido, 2011. Tras de la II Guerra Mundial, las bases militares estadounidenses se extienden por toda Europa. Francia no es la excepción, y en la pequeña localidad de Laon el ejército se instala en Francia durante aproximadamente veinte años. Cuando las tropas norteamericanas abandonan el país dejan atrás grandes desequilibrios en la economía francesa que causarán un enorme trastorno en la comunidad. Los hijos del deseo se centra en Basile, hijo de un desconocido soldado estadounidense, y Juliette, una joven francesa. Basile nunca conoce a su padre, un hecho que le marcará profundamente generándole grandes preguntas sobre su origen así como una pasión por los EEUU que se sublimará en los cuadros que pinta. Gabrielle Piquet, fiel a su estilo que ya pudimos ver en Tres veces uno, aprovecha su estilo suelto y fluido, sin viñetas, para contar una historia basado en una situación real que habla sobre el choque de culturas y los problemas de identidad, los secretos familiares, las relaciones materno-filiales, con una resolución, además, que sorprende al espectador.

Breves

· Ciudadano Rex. Mario y Beto Hernández. La Cúpula, 2011. El futuro: mientras un puñado de activistas pugna porque sean reconocidos los derechos de las máquinas de compañía, el robot Ciudadano Rex ha sido revivido y recorre las calles sembrando el pánico y huyendo de los Cosechadores de Verdad, empeñados en conocer el cómo y el porqué de su resurrección. Mario y Beto Hernández (Love and Rockets) cambian de género y nos entregan un cómic de cienciaficción en su más puro estilo personal.

· Ranko Kameran. Gonzalo Torné y Sergio Sandoval. Mondadori, 2011. En Ranko Kameran, Gonzalo Torné y Sergio Sandoval nos ofrecen una historia de género negro ambientado en un entorno futurista. En ella, un "juez de paz", una especie de sicario a manos del gobierno, es enviado a un pueblo remoto para liquidar a un empresario. Pero lo que era un trabajo rutinario se convierte en una historia de violencia y venganza salvaje. Gustará a los fans de la acción y las películas de Tarantino.

· Cthulhu 8. Varios autores. Diábolo, 2011. La revista de cómics Cthulhu llega a su octavo número con un especial con historias de zombis, el terror que está de moda últimamente. En este número tenemos historias de Santi Pérez, Manuel Mota, Carlos Lamani, Beni Lobel, Alex Ogalla, Karles Sellés, Julio Videras, etc. El tomo se completa con un relato de Anna Raven y un artículo sobre revistas de terror de Javier Alcázar. No lo dejen pasar.

Reseñas: Patrulla-X Segunda génesis y Animal Man

2011-06-13T18:54:00.002+02:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 149: Segunda juventud

· Patrulla-X: Segunda génesis. Chris Claremont, Dave Cockrum y John Byrne. Panini, 2011. Volver a la Patrulla-X es volver a nuestra juventud. Su importancia en el mundo de los superhéroes Marvel no sólo estriba en que es uno de sus grupos más carismáticos, que ha sido objeto de numerosas adaptaciones al cine, sino que ha sido una cabecera que dado grandes bandazos editoriales y los ha podido sortear con dignidad. Tras su fundación a mediados de los 60, la colección sufrió una serie de vaivenes hasta que por fin dejó de editarse material nuevo. Pero en 1975, el cambio de rumbo lo dio el guionista Chris Claremont, que llevaría a la Patrulla-X a una nueva edad dorada, con una refundación que, como uno de sus personajes, se inspiraba en el Ave Fénix, que renace de sus cenizas. En Patrulla-X: Segunda génesis, editada ahora por Panini, nos encontramos con una obra en la que los autores dejan claro que su intención es convertir una cabecera vetusta y ya casi exhausta en una nueva y desafiante epopeya. Aventuras que llevaran a los X-Men al espacio, a que conocieran una nueva civilización, la Sh'iar. Aventuras que transformaran el núcleo de la Patrulla, donde sólo resistirían Cíclope y una renovada Jean Grey, que descubriría sus nuevos poderes como Fénix. Aventuras donde se vería que no todos eran imprescindibles (un miembro de la nueva Patrulla-X moría en su primera aventura). Aventuras, en definitiva, que llevarían a otro nivel el título. Segunda génesis es un hito en la historia de los superhéroes con unos autores en la cima de su obra. Imprescindible.

· Animal Man. Grant Morrison, Doug Hazlewood y Tom Grummett. Planeta, 2011. A mediados de los 80, la editora Karen Berger fue la responsable del desembarco en DC de guionistas británicos como Alan Moore (V de Vendetta, La cosa del pantano) o Neil Gaiman (The Sandman). Ellos se habían convertido en sinónimo de calidad y renovación del cómic americano. Otro nombre se añadiría a ellos: Grant Morrison, escribiendo Doom Patrol y Animal Man. En esta última colección, Morrison recogió uno de esos personajes para insuflarle una nueva vida: Animal Man es Buddy Baker, un joven que adquiere poderes animales tras la explosión de una nave alienígena. El mérito de Morrison es doble: por una parte, el personaje permite tocar el tema de los derechos de los animales, algo que apenas se había hecho en cómic antes, y por otra, el autor lleva al límite la narración creando un cómic que habla sobre la propia manera de hacer cómics, en un marco tan inesperado como es el género del superhéroes. Se convierte así, en un metacómic en el que el personaje adquiere conciencia de su condición. A quien haya leído Niebla, de Unamuno, con eso le basta. La publicación de Planeta en un solo tomo de toda la era Morrison permite ahora recuperar esta obra fascinante y demoledora.

Breves

·Último. Stan Lee e Hiroyuki Takei. Panini, 2011. A la vejez, viruelas. Y es que Stan Lee, el genio creador de superhéroes como Spiderman, Hulk o Thor se ha pasado, a sus ochenta y tantos, al manga. Junto a Hiroyuki Takei (Shaman King) ha creado Último, un shonen de aventuras en el que se entremezclan la era de los samuráis, personajes de instituto y unos enigmáticos autómatas que encarnan el bien y el mal. Y por supuesto, acción a raudales.

· Almanaque comestible. Varios autores. Edicions de Ponent, 2011. Como ya hiciera anteriormente con el Almanaque del fin del mundo, De Ponent apuesta por este formato extinguido para traernos historias breves de diversos autores: Txemacantropus, Jorge García, Pablo Auladell (Soy mi sueño), Keko Cifre, Hernández Cava (Las serpientes ciegas), etc. En esta ocasión, el tema gira en torno a aquello que el ser humano necesita para su alimentación tanto física como intelectual. Curioso, heterodoxo y sorprendente.

· Bienvenidos a mi país. Antonia Santolaya. Edicions de Ponent, 2011. Argelia es el objeto de este libro de viajes ilustrado en los que Antonia Santolaya nos lleva con su personal trazo a conocer un país desde sus pueblos, ciudades y desiertos hasta sus gentes. Bievenidos a mi país es una obra que no pretende descubrir Argelia, sino mostrarla tal y como es: en la línea de otras obras que ha publicado De Ponent, como Cuba (Enrique Flores) o Por el camino me entretengo (López Cruces).

Relecturas: Lobezno - El caso de la joya Gehenna (Peter David, Buscema & Sienkewicz)

2011-06-12T16:43:00.003+02:00

A finales de los 80 y principios de los 90 los mutantes de Marvel se habían convertido en personajes tan populares que sus ventas copaban todas las listas mensuales, y la Casa de las Ideas se afanaba por lanzar colecciones que ampliaran el universo mutante, la gallina de los huevos de oro. En 1988 da inicio el vol. 2 de Lobezno (primer volumen publicado en España, concretamente por Cómics Forum, la división de Planeta que entonces se ocupaba de los tebeos Marvel) con un equipo de lujo: Chris Claremont, que había llevado a la Patrulla-X a un segundo renacimiento, y el genial John Buscema, recordado sobre todo por su largo trabajo en las series de Conan.
Lobezno empezó siendo una serie que tenía la intención de ver a un Logan diferente del que habíamos visto hasta el momento. Se trataba de alejarlo de las misiones con otros mutantes, aprovechando que el mundo pensaba que los X-Men habían muerto (en la saga "La caída de los mutantes") y descubrir una faceta más personal del personaje. Situándolo en Madripur (lo que siempre he considerado un nombre que mezclaba Madrid y Singapur), veíamos a otro Logan: uno que se manejaba en los bajos fondos, en asuntos turbios, que bebía y peleaba, y que ocultaba su verdadera personalidad tras el nombre de Parche. Ni siquiera llegábamos a ver a Lobezno en uniforme de la Patrulla-X hasta el número 14 de la colección.
Entre los números 11 al 16, Claremont se tomó un descanso y su sustituto, un Peter David que aún no había alcanzado la gran fama de su etapa en Hulk, llegó para contar El caso de la joya Gehenna (The Gehenna Stone Afair), una historia en seis partes que contaría, además, con los las portadas de Kevin Nowlan (Tomorrow Stories), lápices de John Buscema y la tinta de Bill Sienkiewicz (Voodoo Child, Elektra Assassin, Straytoasters, etc). Un equipazo de lujo sin duda.
En El caso de la joya Gehenna, David plantea una historia de género negro para Lobezno, con todas sus características. Para ello, ya tiene a Logan situado en una ciudad en la que la distinción entre riqueza y pobreza es alarmante, un Logan familiarizado con los bajos fondos y habituado a echar un cable a la policía cuando el asunto le interesa. Así que plantea la historia: un amigo pide ayuda a Logan porque una tía suya amenaza con reclamar la fortuna heredada por su hermana alegando que éste está fuera de sus cabales. Resulta que éste posee parte de una joya que, unida en todos sus dispersos fragmentos, puede devolver sus poderes al hombre-demonio Ba'al. Así que Logan se verá inmerso, junto a sus amigos Archie Corrigan o Jessica Drew (ex Spiderwoman), en una historia que empieza como una novela negra y termina como una épica aventura a lo Indiana Jones (con diversos homenajes explícitos) de implicaciones míticas para el personaje. David se muestra ágil en los guiones, con unos diálogos ingeniosos y cortantes y una acción in crescendo. Buscema está, como siempre, arrollador, y Sienkiewicz no hace más que aumentar la calidad del dibujo de Buscema, afilando los rasgos, proporcionándoles aún más fuerza indómita.
Se trata de una saga poco recordada en general, algo extraña para lo que es un personaje que en principio no tiene nada que ver con las temáticas a las que Peter David le lleva, pero que se revela como una saga, lejos de ser puro relleno, ingeniosa y hasta importante para el continuo del personaje. La primera edición española de este material ya tiene más de 20 años, quizá no estaría mal que Panini se animara, si Marvel lo ha hecho ya en el formato de gran recopilación, a reeditar este material clásico tan interesante y necesario para entender la evolución de uno de los personajes más carismáticos del universo mutante hoy en día.

Glénat relanza Ikkyu en obra completa

2011-06-11T20:32:00.004+02:00

Glénat nos da una buena noticia a todos los aficionados al manga y al cómic en general: el relanzamiento en obra completa de Ikkyu, de Hisashi Sakaguchi (en su edición en catalán). Ikkyu narra la vida de un monje zen del Japón feudal y es una obra maestra del manga de un autor que lamentablemente nos dejó demasiado pronto. Si no habéis leído esta fantástica obra, ahora no tenéis excusa. Copio aquí la información que podéis encontrar también en blog de la editorial:

Bones notícies per als aficionats al manga, a la doctrina zen ia la Història. Aquest juny de 2011 Glénat rellançarà la col.lecció completa d’Ikkyu, l’obra mestra del mangaka Hisashi Sakaguchi. Els quatre volums del manga es vendran en un pack al preu de 19,95 €.

Ikkyu Sojun va ser un monjo, un personatge real que va viure al Japó feudal (1382-1312), i d’ell se sap que va ser fill il·legítim de l’emperador Gokomatsu. Va esdevenir un mestre zen atípic que es va convertir en una de les grans figures del budisme, un gran cal.lígraf, un poeta i, sobretot, un inquiet inconformista que projectava una mirada sempre crítica sobre la seva societat i el seu temps. Abans que Hisashi Sakaguchi transformés la vida d’aquest monjo en un clàssic de culte del manga, Ikkyu ja havia inspirat una popular sèrie d’anime (Ikkyu-san) centrada en la seva infància.

Tot i ser aclamada per la crítica mundial i celebrada per la inmesa majoria dels lectors que a ella es van acostar, Ikkyu no va aconseguir arribar a l’estatus de betseller, ni al seu país d’origen ni amb les moltes edicions que va tenir al voltant del món. L’edició en català., Publicada entre 2006 i 2007 per Ediciones Glénat, no va aconseguir les vendes necessàries perquè la col.lecció pogués mantenir-se en les botigues i va haver de ser descatalogada. Esperem que l’atractiu preu d’aquest van tornar a llançar serveixi perquè aquesta fascinant obra sigui descoberta, finalment, pels molts lectors que es mereix.

Cómic Tecla 34

2011-06-08T18:19:00.000+02:00

Ya está disponible en su página web el número 34 del boletín Cómic Tecla, la publicación sobre el mundo del cómic de la Biblioteca Tecla Sala de L'Hospitalet. Incluye seis “microreseñas” de cómics que quizás hayan pasado desapercibidos (y es una lástima) a cargo de Jaume Vilarrubí, la sección de novedades recomendadas a cargo de David Cuadrado, y las siguientes reseñas: Alec, Barcelona TM, Pinocho Blues, Daytripper, Bodyworld, Muertos de sueño, Greek Street (de un servidor), El invierno del dibujante y Agencia de viajes Lemming.

Lo podéis disfrutar aquí.

Animal Man: ecología y metacómic

2011-06-07T18:44:00.000+02:00

A mediados de los 80, la editora Karen Berger fue la responsable del desembarco en DC de guionistas británicos como Alan Moore (V de Vendetta, La cosa del pantano, Watchmen) o Neil Gaiman (The Sandman), que habían militado en la revista 2000AD. Ellos se habían convertido en sinónimo de calidad y renovación del cómic americano. Otro nombre se añadiría a ellos pronto: Grant Morrison, encargado de los guiones de las series Doom Patrol y Animal Man. En esta última colección, Morrison recogió uno de esos personajes secundarios y olvidadeos para insuflarle una nueva vida: Animal Man es Buddy Baker, un joven que adquiere poderes animales tras la explosión de una nave alienígena. Lo que hubiera sido una ordinaria serie más de superhéroes, Morrison lo convierte en un tobogán de emociones, con una estructura muy bien pensada que, en los primeros números ya dejan intuir que el autor tenía pensada toda su etapa en la serie.

Y es que el mérito de Morrison es doble: por una parte, el personaje permite tocar el tema de los derechos de los animales, algo que apenas se había hecho en cómic antes. Por medio de Animal Man, Morrison critica la caza indiscriminada, la experimentación en laboratorios con animales, el uso de pieles... Por otra, el autor lleva al límite la narración creando un cómic que habla sobre la propia manera de hacer cómics, en un marco tan inesperado como es el género del superhéroes. Se convierte así, en un metacómic en el que el personaje adquiere conciencia de su condición. A quien haya leído Niebla, de Unamuno, le basta saber eso.

Tras publicaciones erráticas en distintos formatos por parte de Zinco y Norma, finalmente ha sido Planeta la que ha editado, en formato omnibus, toda la etapa de Morrison al frente de Animal Man. La serie continuó adelante, incluso con guionistas de renombre como Jamie Delano, y de hecho el personaje sigue inscrito dentro del universo superheroico de DC, pero sería Morrison el que imprimiría el carácter más personal a la serie. La edición de Planeta , en un único volumen, incluye los 26 números de Morrison, sus portadas originales, así como las de los recopilatorios, y varios artículos del mismo guionista.

Reseñas: Simbad (Dibbuks) y Máxima discreción, de López y Martín (Panini)

2011-06-06T08:40:00.032+02:00

(Imagen de la sección aparecida en el periódico. Click para ampliar)

TdV 148: Aventura e intriga

· Simbad. Arleston, Alwett y Alary. Dibbuks, 2011. Navegante de los siete mares, vendedor de objetos mágicos, Simbad es uno de esos personajes surgidos al amparo de Las mil y una noches que nos han quedado como prototipo de aventurero. Sus historias fascinan a pequeños y grandes, pero en especial a aquellos que se acercan por primera vez a la página escrita, con la fascinación y la inocencia que sólo pueden dar las experiencias nuevas. Dibbuks en esta ocasión edita este Simbad en un tomo la serie de tres álbumes escritos por Christophe Arleston y Audrey Alwett, y dibujados por Pierre Alary. En esta historia, Simbad deja a su padre adoptivo para descubrir la verdad sobre sus orígenes. En su búsqueda conocerá a temibles magas, a extrañas criaturas que pueden convertirse en animales, y a un malvado genio y a su dueño que el lector seguramente reconocerá. Una historia llena de aventuras, con un dibujo exótico y bello, y una narrativa bien estructurada y ejecutada. Bellas y seductoras jóvenes, el embrujo de las noches de Bagdad, toques de humor e incluso de feminismo (impagable la puerta parlante de la cueva de Alí Babá)... El lector no ha de buscar más; se trata de un cómic en su sentido más original: una historia que engancha con un dibujo que enamora. En este sentido, es todo un acierto el haber publicado Dibbuks esta obra. ¿Qué más se puede pedir?

· Máxima discreción. Andreu Martín y Alfonso López. Panini, 2011. Antonio, Bernardo, Carlos y Daniel son cuatro amigos a los que la vida ha llevado por caminos diferentes. Mientras que los tres primeros utilizan su empresa como tapadera para negocios sucios con el narcotráfico, Daniel es detective privado. Pero cuando la codicia puede más que la amistad, se destapan algunos comportamientos que nunca habríamos imaginado. Éste es, en pocas palabras, el argumento principal de Máxima discreción.

La línea Panini Noir, donde habitualmente se publican las historias que edita el subsello americano Vertigo Noir, nos sorprende con un producto patrio: Máxima discreción, una historia de Andreu Martín (El sueño eterno, las novelas de la saga Flanagan) y el dibujante Alfonso López (Cambio climático y sostenibilidad, Miguel Núñez: mil vidas más). Una historia que puede pasar desapercibida por lo modesto de su planteamiento, pese a que sus autores son de primera fila. Estamos ante una obra de serie negra de calidad, bien narrada, sin cabos sueltos, e ilustrada con el habitual buen hacer de Alfonso López. Engaños amorosos, traiciones, mentiras, venganza, pero sobre todo, avidez de poder es lo que caracteriza esta obra, que gustará a los amantes del género.

Breves

· El reino salvaje. Kevin Huizenga. La Cúpula, 2011. ¿Existe el cómic abstracto? Si existe, está cerca de El reino salvaje, una obra experimental de Kevin Huizenga. Es un cómic que deja patidifuso al lector en una lectura de contacto. Tiene una primera parte más convencional, casi emparentada con el costumbrismo en cómic, el slice of life, para luego zambullirse en las asociaciones irracionales, en las imágenes yuxtapuestas y el sentido autorreferencial. Un cómic raro y difícil de leer, pero que vale la pena conocer. [Más info en una reseña extendida aquí]

· El caballero errante. Ben Avery y Mike Miller. Random House, 2011. George R. R. Martin está de moda, y es que su obra magna, Juego de tronos, ha llegado con éxito a la televisión. Los seguidores de esta saga literaria son legión, y conscientes de ello, en la colección DeBolsillo ha aparecido El caballero errante, una adaptación al cómic de una precuela de Juego de tronos ambientada en el mismo mundo. Una historia de fantasía, caballeros y superación personal que gustará a los amantes del género.

· Binky Brown conoce a la Virgen María. Justin Green. La Cúpula, 2011. Justin Green es considerado por muchos con el iniciador del cómic autobiográfico precisamente con la obra que ahora La Cúpula recupera: Binky Brown conoce a la Virgen María, una historia personal de traumas religiosos y de obsesiones compulsivas derivadas. Un cómic pionero, innovador, sólo apto para adultos, que llevó a un nuevo terreno al cómic y cuya influencia reconocen autores tan reputados como Robert Crumb o Art Spiegelman.

Mi hermano nocturno

2011-06-04T12:05:00.001+02:00

Dentro de un mes, Jakob cumplirá diez años. Vive solo con su madre, que a menudo le habla del otro Jakob, su hermano, muerto el día en que iba a cumplir diez años. Para ella es evidente que su segundo hijo, nacido nueve meses después del accidente, es la reencarnación del primero. Jakob teme que la historia se repita y él también muera el día de su décimo cumpleaños. En clase de piano, encuentra a Miranda, una chica de su edad, cuya amistad le dará el coraje para asumir su destino.

Gallo Nero publica esta obra, Mi hermano nocturno, a medio camino entre la novela gráfica y el libro ilustrado, que estuvo en la selección oficial del Salón Internacional de Angouléme de 2009. Una obra a veces inquietante, a veces tierna, y ciertamente reflexiva. Mi hermano nocturno habla sobre la idea del "otro", de una forma parecida a como lo hacía Umberto Eco en La isla del día de antes, pero desde la perspectiva de un niño. En la obra, la autora reflexiona sobre la pérdida de un ser amada y de su restitución, y de la misma noción de identidad. Jakob es un niño perdido: su madre apenas le considera un reflejo de la pérdida que sufrió; su padre, es un ser ajeno desvinculado de él. La única conexión que encuentra con el mundo la logra a través de la música: se convierte en su espacio de libertad, a pesar de que en ella también encuentre ecos de su hermano fallecido. En toda esta espiral de sinsentido de una existencia menos vivida, la niña que conoce, Miranda, se convertirá en el acicate, en el psicopompo que exorcizará los miedos de Jakob.

La historia que nos propone la autora se complementa con su trazo personal y quebrado, deslavazado entre el texto. A veces más naïf, a veces más expresionista, tiene cierta deuda con pintores (más que con dibujantes de cómic como Gabrielle Piquet) como Picasso. La unión entre texto e imagen crean una obra de buena combinación.

La autora, Joanna Hellgreen, estudió arte en Suecia, luego en París donde vivió varios años. Publica regularmente sus ilustraciones en revistas extranjeras y suecas.

El cómic abstracto, en Agitadoras

2011-06-01T13:24:00.001+02:00

En la revista digital Agitadoras de este mes se incluye un artículo mío titulado ¿Existe el cómic abstracto?, donde hablo, a rebufo de la publicación del extraño e inclasificable cómic El reino salvaje, de Kevin Huizenga, de las posibilidades de la abstracción en el cómic, o, al menos, del uso de narrativas yuxtapuestas o, en general, sin un sentido lógico. Una discusión curiosa por cuanto enlaza el cómic con otras artes de vanguardia, como el arte contemporáneo o la literatura experimental. Podéis leer el artículo entero aquí.